Casi todos los colores de la oscuridad

"Dream Home", de Pang Ho Cheung

2011-06-15T10:34:00.007+02:00

FICHA ARTÍSTICA:

Título original: "Wai Dor Lei Ah Yut Ho"/ Dirección: Ho-Cheung Pang/ Guión: Kwok Cheung Tsang, Chi-Man Wan y Ho-Cheung Pang/ Producción: Andrew Ooi/ Fotografía: Nelson Yu Lik-wai/ Montaje: Wenders Li/ Música: Gabriele Roberto/ Diseño de Producción: Lim Chung Man/ Efectos Especiales: Yuen Fai Ng y Bart Wong/ Intérpretes: Josie Ho, Michelle Ye, Eason Chan, Norman Chu, Juno Mak, Lawrence Chou, Kwok Cheung Tsang, Hoi-Pang Lo, Hee Ching Paw. Hong Kong. 2010. Color, 96'.

-La Bruja Inmobiliaria-

No es demasiado habitual que el género de terror y el de denuncia social vayan cogidos de la mano. Sin embargo, he aquí una muestra de que en cine todo es posible. Y no sólo es posible, sino que el resultado puede llegar a ser brillante.

Durante los primeros minutos de "Dream Home", parece que nos hallamos ante una muestra más de cine de terror, variante asesinos (muy, muy sanguinarios) en serie. Pero a medida que Pang Ho Cheung, cineasta habitualmente dedicado a la comedia, nos va introduciendo en la vida de la protagonista, "mileurista" trabajadora de una gran corporación bancaria, a través de flashbacks que nos hacen comprender la situación en la que se encuentra y de dónde nace dicha situación, es fácil que nos demos cuenta de cuál es el telón de fondo de esta historia.

Un telón de fondo que no es otro que la actual crisis mundial, entendida como consecuencia, en gran medida, de la burbuja inmobiliaria de hace unos años. Algo que todos hemos vivido, si no en nuestras propias carnes, sí muy de cerca.

A partir de ahí, y sin renunciar en ningún momento a un tratamiento característico del cine de terror, no resulta difícil constatar que este filme posee bastante más enjundia de lo que aparenta. Con un tono de fábula descarnadamente hiperbólica, si se quiere, pero enjundia al fin y al cabo.

Además, Cheung consigue transmitir, de manera especial a través de la fotografía, muy centrada en retratar la urbe llena de altos edificios con una pátina entre melancólica y fantasmal, una sensación de opresión y angustia muy lograda. En ese sentido, los ramalazos gore (ciertamente brutales) no son el único recurso de que el cineasta de Hong Kong se sirve para llamar nuestra atención.

Valga decir que la película no pretende en ningún momento presentar una galería de personajes impecablemente construidos, ni mucho menos. De hecho, existe una tendencia acusada a la ridiculización de todos ellos, como forma de destacar la injusta arbitrariedad del entorno de la protagonista, interpretada de manera magnífica por Josie Ho, que obtuvo el premio a la mejor actriz en el último Sitges.

Ni siquiera se plantea de manera clara la necesidad de justificar los terribles actos del personaje, por parte del espectador. Es más una cuestión de sacudir conciencias y hacer ver hasta qué punto todos hemos sido un poco víctimas y un poco cómplices de todo esto.

Dicho lo cual, "Dream Home", además de ser, tal vez, el filme de terror oriental más brillante desde la coreana "Dos Hermanas" de Kim Ji Woon, es una magnífica muestra de cómo el cine de género puede presentar, detrás de una factura casi impecable, un trasfondo demoledor.

"Gemidos en la oscuridad", de Danny Steinmann

2010-03-03T13:15:00.004+01:00

FICHA ARTÍSTICA:

Título original: "The Unseen"/ Dirección: Danny Steinmann/ Guión: Michael L. Grace y D. Steinmann/ Producción: Anthony B. Unger/ Fotografía: Roberto A. Quezada/ Montaje: Jonathon Braun/ Música: Michael J. Lewis/ Diseño de Producción: Dena Roth/ Efectos Especiales: Harry Woolman/ Intérpretes: Barbara Bach, Sydney Lassick, Stephen Furst, Lelia Goldoni, Karen Lamm, Douglas Barr, Lois Young, Maida Severn. USA. 1980. Color, 91'.

La etiqueta de "american gothic" ha venido sirviendo durante los últimos años para situar temáticamente una serie de filmes e historias con unos esquemas y elementos muy reconocibles, pero que al mismo tiempo han (de algún modo) pervertido el sentido original de la expresión.

Y es que, si nos hemos de ir a la utilización del término en su modo literal, pocas veces encontraremos una oportunidad como con esta película.

Mientras habitualmente el llamado "gótico americano" casi parece limitarse a describir las tramas situadas en entornos rurales, con freaks deformes que se comportan de manera desequilibrada, etc. es decir, al modo de "La matanza de Texas", para hablar claramente, la verdadera naturaleza del estilo gótico en literatura (y en cine) no es tan clara en esos filmes. Mansiones sombrías con estancias ocultas, secretos del pasado, maldiciones que perviven de generación en generación, personajes que sufren y callan...

Sin embargo, Danny Steinmann sí hace aquí un uso adecuado de dicho término en esta malsana fábula de tres chicas que llegan a una casa invitadas por su simpático propietario (a falta de un alojamiento mejor) que vive con su esquiva y enfermiza esposa... y alguien (o algo) más oculto en los sótanos.

Una idea central indudablemente atractiva, que no es rabiosamente original, pero sí parece, de algún modo, integrar los elementos más clásicos del gótico dieciochesco y decimonónico a la América contemporánea.

Lástima que tras un primer tramo casi ejemplar, narrativamente hablando, a Steinmann se le vaya un poco el invento de las manos y especialmente el tercio final de la película acabe haciéndose realmente pesado y repetitivo.

En cualquier caso, ahí queda un intento simpático y no del todo desdeñable. A resaltar, más que la pertinente "cara bonita" del momento (por aquel entonces representada por Barbara Bach), la presencia del entrañable Sydney Lassick como turbio anfitrión de las infortunadas jóvenes.

Por lo demás, "Gemidos en la oscuridad" es una película que, sin ser brillante o memorable y no destacar por nada de manera especial, sí permite un visionado agradable y bastante recomendable para los seguidores de las historias de terror de Robert Bloch o Roald Dahl. Sobretodo hoy en día, cuando no son tantas las oportunidades de ver filmes que se inscriban en ese estilo de terror tan de mediados del siglo veinte.

"Ticks", de Tony Randel

2010-03-02T12:52:00.006+01:00

FICHA ARTÍSTICA:

Título original: "Infested"/ Dirección: Tony Randel/ Guión: Brent V. Friedman/ Producción: Brian Yuzna/ Fotografía: Steve Grass/ Montaje: Leslie Rosenthal/ Música: Daniel Licht y Christopher L. Stone/ Diseño de Producción: Anthony Tremblay/ Efectos Especiales: Doug Beswick/ Intérpretes: Rosalind Allen, Ami Dolenz, Seth Green, Virginya Keehne, Raoy Oriel, Alfonso Ribeiro, Peter Scolari, Dina Dayrit, Michael Medeiros, Barry Lynch, Clint Howard, Rance Howard, Timothy Landfield. USA. 1993. Color, 86'.

Aunque a veces pueda parecerlo, debe ser que no resulta tan difícil crear obras que aún dentro de una intencionalidad modesta, puedan llegar a cumplir de manera efectiva con las exigencias de los espectadores que sólo busquen algo entretenido y una narración lo suficientemente atractiva como para engancharse al sillón y limitarse a pasar un buen rato.

Pues algo tan obvio, en ocasiones se confunde o se enmascara detrás de subproductos que se nos quiere vender como "intrascendentes" o "faltos de pretensiones" y que al final son pura bazofia. Cuando lo cierto es que nadie ha dicho que "modestia" tenga por qué ser sinónimo de "ínfima calidad". Por suerte, aunque es lo más habitual, no siempre ocurre.

Y en ocasiones, aparecen obras como ésta "Ticks", dirigida al mercado doméstico, pero con todos los aditamentos oportunos para convertirla en un pasatiempo más que satisfactorio.

Con un espíritu muy de los ochenta, Tony Randel (autor de la también interesante primera secuela de "Hellraiser"), construye esta típica fábula de bichos mutantes que atacan a un colectivo. En este caso, los bichos son unas garrapatas ciertamente repulsivas y el colectivo un grupo de chavales de índole marginal que van a parar a un paraje natural (pero muy mal escogido, por lo que esconde) de manos de unos tutores muy bien intencionados pero tirando a torpes.

Garrapatas que mutan, se agigantan y se vuelven agresivas nada menos que por la acción descontrolada de unos fabricantes furtivos de drogas, que serán los primeros en sufrir las consecuencias.

El esquema narrativo es tópico y en ese sentido no cabe esperar nada nuevo. Pero, por contra, Randel hace un muy buen uso de los efectos especiales, demostrando una vez más que en ocasiones la imaginación y el talento sirven a las mil maravillas para ocultar o disimular las carencias presupuestarias. Lo cierto es que aquí el carácter "artesanal" de las criaturas da el pego muchísimo más que si estuvieran creadas digitalmente (algo que en la época de la película, 1993, ya empezaba a ser lo más habitual).

Igualmente, entre el reparto encontramos caras conocidas, como a un joven Seth Green antes de dar el salto a productos de mayor envergadura, o al inolvidable Carlton de "El Príncipe de Bel Air" (Alfonso Ribeiro). O también la siempre agradecida y carismática presencia de Clint Howard.

El caso es que todo en "Ticks" es tan bienintencionado y está hecho con un nivel tan evidente de "somos plenamente conscientes de nuestras limitaciones, pero queremos hacéroslo pasar bien", que a la postre lo que nos ofrece es una hora y media de evasión sin interrupciones, al viejo estilo. Lo cual es mucho más de lo que algunos (con muchas más estridencias) pueden decir. Que en tareas de producción aparezca el nombre de Brian Yuzna, ya dice mucho, en ese sentido.

"No miréis en el sótano", de S.F. Brownrigg

2010-02-27T11:59:00.008+01:00

FICHA ARTÍSTICA:

Título original: "Don't Look in the Basement"/ Dirección: S.F. Brownrigg/ Guión: Tim Pope/ Producción: Walter L. Krusz y S.F. Brownrigg/ Fotografía: Robert B. Alcott/ Montaje: Jerry Caraway/ Música: Robert Farrar/ Dirección Artística: Linda Pendleton/ Efectos Especiales: Jack Bennett/ Intérpretes: Rosie Holotik, Bill McGhee, Jessie Lee Fulton, Robert Dracup, Harryette Warren, Michael Harvey, Jessie Kirby, Hugh Feagin, Betty Chandler, Camilla Carr, Gene Ross, Annabelle Weenick y Rhea MacAdams. USA. 1973. Color, 93'.

Película absolutamente curiosa, deliciosa y a descubrir.

Las historias de terror en manicomios siempre han tenido mucha tirada. Pero cuando uno se pone a rebuscar entre ellas, se da cuenta de que tampoco existe un número demasiado elevado de muestras realmente valiosas, cinematográficamente hablando. Pues bien, sin ningún género de duda, "No miréis en el sótano" tiene todos los ingredientes adecuados para convertirse en una de ellas.

Y eso a pesar de que ya tiene sus añitos. Pero la fuerza, la intensidad de sus imágenes y su poderío narrativo permanecen intactos.

El planteamiento es más o menos tópico. Una nueva enfermera llega a una institución mental y a través de ella, o a través de sus ojos, iremos conociendo a toda la "fauna" que habita el lugar. Pacientes y médicos que, en un momento dado, pueden ser perfectamente intercambiables, a la hora de inspirar temor o inquietud.

A pesar de ese aspecto tópico y previsible de la historia, así como del patente bajo nivel presupuestario, Brownrigg es capaz de conseguir una narración que en ningún momento deja de transmitir mal rollo. Los pacientes, por tal y como están construidos, así como por lo bien interpretados, resultan auténticamente temibles, muy creíbles. En cualquier momento puede suceder cualquier cosa, es algo que se masca desde el principio.

El guión, por cierto, lo firma Tim Pope, en su única experiencia en este sentido, ya que luego se dedicó a filmar numerosas películas musicales, videoclips, etc. de bandas y figuras de primerísimo nivel, como The Cure, Queen, David Bowie, Iggy Pop... además de la secuela de "The Crow".

Aunque la truculencia tan sólo asome en momentos muy determinados de "No miréis en el sótano", lo hace de un modo harto contundente, como debe ser. Y el clímax final, en especial, es de los que permanecen en la retina durante bastante tiempo. En ese sentido, el equilibrio entre el terror psicológico y el más directo y explícito resulta magnífico.

Y es curioso, porque no estamos ante una película diseñada con ínfulas o con pretensiones de cariz trascendental. Es más bien una obra concebida más bien como un "grand guignol" al estilo Curtis Harrington ("Qué le pasa a Helen?", "¿Qué sucedió con Tía Roo", "Ruby", etc.) Pero, en cambio, su efectividad a la hora de inspirar tensión resulta mucho más elevada que en otros casos más ambiciosos y a la postre mucho más fallidos. De nuevo, el terror de los años setenta. Sin concesiones a la galería. Si una película pretende ser enfermiza, lo es sin medias tintas.

El reparto merece una mención especial. Empezando por la guapísima protagonista, Rosie Holotik, dicho elenco está integrado por intérpretes muy desconocidos, pero sin embargo su trabajo es meritorio.

Es muy posible que el buen resultado que la película consigue esté logrado por el modo en que está planteada la narración. A pesar de que los niveles de tensión son crecientes, desde la primera secuencia hasta la última hay momentos inquietantes. De este modo, el comportamiento totalmente imprevisible de los locos hace que, aunque todo parezca encaminado al citado clímax final, el desarrollo sea igualmente interesante.

En definitiva, "No miréis en el sótano" es una de esas pequeñas piezas de bajo presupuesto, pero larguísimo alcance. De modo que aún, a día de hoy, puede ser disfrutada en todo su terrorífico y malsano esplendor.

"Llamada asesina", de Christian Niby II

2010-02-26T13:03:00.005+01:00

FICHA ARTÍSTICA:

Título original: "A Whisper Kills"/ Dirección: Christian Niby II/ Guión: John Robert Bensink/ Producción: Hans Proppe/ Fotografía: Arch Bryant/ Montaje: David Solomon/ Música: Charles Bernstein/ Diseño de Producción: Tom Wells/ Intérpretes: Loni Anderson, Joe Penny, June Lockhart, James Sutorius, Jeremy Slate, Joe Lerer, Martin Ponch, Robert Parnell, Kristopher Logan, Joe Knowland, Bernie Hern, Franc Ross, Morgan Upton. USA. 1988. Color, 93'.

Volvemos a los telefilmes, con dos auténticos pesos pesados de este tipo de películas: Christian Niby II en la dirección y Loni Anderson como protagonista.

La Sra. de Burt Reynolds interpreta a una empresaria de los medios de comunicación que se convierte en la principal sospechosa de una serie de asesinatos a los que precede una llamada telefónica amenazante con voz de mujer.

También encontramos a Joe Penny, típico guaperas del momento que nunca llegó a nada especialmente destacado como intérprete y que aquí ejerce de "machote" contrapunto masculino a la recauchutadísima Anderson. Ni que decir tiene, uno de los puntos álgidos de la peli es el momento en que ambos se enrollan.

De cualquier forma, "Llamada asesina" es un telefilme clásico de los ochenta, previsible y rutinario, aún dentro de su corrección. No se echa demasiado en falta la sangre, sencillamente porque no es nada habitual verla en productos de estas características.

¿Suspense? Pues tampoco demasiado. Especialmente si tenemos en cuenta que aquello que se supone constituye el mayor punto de interés del guión, es decir, la identidad del asesino o asesina, no es nada difícil imaginarlo.

En todo caso, Niby II ya demostró en numerosos episodios dirigidos para la televisión de series como "Luz de luna" que se le dan bastante bien los retratos románticos más o menos maduros. En ese sentido, aquí hay un interés evidente en los dos personajes principales, sin descuidar a tres o cuatro secundarios aceptablemente bien construidos.

Así pues, contemplar esta película como un telefilme del montón supone la postura más adecuada a la hora de enfrentarse a ella. Si por el contrario lo que se busca es una historia dura, tensa y que provoque inquietud, esperar algo así aquí es como buscar gore en una novela de Antonio Gala.

"La noche del horror sangriento", de Joy N. Houck, Jr

2010-02-25T13:04:00.005+01:00

FICHA ARTÍSTICA:

Título original: "Night of the Bloody Horror"/ Dirección: Joy N. Houck, Jr/ Guión: Robert A. Weaver y Joy N.H. Jr/ Producción: Joy N. Houck, Jr/ Fotografía: Robert A. Weaver/ Montaje: Robert A. Weaver/ Maquillaje: Philip St. Jon/ Intérpretes: Gerald McRaney, Gaye Yellen, Michael Anthony, Gerald C. Arnato, John Barber, The Bored, Lisa Dameron, Dalton Dedward, Jay Deffelloe, Sr., Farley Dennis, Mark Flemming, Philip Flemming, Steve Friedman, David Gelpi, Louis Grapes, Evelyn Hendricks. USA. 1969. Color, 78'.

Si la película tiene un título llamativo, el nombre del director no lo es menos. Un cineasta y actor ocasional casi siempre relacionado con el género terrorífico, pero sin que ninguna de sus obras haya obtenido nunca demasiado reconocimiento.

En realidad, si hay que describir ante qué tipo de filme nos hallamos, un nombre que nos puede servir muchísimo como referencia es el de Roger Corman. Pero no el Corman más académico de las adaptaciones sobre obras de Poe, sino el Corman más arriesgado y casi experimental. El de obras como "Un cubo de sangre".

No en vano, "La noche del horror sangriento" es una película eminentemente sesentera, con considerables influencias del ambiente psicodélico de aquel momento. Un ambiente que, en ocasiones, llegó a introducirse de lleno en el cine y que aquí destaca especialmente en un breve interludio musical (realmente potente) a cargo de una ignota banda llamada The Bored.

Houck, Jr. se sirve de una narración sincopada, llena de planos que se entrecortan y atropellan, con enfoques (y desenfoques) que le dan a la película una cadencia casi jazzística, aún dentro de lo que se pretende sea un ambiente básicamente alucinógeno.

Y ello es para desarrollar una trama con asesino psicópata que puede recordarnos muchísimo a "Psicosis", porque también encontramos a un protagonista inestable y dubitativo, dominado por la figura materna, que se relaciona de manera anormal con las chicas que va conociendo.

Otro de los aspectos que relacionan esta película con el cine de Corman es su innegable factura amateur. Con actores de escaso nivel, pobreza de escenarios y las clásicas carencias del cine más modesto.

Con todo, "La noche del horror sangriento" es una curiosidad apetecible para los estudiosos del cine de terror que gusten de indagar en él y descubrir de vez en cuando pequeñas piezas perdidas en el limbo que no acaban de tener ningún elemento o ingrediente que les permita haber formado parte del acerbo más o menos recurrente del género. Más como ejemplo coyuntural de una época que como verdadera muestra de cine perdurable.

"Messengers 2", de Martin Barnewitz

2010-02-24T13:13:00.007+01:00

FICHA ARTÍSTICA:

Título original: "Messengers 2: The Scarecrow"/ Dirección: Martin Barnewitz/ Guión: Todd Farmer/ Producción: Andrew Pfeffer/ Fotografía: Lorenzo Senatore/ Montaje: Matt Michael/ Música: Joseph LoDuca/ Diseño de Producción: Bobby Michaels/ Efectos Especiales: Ryan Spike Dauner/ Intérpretes: Norman Reedus, Heather Stephens, Claire Holt, Richard Riehle, Darcy Fowers, Matthew McNulty, Laurence Belcher, Vladimir Yossifov, Michael McCoy, Kalina Green, Erbi Ago. USA. 2009. Color, 90'.

¿Necesitaba la primera película de los Hermanos Pang en Estados Unidos una secuela? Pregunta irrelevante. Las secuelas se hacen, independientemente de lo necesarias que sean. Aunque sea para mandarlas directamente al mercado videográfico, como sucede en este caso.

Poca importancia tiene que la primera de la saga no fuese especialmente notable, o que tampoco arrastrase a las masas al cine. En lugar de arriesgarse a partir de cero y tratar de construir un filme que se valore por sí mismo, hay que aprovechar un título que ya esté en circulación.

En realidad, si el título fuese otro y nadie nos dijese que esto es una secuela (precuela, más propiamente) de "The Messengers", tampoco nos daríamos cuenta, lo cual no deja de resultar paradójico, teniendo en cuenta que el guionista es el mismo. Pues bien, ni siquiera él se sirve del filme anterior para elaborar un guión mínimamente bien relacionado.

Y es que "Messengers 2" pasa por ser básicamente otra de esas tramas de horror rural, que ni siquiera es original a la hora de situar la narración en pleno campo de maíz (ahí está la célebre saga iniciada por el relato de Stephen King, su primera adaptación y luego toda la serie). Tampoco en el desarrollo del argumento, que nos podría recordar a cien mil argumentos similares.

La cosa va de: llegar una familia a una casa de campo para empezar una nueva vida, colocar a un espantapájaros en el maizal, empezar a suceder cosas extrañas y la familia que se rompe a causa de los acontecimientos y del aparente hechizo o subyugamiento que sufre el padre propiciado por una influencia maligna, aspecto que lo sitúa en contra de su esposa e hijos.

A diferencia de la peli de los Pang, en que los hechos acaecían principalmente en el interior de la casa, aquí casi todo ocurre en el exterior, a cielo abierto. El danés Martin Barnewitz se sirve de toda la iconografía habitual en estos casos (maíz, espantapájaros, cielos amenazantes...) para conseguir cierta atmósfera de terror y contarnos, con la ayuda de un reparto que, sin ser para tirar cohetes, sí está bastante apañadito (Norman Reedus, Heather Stephens...) esta historia de limitado alcance.

Un alcance limitado, por cuanto no va más allá que cualquier otro pasatiempo de similares características y por cuanto cumple fehacientemente con el infalible axioma de que las secuelas no suelen estar a la altura de las primeras películas. Con el agravante (que tampoco es nuevo) de que, en este caso, la original tampoco era nada del otro jueves.

"Paranoia", de Larry Brand

2010-02-23T13:02:00.008+01:00

FICHA ARTÍSTICA:

Título original: "Paranoia"/ Dirección y Guión: Larry Brand/ Producción: Eli Kabillio/ Fotografía: Richard Dallett/ Montaje: Tom McCardle/ Música: Martin Trum/ Diseño de Producción: Jeffrey Rathaus/ Intérpretes: Brigitte Bako, Larry Drake, Sally Kirkland, Robert Floyd, Stephen Gevedon, Scott Valentine, Marty McDonough, Mary Jane Wells, Jacques Sandulescu, Emanuel Yarbrough, Bernadette Quigley, Irma St. Paule, Seth Copans. USA. 1998. Color, 86'.

Las historias de psicópatas que acosan a las chicas son ya un clásico, dentro del cine de suspense y terror. Especialmente en la década de los setenta vivieron su mejor momento, gracias a filmes como "Alguien me espía" de John Carpenter o, ya más en el ámbito del slasher puro y duro, "Llama un extraño". Aunque uno de los primeros títulos que nos vienen a la cabeza es "Las tres caras del miedo" de Mario Bava (en concreto, su primer segmento).

El caso es que ahora mismo lo más habitual es encontrar ya a las chicas plantando cara a sus potenciales asesinos. La figura de la fémina asustada e impotente parece por un lado algo pasado de moda, además de políticamente incorrecto, por otro. Sin embargo, el polifacético (actor, guionista, director, productor...) Larry Brand no parecía pensar lo mismo cuando se decidió a dirigir esta película en pleno 1998. Antes de ayer, como quien dice.

El punto de partida es más o menos tópico: asesino múltiple que cumple su condena y sale de la cárcel dispuesto a acabar con la única testigo que quedó viva de su mayor "hazaña criminal". El desarrollo no lo es menos: chica asustada que trata de escapar al acoso del psicópata refugiándose en lugares remotos y pidiendo ayuda a algún amigo policía. El desenlace... bueno, tampoco vale la pena contarlo todo.

La protagonista es Brigitte Bako y el psicópata es ese intérprete del que también hablábamos con motivo de la reseña de "Dark Asylum" y que seguramente algún día veremos cómo un director le "descubre" y le coloca en algún papel susceptible de situarle en primer plano, en lugar de tener que verle siempre relegado a subproductos como éste: Larry Drake. Al menos, es lo que este infravaloradísimo actor merecería.

De todos modos, poco más ofrece "Paranoia". Con una factura más de telefilme de sobremesa que otra cosa, la película de Brand discurre por todos los terrenos y lugares comunes imaginables. Ni siquiera hay un suspense con un mínimo de consistencia y por contra sí hay un par de secuencias directamente risibles, como la del criminal comprándose un cuchillo de cocina ante la "aterrorizada" mirada de la dependienta.

Así pues, nada nuevo bajo el sol. Y encima, sin el encanto de lo genuino. Claro que tampoco cabe esperar mucho más de un cineasta cuya contribución más "sonada" al séptimo arte pasa por ser el guión de "Halloween: Resurrection", además de un puñado de filmes de temáticas muy similares a "Paranoia" y de parecida mediocridad.

"End of the Line", de Maurice Devereaux

2010-02-22T12:44:00.006+01:00

FICHA ARTÍSTICA:

Título original: "End of the Line"/ Dirección y Guión: Maurice Devereaux/ Producción: Adrien Morot y M. Devereaux/ Fotografía: Denis Noel-Mostert/ Montaje: M. Devereaux/ Música: Martin Gauthier/ Diseño de Producción: Jean-Philippe Hebert/ Intérpretes: Ilona Elkin, Nicolas Wright, Neil Napier, Emily Shelton, Tim Rozon, Nina Fillis, Joan McBride, Danny Blanco, John Vamvas, Robin Wilcock, Kent McQuaid, Robert Vézina, David Schaap. Canadá. 2007. Color, 90'.

Si en el cine de terror un aspecto es fundamental a la hora de introducir al espectador en un estado anímico determinado, ése es el escenario. El lugar donde los acontecimientos van a tener lugar. Eso lo sabían muy bien los góticos. De ahí que los castillos, mansiones o casas encantadas fuesen escenarios habituales a la hora de situar la acción.

Con el paso de los años, los creadores han seguido imaginando posibles entornos proclives a la tensión y que, de alguna forma, añadiesen a la trama un elemento más de interés. De este modo, las carreteras desérticas, los campus de las universidades, etc. se han ido añadiendo a la colección de los escenarios recurrentes del género.

Y si nos situamos en las grandes ciudades, ¿qué lugar más sugerente (y no demasiado explotado aún) podemos encontrar que el Metro? Especialmente a según qué horas y en determinadas circunstancias.

Eso es lo que hace en este filme canadiense Maurice Devereaux para situar su particular odisea terrorífica. Una odisea que sufrirán algunos ocupantes de un convoy metropolitano a la hora de enfrentarse (huir más bien) de un grupo de sectarios asesinos que andan sueltos y se dedican a "convertir" a todo lo que se mueve. A convertirlos en fiambre, básicamente.

La protagonista se verá metida de lleno en esa pesadilla, sumándose a las premoniciones y visiones de horror que la joven viene arrastrando últimamente. Y lo hará en compañía de varios personajes (más o menos prototípicos y esquemáticos) mientras todos ellos tratan de escapar de sus sanguinarios perseguidores recorriendo las interioridades de ese paisaje suburbano y opresivo.

Seguramente lo más destacable de "End of the Line" es su ritmo vertiginoso y su truculencia. Devereaux no escatima violencia y horror explícito. Bajo un esquema que bien podría asemejarse a las tramas de zombies o infectados (en este caso, las criaturas sedientas de sangre son religiosos histéricos, como ha quedado dicho), la película transita por los terrenos narrativos más o menos actuales, sin rehuir sustos gratuitos y un guión que en los primeros momentos da la sensación de estar bastante más elaborado de lo que resulta ser a la postre.

Dicho guión, por cierto, nos reserva una pequeña sorpresa final que no conviene desvelar y que si no contribuye a que la sensación global del filme sea más positiva (nos hallamos ante una obra correctita, sin más), sí por lo menos deja un cierto regusto agradable.

En todo caso, "End of the Line" es un producto muy del momento, con todo lo bueno y lo malo que tiene dicha expresión. Por lo menos no es un remake ni una secuela, aunque en todo momento nos recuerde a muchas otras cosas, a pesar del esfuerzo por evidenciar cierta originalidad. No recomendable para fundamentalistas religiosos, ni para embarazadas con claustrofobia.

"Shakma", de Tom Logan y Hugh Parks

2010-02-21T12:55:00.004+01:00

FICHA ARTÍSTICA:

Título original: "Shakma"/ Dirección: Tom Logan y Hugh Parks/ Guión: Roger Engle/ Producción: Hugh Parks/ Fotografía: Andrew Bieber/ Montaje: Mike Palma/ Música: David C. Williams/ Dirección Artística: Edward Bennett/ Efectos Especiales: David Goodell/ Intérpretes: Christopher Atkins, Amanda Wyss, Roody McDowall, Rob Edward Morris, Tre Laughlin, Greg Flowers, Ann Kymberlie, Donna Jarrett. USA. 1990. Color, 101'.

Pues parece que la cosa sigue yendo de animales peludos. En este caso, no estamos ante un humano convirtiéndose en "algo" sino a un mono con muy mala baba. No son muchas las historias de terror en cine protagonizadas por monos (dejando de lado al primate cinematográfico por excelencia, "King Kong", evidentemente), aunque algo anterior a ésta que nos ocupa hoy recordamos "Atracción diabólica" de George A. Romero.

En "Shakma", la presencia del bicho todavía impone más. Y tal vez en esa cierta originalidad del planteamiento, amén de alguna que otra presencia como la del nunca bien ponderado Roddy McDowall es donde residen los mayores reclamos de este filme dirigido a cuatro manos por dos cineastas poco relevantes.

En cualquier caso, una vez establecido el punto de partida y el escenario de la película (escenario del cual no nos moveremos en ningún momento) sólo queda por ver las evoluciones del "mono loco" pululando por los pasillos y las habitaciones, acabando con los incautos frikis (McDowall ejerce de Master) que pasan el rato jugando a rol.

Y bien, no se puede negar que el filme es efectivo. Porque la simplicidad del planteamiento está muy bien aprovechada a la hora de mostrar lo que (al fin y al cabo) el espectador está deseando ver. En ese sentido, la truculencia es generosa y la narración no da lugar al aburrimiento, a pesar de lo repetitivo de las situaciones.

Además, si ya de por sí resulta agradable ver al gran McDowall, amén de al bicho furioso dando saltos y arrasando con todo, por el mismo "precio" tenemos la oportunidad de contemplar el impagable careto de susto del otrora ídolo adolescente femenino Christopher Atkins ("El lago azul"), realmente poco más se puede pedir.

Es más, contemplada con una cierta perspectiva, "Shakma", a pesar de ser relativamente reciente, casi se puede considerar como precursora a la hora de narrar una trama terrorífica con estructura de videojuego. Y desde luego, bastante más entretenida que muchas de las que, años después, adoptaron semejantes esquemas y que a día de hoy nos siguen inundando las pantallas con muchos más efectos especiales y considerablemente menos encanto.

"Los colmillos del lobo", de Fred F. Sears

2010-02-20T13:09:00.005+01:00

FICHA ARTÍSTICA:

Título original: "The Werewolf"/ Dirección: Fred F. Sears/ Guión: James B. Gordon y Robert E. Kent/ Producción: Sam Katzman/ Fotografía: Edward Linden/ Montaje: Harold White/ Música: Mischa Bakalaeinikoff/ Maquillaje: Clay Campbell/ Intérpretes: Steve Ritch, Don Megowan, Joyce Holden, Eleanore Tanin, Kim Charney, Harry Lauter, Larry J. Blake, Ken Christy, James Gavin, S. John Launer, George Lynn, George Cisar, Marjorie Stapp, Fred Sears. USA. 1956. B/N, 79'.

Ahora que Benicio del Toro y Joe Johnston han vuelto a poner en el mapa la que es, seguramente, la menos prolífica de todas las clásicas criaturas del terror de la Universal, no está de más repasar algunos de esos filmes más o menos ignotos para el gran público que se corresponden con la misma temática. Y es que ya está bien de tanto vampiro, demonios.

"Los colmillos del lobo" es una producción típica de los años cincuenta, dentro del género de terror. Reconocible, del mismo modo que lo son las clásicas historias de CF de la misma época. Casi siempre con claras trazas de serie B y caracterizadas todas ellas por presentar una narración tan ingenua y carente de pretensiones, como imaginativa y simpática.

Fred Sears es un auténtico especialista en este tipo de productos. Ya sea como actor o como director. Ahí está la archifamosa "La Tierra contra los platillos volantes", un auténtico clásico de la CF de los cincuenta.

De hecho, el tratamiento que aquí Sears otorga a la figura del hombre lobo o licántropo bebe de algunas fuentes lindantes a la Ciencia Ficción. Y es que por ahí anda suelto también un mad doctor que, de hecho, es el responsable último de la licantropía que sufre el protagonista. Un Sears que, por cierto, aquí se reserva el papel de narrador de la historia, como voz en off que otorga mayor clasicismo a la propuesta.

Digamos que la forma en que se desarrollan los acontecimientos del filme lo emparentan, en cuanto a su esquema y estructura, con el cine negro. De hecho, si elimináramos el aspecto terrorífico del personaje, casi podría tratarse del típico fugitivo que es buscado por toda una pequeña comunidad mientras él trata de escabullirse de dicha persecución. A eso se reduce básicamente la trama. Sin embargo, tampoco está exenta la cinta de algún que otro elemento dramático, que le otorga indudable consistencia.

Aspectos siempre importantes en este tipo de películas, como el maquillaje, están suficientemente bien tratados. Estamos hablando, lógicamente, de una obra de artesanía que aún estaba muy lejos de la irrupción de avances y genios como Rick Baker. En ese sentido, el maquillaje del hombre lobo aquí nos puede recordar perfectamente tanto a las clásicas obras de Terence Fisher, como a nuestro hombre lobo particular, Paul Naschy.

Por lo demás, "Los colmillos del lobo" es un filme modesto, que no pretende más que hacer pasar un rato entretenido a todos los amantes del terror clásico en blanco y negro. Y desde luego, lo consigue. Como ha quedado dicho, en tiempos como estos, en que el 90% del género parece copado por los vampiros o los zombies, siempre es agradable profundizar en otro tipo de personajes e historias.

"El crepúsculo de Summer", de Lee Demarbre

2010-02-19T12:29:00.005+01:00

FICHA ARTÍSTICA:

Título original: "Summer's Blood"/ Dirección: Lee Demarbre/ Guión: Travis Stevens, Sean Hogan y Christine Conradt/ Producción: Neil Bregman y Pierre David/ Fotografía: Ioana Vasile/ Montaje: Andre Coutu/ Música: Steve Gurevitch/ Maquillaje: Angie Reid/ Intérpretes: Ashley Greene, Peter Mooney, Barbara Niven, Stephen McHattie, Peter Michael Dillon, Cinthia Burke, Paul Whitney, Sean Tucker, Daniel Simpson, Teri Loretto, Danielle Kind, Allison Graham. Canadá. 2009. Color, 87'.

Los fenómenos mediáticos fulgurantes y masivos suelen llevar consigo toda una serie de efectos colaterales, algunos de ellos francamente desagradables. Otras veces, no tanto.

El fenómeno en este caso sería la celebérrima saga "Crepúsculo", con la que "El crepúsculo de Summer" tan sólo tiene en común el hecho de estar protagonizada por una de sus actrices principales (Ashley Greene). Y el título en español, claro. Un título en el que algún "avispado" distribuidor ha tenido a bien introducir la palabra "crepúsculo" como hipotético reclamo. En realidad, el título en inglés no sólo es distinto ("Summer's Blood") sino que al menos, tiene algún sentido.

En fin, lo que encontramos en esta película canadiense es una de esas tramas de familias psicópatas de las de toda la vida. O mejor, dicho, con alguna que otra diferenciación, no excesivamente llamativa. En este caso, la familia no pasa por ser el típico núcleo de freaks medio desfigurados y demás, sino que su apariencia externa es la de un grupo más o menos normal de personas: la mamá, el papá (que cobrará todo su protagonismo en el tramo final) y el hijo, un muchacho encantador que se las lleva de calle (y luego las hace pedacitos cómodamente en el sótano).

La protagonista, que aquí se topa con el ligón en cuestión, quien se encapricha de ella para algo más que para descuartizarla (en el fondo es un romántico) se las verá y deseará para escapar de tan comprometida situación, siendo testigo impotente de los desbarres de sus desequilibrados captores.

Lee Demarbre, el responsable de este filme (y director de esa pieza de culto absoluto llamada "Jesucristo Cazavampiros"), en ningún momento consigue dotar a su película de la consistencia de otras con tramas que mantienen algún que otro punto en común, como "Hard Candy". En este caso, la relación entre secuestrador y secuestrada no da para más que diez minutos antes de volverse cansina y repetitiva. Carente de la menor tensión. Igualmente, tampoco cristaliza el aprovechamiento de algún punto del guión susceptible de mayor brillo, como la condición de la protagonista y su (potencial) transmutación de víctima a verdugo.

En la película no faltan personajes absurdos (la mecánica maciza, que más bien parece sacada de una fantasía de motero que otra cosa) o secundarios de cierto peso, como Stephen McHattie (uno de esos rostros archi-populares que uno nunca asocia con un nombre concreto) quien aquí pretende erigirse en una especie de Frank Booth de pacotilla, como sádico e imprevisible cabeza de familia.

A todo esto, la tal Ashley Greene, que busca su pequeño y efímero puesto como la nueva Jennifer Love Hewitt o Sarah Michelle Gellar, va a tener que seguir intentándolo por otro lado, porque por lo visto aquí, tampoco pasa por ser mucho más que uno de esos rostros de adolescente buenorra pero sin carisma de ninguna clase.

"La Mansión", de Armand Weston

2010-02-18T12:42:00.005+01:00

FICHA ARTÍSTICA:

Título original: "The Nesting"/ Dirección: Armand Weston/ Guión: Daria Price y A. Weston/ Producción: Armand Weston/ Fotografía: Joao Fernandes/ Montaje: Jack Foster/ Música: Jack Malken y George K. Scholes/ Efectos Especiales: Matt Vogel/ Intérpretes: Robin Groves, Christopher Loomis, Michael David Lally, John Carradine, Gloria Grahame, Bill Rowley, David Tabor, Patrick Farrelly, Bobo Lewis, June Berry, Ann Varley, Cecile Lieman, Ron Levine, Bruce Kronenberg, Jim Nixon, James Saxon . USA. 1981. Color, 98'.

Hoy nos hallamos ante uno de esos ejemplos que demuestran fehacientemente cómo el tiempo es un juez implacable. No estaría tan claro si estuviésemos hablando de una película de hace cuarenta o cincuenta años. Pero desde el momento que nos referimos a un filme que ni siquiera tiene treinta y ya presenta tantísimas muestras de "caducidad", es como para verlo medianamente diáfano.

El género de terror es un género difícil, qué duda cabe. Ya no hablamos en términos de originalidad, o de valor artístico. Simplemente se trata de constatar hasta qué punto la finalidad principal de una historia terrorífica (esto es: asustar) se cumple o no. De este modo, si una narración pretendidamente de terror, acaba provocando más hilaridad que otra cosa, puede decirse que el fracaso es total.

Y es que esa línea que separa lo terrorífico de lo ridículo es a veces tan fina, que un mismo filme, puede traspasarla en más de una ocasión. Éste es el caso.

Vaya por delante que el punto de partida ya resulta, cuanto menos, discutible. Una escritora con problemas psicológicos de índole fóbica se traslada a vivir a una aislada y enorme mansión. Vamos a ver... tampoco se trata de hilar del todo fino, pero en principio diríase que la cosa no tiene demasiado sentido, ¿verdad?

El caso es que, lógicamente, la casa no tardará en dar muestras de tener vida propia y un pasado turbio y sangriento, amén de una serie de individuos que la rodean que tampoco resultan compañías de lo más agradable. No hace falta decir que la pobre mujer (interpretada por la mediocre actriz Robin Groves), no mejorará nada de sus dolencias psíquicas.

Tampoco seamos del todo sarcásticos. El planteamiento de fondo no sólo no resulta absurdo, sino que se inscribe de lleno en los parámetros de las tramas fantasmales y de casas encantadas más clásicas. Incluso el hecho de que los fantasmas de esta ocasión sean prostitutas (la casa en cuestión era un burdel) añade un punto de cierta originalidad a la propuesta. Lo que ocurre es que Armand Weston dispone una serie de personajes y situaciones que van de lo correcto (de hecho, hay secuencias bastante truculentas) a lo (de nuevo aparece la fea palabreja) ridículo.

Ni siquiera presencias tan importantes en roles secundarios como las de Gloria Grahame o John Carradine ayudan a que "La Mansión" pase de ser una película cuya validez (si alguna vez la tuvo) a día de hoy no aparezca por ningún sitio. Es un filme ingenuo y, como ha quedado dicho, involuntariamente cómico en muchos momentos. Da toda la sensación de que ya nació avejentada. Mención destacada para el montaje, especialmente chapucero.

"El guerrero del tiempo", de Willard Carroll

2010-02-17T13:34:00.006+01:00

FICHA ARTÍSTICA:

Título original: "The Runestone"/ Dirección: Willard Carroll/ Guión: W. Carroll, sobre una novela corta de Mark E. Rogers/ Producción: Harry E. Gould, Jr. y Thomas L. Wilhite/ Fotografía: Misha Suslov/ Montaje: Lynne Southerland/ Música: David Newman/ Efectos Especiales: John Eggett/ Intérpretes: Peter Riegert, Joan Severance, William Hickey, Tim Ryan, Mitchell Laurance, Lawrence Tierney, Dawan Scott, Chris Young, Alexander Godunov, Donald Hotton, Erika Schickel, Bill Kalmenson, Arthur Malet, John Hobson, Anthony Cistaro. USA. 1990. Color, 98'.

Algunos años antes de ofrecernos la que, hasta ahora, es su mejor película como director, aquella bonita pieza romántica coral de vidas cruzadas llamada "Jugando con el corazón", Willard Carroll se atrevía para su ópera prima con este filme fantástico de divertida y entretenida factura, también conocido como "La maldición de la piedra".

Una factura de serie B, pero de las que resisten el paso del tiempo, gracias al dinamismo con el que está construida, amén de contar con rostros interesantes y elementos narrativos que la hacen francamente disfrutable.

En cuanto a su espíritu podría recordar un poco a filmes como "The Relic" o "Los Inmortales". Películas que sitúan lo fantástico en entornos urbanos y modernos, en lugar de aislarlos en terrenos y escenarios de pura fantasía.

En este caso, asistimos al descubrimiento de una piedra (maldita, cómo no) de procedencia nórdica que desencadenará el paso a nuestra dimensión de una criatura terrorífica, la cual dejará a su paso un rastro sangriento.

Lo mejor de "El guerrero del tiempo" es su ritmo, trepidante y satisfactorio para el tipo de película de que se trata. Los personajes resultan todo lo atractivos que pueden llegar a ser para una historia que, como ha quedado dicho, se inscribe de lleno en los parámetros de la serie B más imaginativa. Incluso los efectos especiales, vistos a día de hoy (a pesar de que la película tan sólo cuenta con veinte años de antigüedad), también encajan en esos márgenes. Modestos, pero no delirantemente casposos.

Asimismo, se agradece que la criatura/demonio de la función se haga de rogar, en el sentido de que tardamos un poco en verla en todo su aterrador aspecto. Eso hace que sus primeras apariciones, en forma de sombra, con planos parciales de su cuerpo, etc. nos mantengan atentos y expectantes.

Por lo demás, presencias tan características como las de William Hickey, Alexander Godunov (¿qué se habrá hecho de este hombre?) o el mítico Lawrence Tierney (muy poquito antes de convertirse en uno de los "reservoir dogs" tarantinianos) contribuyen a que "El guerrero del tiempo" mantenga su pequeña vitola de entretenimiento frugal, pero muy simpático.

"Dragon Head", de Joji Lida

2010-02-16T12:13:00.004+01:00

FICHA ARTÍSTICA:

Título original: "Doragon Heddo"/ Dirección: Joji Lida/ Guión: M. Nakamura, H. Saito y J. Lida, sobre un manga de M. Mochizuki/ Producción: Takashi Hirano/ Fotografía: Junichiro Hayashi/ Montaje: Masahiro Onaga/ Efectos Visuales: Masaru Tateishi/ Intérpretes: Satoshi Tsumabuki, Sayaka, Takayuki Yamada, Nahoito Fujiki, Yoshimasha Kondo, Kyusaku Shimada, Minori Terada, Jinpachi Nezu. Japón. 2003. Color, 122'.

Ésta podría ser perfectamente una de las reseñas más cortas de la historia. Desde luego, la película lo merecería. Aunque sólo fuese como contrapunto al mayor lastre que tiene: su interminable e injustificable metraje. Pero bueno, como se trata de hablar un poco de qué se puede encontrar (o no) dentro de cada filme, me extenderé un poquito más.

Partimos de la base de que nos hallamos ante una adaptación. La adaptación de un manga de apreciable éxito, obra de Minetaro Mochizuki.

Dicho manga nos narra la epopeya de tres adolescentes que sobreviven a un extraño y terrible accidente de tren subterráneo y que, tras emerger a la superficie se encontrarán con un escenario totalmente apocalíptico y devastador.

Con alguna que otra influencia de clásicos como "El señor de las moscas", "Dragon Head" pasa por ser una más de las historias post-apocalípticas que de vez en cuando nos regala el género fantástico, ya sea en literatura o en cine.

Lo que ocurre, es que en esta ocasión, el material de partida es tan escaso, que tanto los diez volúmenes de que consta el manga, como las dos horas y pico de película, se hacen insoportables, eternas.

En ese sentido, como adaptación, la película se ajusta perfectamente a la obra original. Todo está contado al mismo ritmo. Igualmente puede decirse de los personajes, fielmente retratados y (esto ya es una opinión personal) a cual más insoportable. Se dedican básicamente a darse gritos y arrastrarse de un lado a otro, sin que el espectador empatice para nada con ellos. Pero eso ya estaba así en el manga, que tras la primera sensación de intriga y una atmósfera de peligro latente no del todo desdeñable, se hundía por completo en el tedio.

Es innegable, además, que el filme de Joji Lida es no sólo respetuoso con la historia, sino que visualmente muestra un aspecto muy trabajado, erigiéndose este punto en lo más destacable de la película.

Por lo demás, del mismo modo que al cómic de Mochizuki le sobraría perfectamente la mitad de su extensión (siendo espléndidamente generoso), con la peli sucede igual. Lida se toma un espacio de tiempo a todas luces exagerado para ilustrar una obra que apenas daba para más de hora y cuarto. Así pues: como adaptación, muy correcta. Como película, un coñazo absoluto.

"Los invasores del abismo", de Ruggero Deodato

2010-02-15T11:19:00.006+01:00

FICHA ARTÍSTICA:

Título original: "I Predatori di Atlantide"/ Dirección: Ruggero Deodato/ Guión: Tito Carpi y Vincenzo Mannino/ Producción: Alex Tiu/ Fotografía: Roberto D'Ettore Piazzoli/ Montaje: Vincenzo Tomassi/ Música: G. Y M. De Angelis/ Efectos Especiales: Gino De Rossi/ Intérpretes: Christopher Connelly, Gioia Scola, Tony King, Stefano Mingardo, Ivan Rassimov, Giancarlo Patri, Bruce Baron, George Hilton, Mike Monty, Michele Soavi, Adriana Giuffrè. Italia-Filipinas. 1983. Color, 88'.

Del mismo modo que en España los ochenta son sinónimo de comedia madrileña o en los USA de slasher juvenil, la década de las hombreras y los moldeados imposibles dejaron en Italia su impronta en forma de este tipo de filmes post-apocalípticos y de fantasías ultraviolentas, metiendo en la batidora todo el espectro de influencias "useñas" pasadas por el particular tamiz de la bella Italia.

Hablar de Deodato no es hablar precisamente de cine sutil y "con mensaje". Lo suyo siempre han sido los productos más inmediatos y casposos, siendo uno de los máximos exponentes de la serie Z transalpina, gracias a muestras como "Los bárbaros", "Trampa para un violador", "La lavadora asesina" y, por supuesto, la celebérrima "Holocausto caníbal".

En ese sentido, subgéneros como el de las historias post-apocalípticas y violentas, le van como anillo al dedo, a la hora de exhibir todo su catálogo de carnaza y sanguinolencia. Aunque ello suponga ingeniárselas para mezclar ingredientes tan aparentemente dispersos como: ex combatientes del Vietnam a sueldo del Gobierno, investigaciones sobre la Atlántida, tribus urbanas ultraviolentas, rusos...

Todo vale para este tipo de filmes. Lo cual no tiene nada de malo, si se hubiese conseguido un producto con un mínimo viso de permanecer más o menos intacto, a la hora de transmitir violencia y mal rollo.

Pero claro, si vistas hoy en día, películas como ésta lo único que consiguen es parecer "entrañables", pues poco se puede decir en su favor. Seguramente es ahí donde la factura de producto endeble y coyuntural muestra toda su esencia. Es como pretender que una peli de Terence Hill y Bud Spencer le haga a uno brotar su instinto de violencia más oculto y soterrado. Pues va a ser que no.

En este mejunje no faltan los protas rubios-machotes (Christopher Connelly), los negros-graciosillos (Tony King), las macizas-macizas (Gioia Scola), amén de alguna presencia simpática, como la del sempiterno George Hilton, o la del director Michele Soavi (algo así como ver a Orson Welles de secundario en una peli de Jess Franco).

Si contemplamos "Los invasores del abismo" como simple y pura atracción aventurera para pasar el rato y olvidarse del mundo, tampoco hay mucho que rascar. Especialmente cuando aquí no hay ni rastro de la sensación de aventura clásica, con todo su encanto añejo, ni (evidentemente) la perfección en cuanto a efectos especiales que hoy en día se ha conseguido a la hora de contarnos tramas de acción y efectos. Difícilmente, cuando es en este aspecto donde el cine más parece haber evolucionado.

Así pues, esta muestra de fantasía aventurera ochentera itálica sólo puede ser disfrutada a día de hoy por los irreductibles nostálgicos que en su momento asistieron a un primer visionado y pretenden revivir sensaciones pretéritas. Para todos los demás: otro truño de Deodato. Pero bueno, siempre será más distraído que ver a Íker Jiménez hablando de la Atlántida con sus "expertos".

"Triangle", de Christopher Smith

2010-02-14T10:55:00.006+01:00

FICHA ARTÍSTICA:

Título original: "Triangle"/ Dirección y Guión: Christopher Smith/ Producción: J. Baines, C. Brown, J. Newmark/ Fotografía: Robert Humphreys/ Montaje: Stuart Gazzard/ Música: Christian Henson/ Efectos Especiales: Clint Ingram/ Intérpretes: Liam Hemsworth, Melissa George, Michael Dorman, Rachael Carpani, Emma Lung, Henry Nixon, Joshua McIvor. USA. 2009. Color, 98'.

Parece que estos últimos días la cosa va de directores jóvenes que han iniciado sus carreras zambulléndose de lleno en el género de terror.

En el caso del británico Christopher Smith, algo más maduro ya que los anteriores, su primera aparición hace unos cinco años con "Creep" llamó bastante la atención. Y no era para menos. Aquella trama subterránea, con buenos toques de gore y una excelente interpretación de la siempre interesante Franka Potente, hizo que el nombre de Smith empezase a destacar.

A continuación, con "Desmembrados", nos ofreció un ejercicio mucho más lleno de humor y con un valor cinematográfico notablemente inferior. Aún así, se trataba de un filme entretenido, dentro de la línea de productos más o menos gamberros y más o menos intrascendentes que tanto abundan.

Pues bien. Ahora, con esta "Triangle", una coproducción británico-australiana, cambia de tercio y se mete de lleno en los esquemas de la ciencia ficción (variante paradojas temporales) al más puro estilo "Primer" y sobretodo al más puro estilo "Los Cronocrímenes". Y es que resulta imposible desligar este filme de la obra de Nacho Vigalondo. Con la salvedad del cambio de escenario, el contenido argumental es prácticamente el mismo.

Smith añade alguna que otra gota de "slasher", así como un tramo inicial que parece homenajear a las clásicas tramas de "barcos fantasma", tan del gusto de muchos aficionados. En ese sentido, parece que a este cineasta le agrada situar sus narraciones en entornos aislados y claustrofóbicos. Así, si en "Creep" toda la acción transcurría en las "profundidades" del metro, aquí la joven protagonista, una cada vez más conocida (y reconocida) Melissa George ("La morada del miedo", "Turistas", "30 días de noche", etc.) vive su particular pesadilla temporal a bordo de un navío aparentemente abandonado.

En cuanto a los pros y los contras que nos ofrece el filme, casi podría uno remitirse a la citada película de Vigalondo, ya que tanto los defectos (pocos) como las virtudes (más) son prácticamente idénticos. A los puntos, ganaría la española, aunque sólo sea por haber llegado primero.

Se trata de una obra perfectamente disfrutable si uno entra de lleno en el juego y no tiene reparos en dejarse sorprender por el mismo. Claro está... si prefiere dedicarse a rebuscar e indagar en las posibles trampas o incongruencias del guión, también puede encontrarlas. Sin embargo, el planteamiento de la peli parece querer conducir al espectador más a dejarse llevar por la intriga (poniéndose en la piel de la prota) que desafiándole a desentrañar los mecanismos internos de la trama, tal y como sucedía en "Primer", que estaba planteada más como un problema matemático que como una película de género.

"Expediente 39", de Christian Alvart

2010-02-13T13:06:00.005+01:00

FICHA ARTÍSTICA:

Título original: "Case 39"/ Dirección: Christian Alvart/ Guión: Ray Wright/ Producción: Steve Golin y Kevin Misher/ Fotografía: Hagen Bogdanski/ Montaje: Mark Goldblatt/ Música: Michl Britsch/ Dirección Artística: Ross Dempster/ Efectos Especiales: Bob Comer/ Intérpretes: Renée Zellwegger, Jodelle Ferland, Ian McShane, Kerry O'Malley, Callum Reith Rennie, Bradley Cooper, Adrian Lester, Georgia Craig, Cynthia Stevenson, Tiffany Lyndall-Knight, Cindy Sungu, Philip Cabrita. USA. 2009. Color, 106'.

El caso de Christian Alvart casi puede calificarse como antagónico, con respecto al de Ti West. Un cineasta igualmente joven, que ha irrumpido con cierta fuerza en el género, pero que a diferencia de West, desde el primer momento parece haber dejado claro que lo suyo es seguir con la corriente más comercialoide y efectista del género.

Fruto de ello han sido sus dos trabajos de este pasado año: la prescindible "Pandorum" (reseñada hace algunas semanas) y, eso sí, en menor medida, esta "Expediente 39".

Digo en menor medida, porque en este caso, nos hallamos ante un trabajo que no supone ningún punto álgido del género de terror, pero sí cuanto menos ofrece una cierta dignidad, como obra cinematográfica. Seguramente, por cierto, bastante perjudicada por la bastante más brillante "La Huérfana", con la que argumentalmente tiene tantos puntos en común.

Es más, diríase que el filme de Collet Serra es algo así como el espejo en el que Alvart debería haberse mirado, pero sin embargo pasa por ser más bien la suma de defectos de los que "La Huérfana" conseguía escapar.

De todos modos, sería algo injusto compararlas hasta el último detalle. Más que nada porque, mientras "La Huérfana" pretendía un retrato algo más realista de una hipotética maldad infantil, "Expediente 39" entra de lleno en el terreno de lo sobrenatural. Tal vez ahí Alvart está algo más legitimado para introducir mayor suspensión de la credibilidad.

En cualquier caso, lo primero que distingue esta película es la presencia de Renée Zellwegger como reclamo fundamental, en su primera aparición en un filme de este género. Su personaje, que al principio nos puede recordar (aunque sea lejanamente) al de Bruce Willis en "El Sexto Sentido", finalmente acaba siendo la víctima potencial de la niña maquiavélica de turno. Muy bien interpretada esta última, por cierto, por Jodelle Ferland (bastante más mayor en la realidad que su personaje, eso sí).

Lo mejor de "Expediente 39" lo encontramos en su primera mitad. Cuando conocemos al personaje de Zellwegger, a la niña y las circunstancias intrigantes que las unen. Toda la intriga que se establece entre ellas, la relación de la pequeña con sus padres, la investigación del amigo de la protagonista, siendo progresivamente testigo de la impenetrable oscuridad de la psique infantil, etc.

A partir del momento en que empiezan a desarrollarse los acontecimientos más, digamos, terroríficos, la narración pierde fuelle, para convertirse en algo bastante más vulgar. También es en esos pasajes del filme donde Zellwegger demuestra estar más a disgusto y menos cómoda en su personaje.

Así pues, nos hallamos ante un producto comercial, cumplidor como entretenimiento pasajero, pero que desaprovecha bastantes de sus posibilidades. Separándola en ese sentido de "La Huérfana", podría comparársela más propiamente con "Arrástrame al Infierno" de Raimi. Otra película que empieza de un modo inmejorable, para irse diluyendo poco a poco entre las procelosas aguas de lo insustancial y palomitero.

"The House of the Devil", de Ti West

2010-02-12T13:07:00.006+01:00

FICHA ARTÍSTICA:

Título original: "The House of the Devil"/ Dirección y Guión: Ti West/ Producción: J. Braun, L. Fessenden, R. Kass y P. Phok/ Fotografía: Eliot Rocket/ Montaje: Ti West/ Música: Jeff Grace/ Dirección Artística: Chris Trujillo/ Efectos Especiales: Christian Beckman/ Intérpretes: Jocelin Donahue, Tom Noonan, Mary Woronov, Dee Wallace, Greta Gerwing, AJ Bowen, Heather Robb, Darryl Nau, Brenda Cooney, Danielle Noe, Mary B. McCann, John Speredakos. USA. 2009. Color, 95'.

Ti West. Conviene no olvidar este nombre y apellido, fácil de recordar, sin duda. Aunque sólo sea por filmes como el que nos ocupa. Por lo visto también es el artífice de la secuela de "Cabin Fever" (todavía inédita por aquí), pero a falta de saber qué habrá hecho con ella, "The House of the Devil" es ya suficiente motivo para otorgarle un más que merecido voto de confianza.

Y es que cuando aparece alguien que se empeña (y consigue) saltarse las insoportables convenciones del género en la actualidad como este director que aún no ha cumplido treinta años, bien merece un aplauso.

Si hoy en día lo que "se lleva" es la narración apresurada y las atmósferas más artificiosas y poco creíbles, aquí Ti West se lo pasa por el mismísimo forro y construye un filme pausado, que discurre sin prisas ni atropellos. Aún a riesgo de que gran parte del potencial espectador juvenil tendente a la dispersión salga corriendo a los veinte minutos.

Las tramas de terror protagonizadas por canguros o niñeras son un clásico. Ahí tenemos piezas como "Halloween" o "Llama un extraño". Con esta última es, seguramente, con la que "The House of the Devil" tiene más en común. Al menos, en cuanto a su desarrollo. Sin embargo, existen suficientes elementos diferenciadores. Elementos de los que cuanto menos se sepa, mejor que mejor.

El caso es que West se las ingenia para transmitir una conseguida sensación de inquietud a lo largo de una hora larga, para luego aligerar la acción de un modo preciso y bien estudiado en el tramo final, en un desenlace tan impactante y potente como cabe esperar. En todo momento sabemos que algo oscuro se cierne sobre la joven protagonista (bien interpretada por la poco conocida Jocelin Donahue), y eso es suficiente para mantener la intriga, gracias al buen hacer del director, que tan sólo usa (que no abusa) del efectismo con cuentagotas, como debe ser.

En el filme vemos caras conocidas en papeles secundarios pero con sustancia (Tom Noonan, Mary Woronov, Dee Wallace...) que ayudan a otorgar mayor entidad a la propuesta. Sobretodo en el caso de Noonan, que compone un personaje de lo más inquietante.

Así pues, película más que recomendable. Especialmente indicada para los amantes del terror moderno, pero a la vieja usanza. Una de esas obras que, sin romper esquemas (más allá de lo apuntado al principio), o salirse de las líneas habituales, sí presenta el suficiente interés como para suponer un pequeño soplo de aire fresco entre tanto remake insulso y videoclipero de usar y tirar (o tirar, directamente).

"Sorority Row", de Stewart Hendler

2010-02-11T12:20:00.006+01:00

FICHA ARTÍSTICA:

Título original: "Sorority Row"/ Dirección: Stewart Hendler/ Guión: Josh Stolberg y Pete Goldfinger, sobre un guión original de Mark Rosman/ Producción: Darrin Holender y Mike Karz/ Fotografía: Ken Seng/ Montaje: Elliot Greenberg/ Música: Lucian Piane/ Dirección Artística: Elise G. Viola/ Efectos Especiales: Steve Riley/ Intérpretes: Teri Andrzejewski, Adam Berry, Megan Wolfley, Robert Belushi, Marie Blanchard, Brian Evigan, Zack Garrett, Margo Harshman, Rumer Willis, Jamie Chung, Leah Pipes, Audrina Patridge, Matt O'Leary, Julian Morris. USA. 2009. Color, 96'.

Del joven Stewart Hendler sólo conocíamos una cosita muy pretenciosa y aburrida llamada "Whisper". Además, parece haber dirigido varios cortos, antes de ponerse de nuevo tras la cámara para un largometraje. Y en esta ocasión, para ofrecernos un nuevo remake. Sí, otro. Y de un slasher.

Eso sí, en este caso, a diferencia de otras veces, no se trata de versionear de nuevo un filme célebre o archiconocido. Al menos en España, "Siete mujeres atrapadas" (que es como se la tituló por aquí) no es una película especialmente conocida. Sin embargo, sí era un slasher simpático, a pesar de adscribirse de lleno a los esquemas más clásicos del género, sin salirse un ápice.

Grupo de chicas ("miembras" de una fraternidad), fiestas que se salen de madre, graduaciones, una muerte inesperada y posteriormente la venganza del más allá en las formas más imaginativas y diversas posibles.

Por mucho que Hendler "modernice" la propuesta, e incluso se atreva a acentuar el carácter "zorruno" de las féminas, el acabado de su película no se aparta para nada del actual producto hijo de la MTV y destinado a la masa borreguil menos exigente. En ese sentido, filmes como "Sé lo que hicisteis el último verano" (con bastantes aspectos en común, argumentalmente hablando) casi parecen "clásicos" al lado de esto.

Si hay que destacar algo, se puede subrayar que las muertes son aceptablemente sangrientas, aunque en algunos momentos hasta la sangre parezca de diseño (así, como desteñida). En cambio, los personajes son tan absolutamente carentes de atractivo, que independientemente de que unas sean rubias, otras morenas, otras orientales, etc. no ofrecen el menor interés. Tanto los femeninos, como los masculinos, aún más insulsos, si cabe.

En definitiva, de nuevo un remake innecesario. Posiblemente por encima de la espantosísima nueva versión de "Prom Night" (aunque tampoco haga falta mucho para eso), pero que no aporta absolutamente nada en el contexto del cine de terror actual. Y que para nada hace olvidar un original modesto, artísticamente hablando, pero con bastante más encanto y personalidad.

"Poder maldito", de Gary Marcum

2010-02-10T12:34:00.004+01:00

FICHA ARTÍSTICA:

Título original: "Through the Fire"/ Dirección: Gary Marcum/ Guión: Brad Potter y G. Marcum/ Producción: Charles C. Cunningham/ Fotografía: Roger Pistole/ Montaje: Jay W. Helton y Lisa Lancaster/ Música: Ron Di Iulio/ Dirección Artística: Patty Newton/ Efectos Visuales: Jay Garris/ Intérpretes: Tamara Hext, Tom Campitelli, Randy Strickland, Billie Carroll, Dan Shackleford, John S. Davies, Wendy Wade, Terry Wegner, Martin Smith, Lourdes Regala, Dan Robbins. USA. 1988. Color, 87'.

Uff... vamos a ver. Se supone que esto (con "esto" me refiero a "esta película") viene a ser una especie de secuela de "Miedo en la ciudad de los muertos vivientes", uno de los filmes más emblemáticos de Lucio Fulci. No en vano, a la película de Marcum también se la conoce como "The Gates of Hell II" ("The Gates of Hell" era el título en inglés de la película del cineasta italiano).

En cualquier caso, ¿merece "Poder maldito" ser relacionada con aquélla? Pues yo diría que no. Por mucho que aquí Marcum introduzca a criaturas infernales y dote su argumento de las habituales incoherencias y mezclas de elementos aparentemente sin relación, al modo de los típicos "pastiches" de Fulci. Pero es que ni en cuanto a trama (nada que ver) ni en cuanto a resultado artístico se le acerca.

La protagonista, una joven que busca a su hermana desaparecida, se aliará con un agente de policía y sus investigaciones les llevarán tras el rastro de una serie de asesinatos al parecer cometidos por una entidad diabólica que anda suelta por ahí, al haber sido invocada por una pandilla de indeseables.

Sobre esto último, a modo de anécdota, en la versión doblada los personajes no han "invocado" a la criatura, sino que la han "evocado". ¿Fallo de traducción, o metida de pata absurda e imperdonable del guionista? Mucho me temo que nunca lo sabremos.

Lo que sí podemos apreciar es el carácter aburrido y mediocre de la propuesta. Una película con personajes a cual más bobalicón (no en vano la chica acaba tomando las riendas de la acción, ya que el policía es más bien nulo como agente protector machote) y escaso interés. No digamos ya capacidad de inquietar.

Pero es que además, el filme en su conjunto está revestido de todos y cada uno de los peores tópicos de la serie B ochentera. Con diálogos pretendidamente graciosos que distan mucho de serlo, con una trama más propia de un cortometraje y que se alarga de forma absurda...

Ni que decir tiene, la agradable "chapucería" de Fulci, aquí brilla por su ausencia. Entre otras cosas, porque el nivel de truculencia es prácticamente nulo, además de que el tal Gary Marcum (por muy operador de cámara que sea, ya que ésa es su ocupación habitual, siendo "Poder maldito" su única incursión en labores de dirección) aquí demuestra tener más bien pocos recursos para lo visual.

"The Final Destination", de David R. Ellis

2010-02-09T12:56:00.008+01:00

FICHA ARTÍSTICA:

Título original: "The Final Destination"/ Dirección: David R. Ellis/ Guión: Eric Bess/ Producción: Craig Perry y Warren Zide/ Fotografía: Glen MacPherson/ Montaje: Mark Stevens/ Música: Brian Tyler/ Diseño de Producción: Jaymes Hinkle/ Intérpretes: Bobby Campo, Shantel VanSanten, Nick Zano, Haley Webb, Mykelti Williamson, Krista Allen, Andrew Fiscella, Justin Welborn, Stephanie Honore, Lara Grice, Jackson Walker, Phil Austin. USA. 2009. Color, 83'.

"Destino final 3D", "Destino final 4"... se la conozca como se la conozca, se trata de una más de la saga inaugurada hace algunos años (¡diez años ya!) por James Wong y que ya ha visto dos secuelas, la primera de las cuales también la dirigía David R. Ellis, asimismo artífice de la archifamosa "Serpientes en el avión".

El punto de partida no varía, por lo tanto, es sobradamente conocido. Una serie de personajes viven una catástrofe de la que se libran por los pelos del cogote (en este caso un múltiple accidente durante una carrera de coches) para descubrir acto seguido cómo son víctimas de un "plan maestro" dirigido por una entidad misteriosa (llámese Muerte, llámese Destino...) que pretenderá acabar con ellos sirviéndose del enlace de las más inopinadas casualidades.

Así, sentadas las bases de que nos hallamos ante una secuela que no presenta la menor variación sobre las precedentes, sólo cabe valorarla y compararla con las anteriores.

El propio David R. Ellis introducía en la segunda dos componentes que se distanciaban un poco del original de Wong. En primer lugar, el principio del filme estaba planteado de un modo mucho más... digamos... "hitchcockiano", trufando la acción de presentimientos por parte del protagonista a través de una disposición en perfecto orden de las diferentes piezas por separado, que acabarán confluyendo en el cataclismo que dará origen a la trama propiamente dicha. En aquella primera secuela era un múltiple accidente de carretera con numerosos vehículos implicados, obviamente, sin ninguna relación entre sus ocupantes.

El segundo elemento que Ellis introdujo de manera consistente en dicha secuela fue el gore. Un gore apreciablemente salvaje, de un tono casi humorístico en algunos momentos, pero que se distanciaba bastante de la original, algo más parca en ese sentido. En todo caso, estamos hablando de un gore con predominancia de lo digital, que quiérase o no, siempre tiene menos visos de verosimilitud.

Luego está todo el tema de las diferentes muertes de los personajes. Si en un slasher corriente y moliente, el asesino se las "ingeniaba" para acabar con sus víctimas de un modo cuanto más impactante e inesperado mejor, aquí de lo que se trata es de diseñar una serie de pequeños accidentes o casualidades, que terminen provocando dicha muerte, siempre con la complicidad del espectador, que es testigo de lo que se avecina.

Ahí está, posiblemente, el aspecto más valioso de la saga. Independientemente del valor cinematográfico, está el hecho de que las muertes no son fruto del eterno psicópata terrorífico, sino de una suma de casualidades de las que cualquiera puede ser víctima, en un momento dado.

Si en la película original, era la Muerte, como entidad abstracta pero inteligente y planificadora, la que se hallaba detrás de los acontecimientos, aquí más bien diríase que es el caprichoso Azar (también con mayúsculas) el que se ocupa de todo. Un Azar inteligente e implacable.

Dicho lo cual, no nos engañemos... la novedad ya no existe. Brilla por su ausencia. La tercera de la serie ya adolecía de los mismos síntomas de repetición y tan sólo se salvaba porque la primera secuencia (en aquel caso en un parque de atracciones) estaba planificada de un modo bastante más ambicioso que en esta cuarta. Pero a partir de ahí, era más de lo mismo.

Pues bien, aquí ni siquiera encontramos esa brillantez de la primera secuencia. En este caso es mucho más anodina y, ni que decir tiene, la tipología de los personajes no ofrece absolutamente nada nuevo, a lo que se añade que el reparto está compuesto de actores insulsos en grado máximo. Hasta el punto que podríamos estar hablando de un vulgar telefilme, si no fuera porque, de nuevo, los elementos gore son acentuados.

Con todo, y a pesar de la indudable originalidad de la idea principal, que la sitúan por encima (especialmente las dos primeras) de las innumerables y por lo general infumables sagas adolescentes del cine de terror estadounidense de los últimos lustros, esta "Destino final" está pidiendo a gritos un "accidente" que termine de una vez con ella. Tal vez una cerilla encencida por casualidad que prenda fuego accidentalmente a los contratos firmados sobre las próximas entregas, en el interior de algún cajón del despacho de una gran productora.

"Terror en el convento", de Bruno Mattei

2010-02-08T12:38:00.008+01:00

FICHA ARTÍSTICA:

Título original: "L'Altro Inferno"/ Dirección: Bruno Mattei/ Guión: Claudio Fragasso y B. Mattei/ Producción: Arcangelo Picchi/ Fotografía: Giuseppe Bernardini/ Montaje: Liliana Serra/ Música: Goblin/ Intérpretes: Franca Stoppi, Carlo De Mejo, Francesca Carmeno, Susan Forget, Franco Garofalo, Paola Montenero, Sandy Samuel, Andrea Aureli, Tom Felleghy. Italia. 1981. Color, 89'.

Si en la anterior entrada hacíamos referencia a Antonio Bido como uno de los representantes del terror italiano más o menos "elegante", ahora le toca el turno al bueno de Mattei, que viene a ser algo así como la otra parte contratante. Es decir, uno de los más distinguidos ejemplos del terror transalpino más visceral y desprejuiciado.

De todas formas, quien suscribe, jamás se cansará de defender a este cineasta, del mismo modo que al Fulci de las mejores épocas. Son directores que sabían muy bien lo que querían contar, cómo contarlo y cómo "llegar" a su público. Además de tener una capacidad innata para la creación de secuencias y planos impactantes, sin importar ni los medios, ni la coherencia narrativa.

En este caso, Mattei aborda con su característico estilo uno de esos subgéneros que con el tiempo se fueron popularizando y que cineastas como Joe D'Amato o el propio Fulci (en diferentes ocasiones) trataron también: el de las monjas y el satanismo.

Algo que, no hace falta ser un Pitágoras para darse cuenta, siempre daba ocasión de introducir cuerpos femeninos ligeros de ropa, morbo eclesiástico, además de los propios elementos estrictamente terroríficos. En ese sentido, las historias de terror con monjas siempre dieron mucho juego. Otra cosa es que formalmente dieran lugar a obras más o menos aceptables.

En este caso, estamos ante una de las más distinguidas. A pesar de toda la (inevitable) gratuidad de sangre y vísceras (algo que ya es intrínseco a cualquier filme de Mattei, desde los más logrados hasta los más cochambrosos), aquí el cineasta italiano consigue un innegable clima de "mal rollete", al saber aprovechar perfectamente esos escenarios claustrofóbicos y siempre sugerentes que son los monasterios cerrados llenos de rincones oscuros, de pasillos secretos, catacumbas, habitaciones prohibidas...

El personaje principal es un joven sacerdote, aunque en realidad lo de sacerdote lo sabemos por el alzacuellos y porque él lo dice, ya que su comportamiento es el que podría tener cualquier tipo que llega a un convento de monjas a investigar los fenómenos extraños que se producen allí. De sutilezas, más bien pocas, no nos engañemos. No estamos ante un personaje tan complejo y rico como el Padre Karras de "El Exorcista", precisamente. Por cierto, que dicho cura está interpretado aquí por Carlo De Mejo, conocido sobretodo por ser hijo de la mítica Alida Valli. Y según cuenta Mattei, un actor que iba bastante "a su bola".

El guión del filme lo firma el ínclito Claudio Fragasso, que si hemos de hacer caso a De Mejo, casi dirigió la mitad de la película, ya que mientras Mattei estaba en un escenario rodando una escena, Fragasso hacía lo propio en otro.

Hablar de Fragasso, ya sea detrás de las cámaras, como en labores de guionista, es sinónimo de endeblez y casposidad, qué duda cabe. Ésta no es una excepción. Lo más flojo de "Terror en el convento" es el guión. Más que de un argumento hilado o de una trama con cara y ojos, cabría hablar de una sucesión de pasajes terroríficos más o menos relacionados con un lugar y una tipología de personajes concretos, pero poco más. Especialmente, la segunda mitad de la película es prácticamente un dislate, en cuanto a desarrollo argumental.

De todos modos, esta falta de rigor es casi un signo distintivo de esta clase de cine. Como decíamos antes: el sacrificio de la coherencia narrativa en detrimento del efecto. Lo que prima es, sobretodo, el desarrollo de las secuencias a fin de conseguir la meta perseguida. Esto es: impactar al espectador. En ese sentido, la película cumple con su cometido a las mil maravillas.

Y es que "Terror en el convento" (mucho más bonito su título original "L'Altro Inferno", por cierto) va sobrada de elementos de horror: monjas poseídas, escenarios claustrofóbicos, animales asesinos, zombies, niños deformes, encarnaciones demoníacas... En definitiva, un auténtico desfile de casquería y salvajadas "made in Mattei". Todo ello dispuesto, y he ahí el gran valor de este cineasta, con una gracia y un estilo que son más difíciles de imitar de lo que parece. O sino, que se lo pregunten a los americanos. ¡Y con música de Goblin!

"Sombra sangrienta", de Antonio Bido

2010-02-07T13:02:00.006+01:00

FICHA ARTÍSTICA:

Título original: "Solamente Nero"/ Dirección: Antonio Bido/ Guión: Marisa Andalò, Domenico Malan y A. Bido/ Fotografía: Mario Vulpiani/ Montaje: Amedeo Giomini/ Dirección Artística: Carlo Leva/ Música: Stelvio Cipriani/ Intérpretes: Lino Capolicchio, Craig Hill, Stefania Casini, Massimo Serato, Juliette Mayniel, Laura Nucci, Attilio Duse, Gianfranco Bullo, Luigi Casellato, Alfredo Zammi, Alina De Simone, Emilio Delle Piane. Italia. 1978. Color, 108'.

Caso curioso, el de Antonio Bido. Un cineasta que empezó bastante joven y que con apenas veintitantos años dirigió dos filmes prácticamente seguidos, "Whatch Me When I Kill" y "Sombra sangrienta", pero que tras alguna película más, ha visto su trayectoria estancada desde el inicio de los noventa. Y desde luego, si atendemos a lo mostrado aquí, apuntaba buenas maneras.

Un joven profesor universitario acude a visitar a su hermano sacerdote en una pequeña localidad veneciana y así huir de un período de difusos conflictos interiores. Por desgracia, se encontrará con una serie de misteriosos asesinatos que le implicarán directamente, como parte de la oscura trama que se halla tras ellos.

A partir del esquema "giallesco" típico, Bido construye una historia con multitud de sospechosos y una trama muy trabajada, enmarcada en el ámbito de una pequeña población (circunstancia que contrasta con los ambientes más urbanos del giallo habitual) y desarrolla la intriga según el modelo instaurado por Argento en filmes como "Rojo oscuro" o "El pájaro de las plumas de cristal", aunque sin tanta pirotecnia visual.

Esto último es, tal vez, lo único que se echa un poco en falta dentro del filme. Porque en el aspecto narrativo, la película funciona de forma casi impecable. A pesar de durar casi ciento diez minutos, en ningún momento se hace pesada. De todos modos, el mayor clasicismo no implica que la dirección sea plana o exageradamente sobria. Al contrario, Bido se muestra como un director elegante y que sabe hacer un muy buen uso de los escenarios y ambientes.

En el apartado actoral, destaca sobremanera la presencia de Craig Hill, rostro habitual del spaghetti western y que aquí encarna a un sacerdote amenazado demostrando ser uno de esos casos en que el discreto nivel interpretativo queda sobradamente compensado por un carisma innegable, dentro de la pantalla. También encontramos a otros habituales del género facturado en Italia, como Lino Capolicchio ("La casa de las ventanas que ríen") o la guapísima Stefania Casini ("Suspiria").

Sin ser una película excesivamente sangrienta, sí presenta un buen número de pasajes terroríficos y los asesinatos están contados de un modo interesante, con cámaras subjetivas y un buen aprovechamiento de la banda sonora de Stelvio Cipriani, con claros ambientes de las prototípicas partituras de Goblin.

Como vemos, la influencia de Argento es grande. Y sin embargo, es una influencia tan bien digerida que el propio Argento (tal vez coincidiendo con su propia falta de ideas posterior) imitaría algún aspecto de Bido, como la sugerente secuencia en "deja vu/flashback" del protagonista (Argento usaría ese recurso en "Tenebre", pocos años más tarde), del mismo modo que Bido "se apropia" de la idea de utilizar un cuadro como elemento importante dentro de la trama, como también ocurría en "El pájaro de las plumas de cristal".

En resumen, una interesante muestra de terror italiano con las mejores virtudes del giallo clásico. Bien contada, aceptablemente interpretada y con atractivos suficientes como para convertirse en un título si no sobresaliente, sí destacado.

"El secreto de la momia egipcia", de Alejandro Martí

2010-02-06T12:45:00.005+01:00

FICHA ARTÍSTICA:

Dirección: Alejandro Martí/ Guión: Vincent Didier y Julio Salvador/ Fotografía: Raymond Heil/ Música: Max Gazzola/ Intérpretes: Michael Flynn, Teresa Gimpera, Frank Braña, Catherine Franck, Jacques Bernard, Julie Presscott, Sandra Reeves, George Rigaud, Elizabeth Stephanovich, Martin Trevières, Richard Vitz. España-Francia. 1973. Color, 82'.

Si calificábamos "La perversa caricia de Satán" como una muestra de Fantaterror Hispano tirando a modesta, lo cierto es que la película de Martí, ya entraría dentro del siempre triste apartado de los bodrios con mayúsculas.

Un cineasta de escasa, cortísima trayectoria (tan sólo dos filmes como director en su haber) y un subgénero, como el de las momias, que aún habiendo sido muy escasamente tratado en nuestro país, sí tiene al menos un ejemplo bastante más digno en "La venganza de la momia", de Carlos Aured.

En lo que respecta a "El secreto de la momia egipcia" encontramos un argumento mínimo y un tratamiento del mito tirando a cutre. Para empezar, la momia en cuestión tiene más de vampiro que de momia propiamente dicha. Para continuar, el propio aspecto del "monstruo", que lejos de resultar inquietante o aterrador, con ese peinado a lo George Harrison y esa carita de no haber roto un plato (ni vendas, ni nada que se les parezca, siquiera) lo cierto es que provoca más hilaridad que otra cosa.

Por otro lado, las correrías del sirviente hipnotizado por el faraón redivivo detrás de jovenzuelas campestres para ofrecérselas a su amo acaban haciéndose tan repetitivas y se alargan tanto, que acaban ocupando un espacio intolerablemente extenso de la película.

A disipar el aburrimiento y la factura torpe y endeble de la cinta no contribuye tampoco el escaso nivel interpretativo de los actores, con caras conocidas (pero fatalmente aprovechadas) como las de Frank Braña o Teresa Gimpera. Eso por no hablar de un montaje que parece hecho por no ya un principiante, sino por un auténtico inútil, directamente.

En definitiva, nos hallamos ante uno de los peores productos facturados en nuestro país (en este caso, en coproducción con Francia) dentro del género a lo largo de su época dorada. Con el agravante de que se toma lamentablemente en serio a sí mismo, a través de un risible y patético intento por emular los esquemas de este tipo de narraciones al modo de la Hammer británica. Los resultados, como ha quedado dicho, son como para hacerle a uno mirar para otro lado.

"La perversa caricia de Satán", de Jordi Gigó

2010-02-05T13:05:00.004+01:00

FICHA ARTÍSTICA:

Dirección y Guión: Jordi Gigó/ Producción: Marius Lesoeur/ Fotografía: Julio Pérez de Rozas/ Montaje: Albert Gasset Nicolau/ Música: Alberto Argudo/ Intérpretes: Silvia Solar, Olivier Mathot, José Nieto, Evelyne Scott, Daniel Martín, María Silva, Carlos Otero, Víctor Israel, José Lifante, Moisés Augusto Rocha, Rosa de Alba, Mara Vador, Juan Miguel Solano, Ronnie Harp, Wendy Asher, Sergio Doré, Antonio Díaz del Castillo, Lyndren Fields, Richard Kolin, Marta Flores, Scott St. Clair. España. 1975. Color, 89'.

De nuevo un título que nos retrotrae a los bolsilibros pulp setenteros, para esta obra del poco prolífico Jordi Gigó, con todos y cada uno de los rasgos representativos del género facturado en España durante aquellos años. Eso sí, dentro de la variante más modesta.

Independientemente del valor cinematográfico del filme, aquí encontramos a un buen número de rostros carismáticos, dentro de nuestro Fantaterror: desde Silvia Solar o José Lifante, hasta Daniel Martín, pasando por el inefable Víctor Israel.

El argumento nos narra cómo dos individuos de dudosas intenciones y más dudosa catadura, se aprovechan de la hospitalidad de un aristócrata para poner en marcha una serie de oscuros experimentos encaminados a revivir a los muertos y así vengarse del propio miembro de la nobleza.

En la película no faltan los recurrentes ramalazos eróticos, más o menos introducidos con calzador, así como un retrato tangencial pero en cierto modo chispeante de cierta aristocracia aburrida que se divierte organizando ceremonias espiritistas y demás parafernalias parapsicológicas. Algo bastante habitual de la época.

Como suele suceder en estos casos, lo peor del filme reside en el escaso nivel interpretativo, así como del director, a la hora de crear una atmósfera más o menos digna o seria. Especialmente cuando los mencionados interludios de pseudoerotismo a la española lo revisten todo de intrascendencia y cierto aburrimiento. Un poco lo que le solía ocurrir a Ossorio en la mayoría de sus películas, sacrificando el clima terrorífico en aras de las tetas y los culos.

Independientemente de esos tics habituales de esta clase de productos, se trata de una muestra bastante casposa de fantaterror típico, pero con el indudable gancho de una voluntariosa trama sobrenatural de serie B, que en cierto modo compensa la falta de nivel artístico.

Por lo demás, nada que se acerque, ni por asomo, a obras imperfectas pero infinitamente más personales y presentables como las de Leon Klimovsky, Jorge Grau o Paul Naschy. En ese sentido, estaríamos más cerca de Larraz o del mencionado Ossorio.

"La muerte desciende ligera", de Leopoldo Savona

2010-02-04T12:38:00.005+01:00

FICHA ARTÍSTICA:

Título original: "La Morte Scende Leggera"/ Dirección: Leopoldo Savona/ Guión: Luigi Russo y L. Savona/ Fotografía: Luciano Trasatti/ Montaje: Otello Colangeli/ Dirección Artística: Fabrizio Diotallevi/ Maquillaje: Marcella Pelliccia/ Intérpretes: Stelio Candelli, Patrizia Viotti, Veronika Korosec, Rosella Bergamonti, Tom Felleghy, Antonio Anelli, Marcello Di Martire, Mathily Doria, Fernando Cerulli. Italia. 1972. Color, 85'.

Los italianos a la muerte la han hecho andar con tacón alto (Ercoli) y ahora (bueno, en 1972) este Savona se deduce que le ha puesto chanclas, para que camine más ligerita. El caso es que tras el título rimbombante de rigor, encontramos otro giallo más para la colección. Y que dure. Porque siempre es agradable encontrar giallos que a uno le faltaba por ver.

En esta ocasión, nos hallamos ante una muestra no especialmente virtuosa, pero sí muy representativa del subgénero y de un acabado francamente agradable, aún estando enmarcada dentro del convencionalismo formal.

Un individuo regresa de un viaje y se encuentra a su mujer asesinada. Por alguna extraña razón (que es lo primero que piensa el espectador), en lugar de dirigirse a la policía, lo que hace es acudir a un amiguete poderoso que tiene, para que le proporcione una coartada. A partir de ahí, esperando acontecimientos, se refugiará con su amante en un hotel, donde también empezarán a suceder cosas.

Lo bueno que tenían estos giallos es que, cuando estaban mínimamente bien hechos (como es el caso), aspectos como el interpretativo o el puramente argumental, pasaban a un segundo plano. Daba un poco lo mismo la verosimilitud, el acabado del guión, porque lo que de verdad contaba era que la atmósfera estuviese lograda, que los momentos sorpresivos o de giros de guión consiguiesen cierta capacidad de impactar y mantener al espectador pendiente de lo que ocurría.

Si a ello se le añadía alguna gota de sexualidad por aquí y por allá (Savona lo hace con cierta generosidad), pues miel sobre hojuelas.

En ese sentido, "La muerte desciende ligera", aún estando lejos de los títulos más valiosos del giallo italiano setentero, sí constituye un buen ejemplo. Y ello es sobretodo porque el director logra que la atmósfera (especialmente todo lo que ocurre en el hotel) sea lo suficientemente turbia.

Ése es, a la postre, el rasgo más distintivo de la cinta. Porque Savona no es que sea un director para tirar cohetes (su otro filme conocido es "Byleth"), del mismo modo que aquí ni siquiera encontramos actores carismáticos del género y de la época, ni directores de fotografía o compositores de bandas sonoras excesivamente distinguidos. Total, que para lo que podía haber sido un giallo olvidable y hasta mediocre, "La muerte desciende ligera" acaba revelándose como una obra correcta, dentro de su modestia.

"Más allá del terror", de Tomás Aznar

2010-02-03T12:33:00.007+01:00

FICHA ARTÍSTICA:

Dirección: Tomás Aznar/ Guión: J. Piquer, M. Lizondo y T. Aznar/ Producción: Juan Piquer/ Fotografía: Julio Bragado/ Intérpretes: Francisco Sánchez Grajera, Raquel Ramírez, Emilio Siegrist, Antonio Jabalera, Alexia Loreto, David Forrest, Andree Van De Woestyne, Martín Kordas. España. 1980. Color, 80'.

Hoy toca psicotronía. Y si de productos psicotrónicos se trata, esta película es un auténtico plato fuerte. No sólo dentro del cine español, sino de la cinematografía mundial. Y es que pocas veces encontraremos filmes con tamaña cantidad de elementos psicotrónicos. Hasta el punto que, con el paso de los años, esta obra ha quedado como una especie de filme de culto, por lo difícil que resulta acceder a ella, así como por dicho nivel de... llamémosle... desparpajo.

Si atendemos al fantaterror hispano, siempre o casi siempre tuvo entre sus rasgos principales un buen nivel de carnalidad. Ya sea dentro de las obras más dignas y apreciables, como en las más casposas. De este modo, cineastas tan distintos entre sí (cualitativamente hablando) como Klimovsky, Naschy, Franco, Ossorio, Larraz, Eloy De la Iglesia, etc. todos ellos se caracterizaron por introducir, en mayor o menor medida, diferentes niveles de sexualidad.

Obvio es, en el momento en que la censura pasó a mejor vida, dichos niveles se acentuaron hasta un punto en que la historia de terror era casi lo de menos, un mero trasfondo para narraciones de alto contenido erótico, que llegarían a aquella mítica calificación de "S".

En ese punto es donde deberíamos situar la película de Tomás Aznar. Al menos, si nos fijamos en la época. Estamos en 1980 y el cine español se nutría, en gran parte, de historias de sexo y violencia. No digamos ya desde el momento en que los Jose Antonio de la Loma o Eloy de la Iglesia irrumpieron con sus celebérrimas pelis de "quinquis".

Pues bien, mientras cineastas como el catalán Manuel Esteba vivían su momento de mayor popularidad con todas aquellas películas "verdes", introduciendo de vez en cuando algún elemento terrorífico ("Sexo sangriento", "Spectro"...), aunque sólo fuese para darles "color" (otro color distinto, claro) y otros como Carlos Puerto o Juan Piquer se iban más directamente al terror académico ("Escalofrío"), hete aquí que llega el tal Tomás Aznar y nos regala este pedazo de caspa radiactiva, mezclándolo todo en efervescente batiburrillo.

Se hace difícil hablar de esta película para quien no la haya visto, porque es tal el cúmulo de despropósitos que "atesora", que si hubiera alguna máquina que midiera este tipo de cosas, "Más allá del terror" la haría explotar.

Tenemos a una banda de quinquis liderada por una mocetona de armas tomar (posiblemente el personaje femenino más macarra de la historia del cine español) a quienes, entre sus diversas correrías, les da por asaltar una mansión habitada por una anciana, toda enjoyada ella, (símbolo de la burguesía más rancia, porque amigos, encima es que la película tiene "mensaje") y un niño pequeño. Como no puede ser de otro modo, el tema se les va de las manos y acaban teniendo que quemar la casa y poner tierra de por medio, dejando a los dos habitantes cociéndose a la parrilla. En su huida, irán a dar con un paraje desolado en pleno campo donde sólo se divisa una iglesia medio en ruinas y una modesta vivienda. Una vez establecidos allí, serán víctimas de las fuerzas del mal, que vendrán a castigar sus terribles actos de barbarie.

Total, que al final tenemos sexo, violencia, espíritus vengadores, perros diabólicos, niños malignos, provocación, quinquis, zombies, sangre... gracias a este guión que, además del propio Aznar (Tomás) director de otras "joyas" como "Playboy en paro", firman Juan Piquer y Miquel Lizondo.

Tan sólo hace falta imaginar el típico estilo de los diálogos y personajes de filmes como "Colegas" o "Navajeros", mezclados con una trama que parece directamente sacada de un bolsilibro pulp de Joseph Berna o Adam Surray para hacernos una idea de lo que se puede encontrar aquí. ¿Cómo no disfrutar con semejante cocktail? Más que cocktail, un auténtico festín.

Claro está, aunque no se haya dicho hasta ahora, "Más allá del terror" tan sólo puede y debe ser disfrutada como una descacharrante comedia. Como tal, las carcajadas están completamente aseguradas. Máxime, porque dicho nivel de comicidad es total y absolutamente impremeditado. Realmente el Sr. Aznar (Tomás) pretende provocar y aterrorizar al espectador. Y es ahí donde nace y reside el efecto cómico no deseado. En buscar primero la provocación y después la inquietud, a partir de unos actores y un conjunto de situaciones que, tras una primera y necesaria sensación de perplejidad ("¿cómo pueden ser tan malos?"), sólo son capaces de producir hilaridad. Yo no sé si el público español en 1980 era tan sumamente inocente, o si es que tal vez nos hallemos sencillamente ante uno de los filmes más lamentables de la historia. Me inclino por esto último.

En cualquier caso: altísimamente recomendada para momentos de depresión o decaimiento.

"Dark Asylum", de Gregory Gieras

2010-02-02T13:32:00.005+01:00

FICHA ARTÍSTICA:

Título original: "Dark Asylum"/ Dirección y Guión: Gregory Cieras/ Producción: P. Ewald, V. Pike y M. Ruskin/ Fotografía: Viorel Serkovici/ Montaje: J. Jean Cacavas/ Dirección Artística: Ioana Corciova/ Efectos Especiales: D. Caravasile y M. Reiti/ Intérpretes: Paulina Porizkova, Judd Nelson, Larry Drake, Jurgen Prochnow, Jake Eberle, Todd Sandler, Earl Carroll, Jeff Burr, Maria Rotaru, Bogdana Mirea, Florin Busuioc, Shelly Grant. USA. 2001. Color, 93'.

En ocasiones cuando uno está viendo una película, es casi inevitable recurrir a pensar "yo lo hubiera hecho de otra forma" o "yo hubiese preferido esto otro"... a fin de potenciar aquello que nos llama más la atención, o nos interesa más ver y que se nos cuente, como espectadores.

Es algo que no siempre está justificado, porque a menudo los elementos narrativos admiten múltiples tratamientos o derivaciones, todos ellos perfectamente válidos. Pero otras veces, como la que aquí nos ocupa, es tan evidente la falta de recursos a la hora de aprovechar los mimbres y el potencial de una historia, que casi cualquiera se siente capacitado para "dirigir" (aunque sea mentalmente) el filme.

En "Dark Asylum" asistimos a la interminable persecución a la que es sometida una joven doctora por parte de un psicópata asesino y brutal, que ha conseguido escapar de su encierro en la celda de seguridad.

Interminable significa eso: interminable. Y no deja de ser sorprendente, porque (aquí entramos en nuestra particular faceta de directores), la historia tiene las suficientes ramificaciones: la personalidad de la doctora, con antecedentes preocupantes en su propia familia; el procedimiento de captura del loco, que podía haberse alargado y al cual podían habérsele añadido muchísimos más aspectos, en lugar de despacharlo a las primeras de cambio, etc. como para haber insuflado muchísimo más contenido al filme.

El caso es que Gregory Gieras, cineasta mediocre y poco experimentado (autor del guión, además), parece empeñado en limitar su película a carreras absurdas en el interior del sanatorio. Una y otra vez la misma situación, repitiéndose indefinidamente. Pero no contento con eso, una vez se las ha ingeniado para sacar a los personajes de ese escenario recurrente y cansino... ¡los vuelve a meter dentro! No deja de ser llamativo que un director se muestre tan incapaz de ver todas las posibilidades que ofrece su propio guión.

Eso por no hablar de pasajes y momentos llenos de incoherencias y errores de bulto en dicho guión, en forma de policías que son incapaces de disparar sus armas ante un asesino que, por muy asesino que sea, está desarmado, etc.

En fin, un despropósito bastante evidente. Y ello a pesar de contar con caras tan conocidas como las de Jurgen Prochnow (fatalmente aprovechado en la peli), Judd Nelson o Larry Drake (un rostro muy popular en la televisión americana y excelente actor). La prota es muy mona, pero muy insulsa.

Así que, finalmente, no queda más remedio que lamentarse por hora y media perdida de la manera más tonta, mientras uno piensa qué demonios les pasa por la cabeza a algunos cineastas que tienen la oportunidad de dirigir películas con unos medios más que apañados, para que malogren dichas oportunidades de un modo tan imperdonable.

"Proyecto vampiro", de Peter Flynn

2010-02-01T13:25:00.005+01:00

FICHA ARTÍSTICA:

Título original: "Project Vampire"/ Dirección y Guión: Peter Flynn/ Producción: Daren Hicks y Simon Tamms/ Fotografía: Joseph Mealey/ Montaje: Michael Schulte/ Dirección Artística: P. Flynn/ Música: Robert King/ Efectos Especiales: John Criswell/ Intérpretes: Myron Natwick, Brian Knudson, Mary Louise Gemmil, Christopher Cho, Paula Randol-Smith, John-Scott Taylor, Christopher Wolf, Oliver Leymarie, Kelvin Tsao, Ray Essler, Bob Rudd, Chris DeCanette, Leroy Jones, Betsy Ferguson. USA. 1993. Color, 87'.

Si una critatura de la tradicional galería de las figuras terroríficas está hoy en día vista, revisada, reinventada y sobreexplotada, ésa es la del mito que popularizó Bram Stoker, esto es: el vampiro. Desde actualizaciones del clásico por excelencia, hasta traslaciones a otros universos completamente distintos. Sagas como "Crepúsculo" y series como "True Blood" seguramente son la penúltima muestra de todo ello, pero el goteo es incesante.

Así que enfrentarte a otra historia de vampiros, a no ser que seas un absoluto devoto de las mismas, suscita una cierta sensación de cansancio. De todos modos, como el gusanillo de la curiosidad casi siempre puede más que cualquier prevención más o menos justificada, he aquí otra más.

Un científico (Myron Natwick) con rasgos de gurú sectario ha diseñado un suero capaz de vampirizar a voluntad a sus víctimas, así como la capacidad de controlarlas a su antojo. El joven protagonista, uno de los infectados potenciales, tratará de desbaratar sus planes, con la ayuda de una enfermera y un amiguete aficionado a los ordenadores.

La idea de postmodernizar (más que modernizar a secas) el mito no es nueva, ni que decir tiene. Seguramente habría que acudir al referente de "Jóvenes ocultos" para encontrar el primer germen, así como su inclusión dentro del ámbito del público juvenil, o a narraciones y posteriores adaptaciones como "El Ansia", de Tony Scott para este tipo de historias que habitualmente se caracterizaban por su clasicismo y su ubicación en entornos más o menos adultos.

El caso es que "Proyecto vampiro" no deja de ser otro apunte más, en esa misma línea. Vampiros modernos, dirigidos a un público más juvenil y palomitero. En ese sentido, el filme de Flynn entronca más con las estructuras ochenteras típicas.

Sin embargo, hay algún que otro elemento en la película que la dotan de un cierto valor, aunque sólo sea a título de curiosidad. Por ejemplo el aspecto "industrializador" del vampirismo, así como la creación de, por así llamarlos, ejércitos o comandos de criaturas de la noche. Ese "vampirismo organizado" que no mucho después Joss Whedon adoptaría para su archifamosa serie de "Buffy Cazavampiros", o también veríamos de alguna forma reflejado en sagas como "Underworld", "Blade", etc.

En todo caso, dejando de lado algún aspecto puntual, como el gusto de Flynn (aquí director y guionista, pero habitualmente encargado de las labores de dirección artística) por lo estético, "Proyecto vampiro" no pasa de ser un producto de lo más prescindible. Valdría como entretenimiento puntual si por lo menos aportase algo, pero es que en este caso, como ha quedado dicho, poca novedad admite la temática.

"Marea de sangre", de Richard Jefferies

2010-01-31T13:08:00.006+01:00

FICHA ARTÍSTICA:

Título original: "Blood Tide"/ Dirección: Richard Jefferies/ Guión: N. Mastorakis y R. Jefferies/ Producción: D. Langdon y N. Mastorakis/ Fotografía: Aris Stavrou/ Montaje: M. Bloecher y A. Valenzuela/ Dirección Artística: Aurelio Crugnola/ Música: Jerry Mosely/ Efectos Especiales: Yannis Samiotis/ Intérpretes: James Earl Jones, Jose Ferrer, Martin Kove, Lila Kedrova, Mary Louise Weller, Lydia Cornell, Deborah Shelton, Sofia Seirli, Despina Tomazani, Rania Photiou. USA-Grecia 1982. Color, 84'.

Si hablamos del género de terror y lo situamos en el ámbito del territorio de Grecia, es bastante probable que, en un momento u otro, aparezca por ahí el nombre de un tal Nico Mastorakis. Cineasta al que hemos podido ver en numerosas ocasiones, ya sea dirigiendo o bien escribiendo. Lo cierto es que no se ha caracterizado nunca por regalarnos trabajos distinguidos, a pesar de alguna cosita curiosa, como "Island of Death".

Aquí, de hecho, también encontramos una isla. Por supuesto, griega. Y Mastorakis (en este caso en labores de guionista y productor) presenta una trama que podría haber resultado ciertamente atractiva, atendiendo a la cantidad de elementos susceptibles de ser aprovechados... pero que finalmente se queda como un filme que, hablando en términos marinos, naufraga a las primeras de cambio.

Y ello a pesar de contar con una presencia tan conocida y fiable como la de James Earl Jones. Célebre intérprete de cine y televisión, que aquí se erige como el mayor reclamo de una película realmente discreta. También andan por ahí caras conocidas como las de José Ferrer y Lila Kedrova.

Una pareja acude, tras su matrimonio, a una isla donde parece haberse refugiado y/o perdido la hermana de él. Nada más llegar, se encontrarán con un peculiar personaje (Earl Jones) que, al parecer, esconde alguna que otra circunstancia oscura.

Lo cierto es que, a pesar de contar con unas localizaciones tan estimulantes y susceptibles de transmitir climas sugerentes, Richard Jefferies se muestra incapaz de, tras un primer tercio que parece apuntar cosas interesantes, mantener el más mínimo suspense. No digamos ya de conseguir un producto terrorífico mínimamente aceptable.

El personaje de Earl Jones acaba siendo más ridículo que otra cosa. La trama de sacrificios humanos en honor de una pretendida deidad marina acaba diluyéndose en secuencias interminables en las que no sucede absolutamente nada, con los personajes tomando el sol y paseando de aquí y allá (por momentos, la película casi parece un publirreportaje turístico de las islas griegas) y dejando toda la hipotética fuerza del filme reducida a un clímax resuelto de un modo torpe y carente de impacto alguno.

En definitiva, un despropósito de dimensiones considerables. A evitar.

"La séptima mujer", de Franco Prosperi

2010-01-30T11:53:00.007+01:00

FICHA ARTÍSTICA:

Título original: "La Settima Donna"/ Dirección: Franco Prosperi/ Guión: E. Sanzó, R. Migliorini y G. Mussetto/ Producción: Pino Buricchi/ Fotografía: Cristiano Pogany/ Montaje: Francesco Malvestito/ Diseño de Producción: Dario Micheli/ Música: Roberto Pregadio/ Intérpretes: Florinda Bolkan, Ray Lovelock, Flavio Andreini, Sherry Buchanan, Stefano Cedrati, Laura Tanziani, Laura Trotter, Karina Verlier, Luisa Maneri. Italia. 1978. Color, 89'.

El ámbito en el que se inscribe este filme no hace falta recordarlo. Se trata de una muestra más de las historias de venganzas sanguinolentas perpetradas contra el típico grupo (más o menos numeroso) de macarras abusones.

Todo empezó con "La última casa de la izquierda" (el título en inglés del filme que nos ocupa no ofrece lugar a dudas: "The Last House on the Beach") y siguió con obras como "I Spit On Your Grave", "Violación en el último tren de la noche", etc. etc. Casi siempre productos facturados en Italia y con altos índices de violencia.

El caso es que la de Prosperi es una de las más aceptables, cinematográficamente hablando. Siempre entendiendo lo de "aceptable" dentro de los márgenes discutibles, en cuanto a calidad, que ofrecen esta clase de películas. De calidad y de, ¿por qué no decirlo? niveles de sadismo y provocación que desprenden filmes así. Obras que parecen destinadas a un público especialmente morboso. Pero bueno, si Peckinpah y su "Perros de paja" ostenta un lugar destacado dentro de la historia del cine, ¿por qué no otorgar validez a propuestas que, al fin y al cabo, tampoco se alejan (en cuanto a intenciones) de aquélla?

Es posible que los italianos sean más directos y pasen de largo por las implicaciones y las lecturas morales de la trama, pero el caso es que aquí tenemos esta "La séptima mujer" protagonizada por dos actores a los que, curiosamente, hemos "visto" estos últimos días en el blog: Florinda Bolkan (nuevamente espléndida) y Ray Lovelock (bastante más discreto).

Bolkan interpreta a una novicia encargada del cuidado de un grupo de chicas que se verá asaltado por una banda de indeseables que acaban de robar un banco y necesitan esconderse. Al mismo tiempo, aprovecharán para dar rienda suelta a sus (previsibles) instintos más primarios.

Si el valor de esta película debe medirse en términos de ¿cumple con su cometido? Pues sí, sin ninguna duda. Es un filme que se ve con incomodidad, que transmite malas vibraciones y con el que el espectador sufre al identificarse con las víctimas (que es de lo que se trata). En ese sentido, más allá de la valía estrictamente cinematográfica, que es la que es y no se le puede ni debe exigir más, se trata de una obra correcta. Además, quienes vayan buscando que el preceptivo "estallido de violencia" que tiene lugar al final de esta clase de historias, sea lo suficientemente contundente, no quedarán decepcionados. Porque hay para dar y tomar.

Así pues, he aquí un trabajo más de Prosperi. Cineasta que nunca se distinguió por su "sutileza" ("Mondo Cane", "Adiós África"...) y que aquí nos ofrece un nuevo muestrario de su habitual modo de entender el cine. Desde luego, este señor no parece que vaya a tener algún día un monográfico elaborado por sesudos críticos en "Cahiers du Cinema".

"La visión de Sabba", de Marco Bellocchio

2010-01-29T12:56:00.006+01:00

FICHA ARTÍSTICA:

Título original: "La visione del Sabba"/ Dirección: Marco Bellocchio/ Guión: F. Pirani y M. Bellocchio/ Producción: Achille Manzotti/ Fotografía: Giuseppe Lanci/ Montaje: Mirco Garrone y M. Bellocchio/ Diseño de Producción: Giantito Burchiellaro/ Intérpretes: Beatrice Dalle, Daniel Ezralow, Jacques Webber, Corinne Touzet, Renata Leoni, Roberta Lena, Daniele Nuccetelli, Sasa Vulicevic, Raffaela Rossellini, Stefano Abbati, Omero Antonutti, Eleonora Di Mario. Italia-Francia. 1988. Color, 89'.

Bellocchio es uno de esos cineastas que habitualmente parecen más preocupados por mostrar a toda costa su talante "voyeur" que por narrar historias más o menos consistentes. Le pasa un poco como a nuestro Bigas Luna. Uno se imagina a estos cineastas haciéndose toda clase de... cábalas mentales (digámoslo así) a la hora de fijarse en una actriz determinada y cuando ya está "localizada", pues le montan una película alrededor suyo.

A veces les sale mejor y a veces les sale peor. Y en el caso de Bellocchio, pues bueno, sus pelis no han pasado nunca de discretas. Posiblemente la que le ha dado más caché fuera de sus fronteras es la que realizó inmediatamente anterior a ésta que nos ocupa, es decir, "El diablo en el cuerpo".

Si en aquélla, la "musa" inspiradora había sido Maruschka Detmers, en esta ocasión, el papel recayó en la asimismo hermosa Beatrice Dalle. Una actriz francesa recordada sobretodo gracias a su deslumbrante debut en "Betty Blue" y vista últimamente en la burrísima "A L'Interieur", que aquí nos regala su atractiva presencia y a Bellocchio seguramente le debió arrancar más de un suspiro durante el rodaje.

Lo que se nos cuenta en "La visión de Sabba" es, como se puede suponer, más bien poca cosa. La trama consiste en apenas un esbozo que luego el director se encarga de estirar del modo más artificioso posible, a fin de recrearse en pasajes muy visuales, sin apenas diálogo y pretendidamente "artísticos" que narrativamente van minando la obra, en lugar de engrandecerla.

Dalle interpreta a una presunta bruja (al menos, eso dice ella) que ha sido acusada de asesinato y a la cual un joven recién licenciado deberá tratar y que, como no puede ser de otro modo, acabará rendido a sus diabólicos encantos. Y si no diabólicos, por lo menos, carnales.

El asunto no deja de ser curioso, porque Dalle, además de muy guapa, es una actriz más que interesante. Lo mismo que su compañero de reparto, el mucho más desconocido Daniel Ezralow, que aquí da muestras de ser un intérprete muy competente. Desde luego, bastante más que lo que su personaje y la película en sí requerirían. Y es que el cineasta italiano se muestra incapaz de conseguir nada medianamente atractivo, pese a la buena materia prima de la que dispone.

Así, tras un planteamiento donde se apuntan algunos rasgos de indudable interés, en cuanto a la historia que se va a contar, Bellocchio se pierde en secuencias de cansinas coreografías (Ezralow es coreógrafo, de hecho) y, como ha quedado dicho, de una presunta intencionalidad artística, que a la postre no conducen a nada. De tal modo que, lo que podía haber sido una trama turbadora y sugerente acerca del poder del sexo y de la manipulación femenina, acaba pareciendo más bien uno de esos pastosos retablos de baile dirigidos por Carlos Saura, pero sin fotografía de Storaro.

"La revancha del reportero radiactivo", de Craig Pryce

2010-01-28T12:25:00.006+01:00

FICHA ARTÍSTICA:

Título original: "Revenge of the Radioactive Reporter"/ Director: Craig Pryce/ Producción: C. Pryce/ Guión: D. Wiechorek y C. Pryce/ Fotografía: Paul Sarossy/ Montaje: Gary Zubeck/ Efectos Visuales: John Gajdecki/ Intérpretes: David Scammell, Kathryn Boese, Randy Pearlstein, Derrick Strange, Erich Arenson, Mel Asbor, Paul Lamothe, Jane Edmonson, Larry Baker, Ron Becker, Andre Biglo, Dace Broc, Larry Brown, Eric Bryson, Malcolm Bryson, Joan Cammick. Canadá. 1990. Color, 80'.

Como si no fuesen ya de por sí peligrosos los paparazzis sin radiactividad ni nada. En fin... tras este inolvidable título, encontramos la ópera prima de Craig Pryce, un cineasta que al parecer probó suerte con filmes como éste, pero que finalmente (como tantos otros) acabó con sus huesos en el ámbito de la televisión dirigiendo episodios diversos de series igualmente diversas.

La idea de esta película canadiense, con todo lo de psicotrónico y aparatoso que tiene su título, no es nueva para nada. En realidad, se inscribe dentro de los esquemas típicos de historias como "El Fantasma de la Ópera", por citar el referente más clásico. Pero de igual modo, podríamos encontrar referentes mucho más nuevos en obras como "Darkman" de Sam Raimi.

En definitiva: un vengador desfigurado que regresa de allá dondequiera que le mandasen sus enemigos para hacer justicia. Lo hemos visto cientos de veces, ¿verdad?

En esta ocasión, se trata de un reportero más dicharachero que la Rana Gustavo y que pretende levantar la voz acerca de los turbios manejos de una central nuclear y sus propietarios. Curioso, en estos días en que el tema de la energía nuclear y sus riesgos vuelven a estar de plena actualidad. En realidad, nunca ha dejado de estarlo. Recordemos las clásicas pelis de CF de los años cincuenta y sesenta, protagonizadas por bichos mutantes y agigantados por los efectos de la ciencia y su mal uso.

La cuestión es que, en el caso que nos ocupa, el reportaje en cuestión acabará en tragedia (provocada) y dará lugar al retorno del periodista convenientemente "aderezado" con residuos y malformaciones varias.

El filme está construido con los mimbres de la comedia ochentera más típica, con personajes abiertamente ridículos, situaciones de enredo y demás elementos cómicos de producto más o menos juvenil.

A pesar de ello, Craig Pryce tampoco rehúye del todo el tono más terrorífico y específicamente sangriento (hay un par de momentos incluso gore) y hasta se permite tratar el argumento desde un punto de vista de cierto dramatismo, en especial dentro de lo que atañe a la relación entre el reportero (ya desfigurado y repulsivo) y su atribulada novia.

En cualquier caso, nada de todo ello sirve para que la película pase de un entretenimiento totalmente intrascendente. A pesar de algún destello aislado de brillantez, "La revancha del reportero radiactivo" no va más allá de ser una broma de las que no perviven, pero tampoco molestan. En un momento dado puede servir como tránsito jocoso entre películas más sustanciosas, dentro de un buen maratón de cine de terror. Total, las hemos visto mucho peores y con muchas más pretensiones.

"Huellas de pisadas en la Luna", de Luigi Bazzoni

2010-01-27T11:50:00.006+01:00

FICHA ARTÍSTICA:

Título original: Le Orme/ Director: Luigi Bazzoni/ Producción: Luciano Perugia, Marina Cicogna/ Guión: Luigi Bazzoni, según la novela Le orme, de M. Fanelli/ Fotografía: Vittorio Storaro/ Música: Nicola Piovani/ Montaje: Franco Arcalli/ Efectos Especiales: Carlo Ventimiglia/ Intérpretes: Florinda Bolkan, Peter McEnery, Lila Kedrova, Nicoletta Elmi, Klaus Kinski, Caterina Boratto, Evelyn Stewart, Esmeralda Ruspoli, John Karlsen, Rosita Torosh. Italia. 1975. Color, 93'.

En los años setenta, los bolsilibros o también llamadas "novelas de a duro" arrasaban en los kioskos. Entre sus autores, muchos de ellos más que estimables, brillaba con luz propia un nombre: Silver Kane (Francisco González Ledesma). Y destacaba porque sus narraciones, da lo mismo el género en el que se incluyesen, se caracterizaban por unas atmósferas verdaderamente peculiares. Especialmente las de terror.

No hay por qué ser un erudito en bolsilibros de terror de Silver Kane para disfrutar con esta singular película de Bazzoni, desde luego. Pero sí resulta agradable constatar que en muchas ocasiones, aunque los creadores no estén en modo alguno relacionados o "interconectados", son capaces de pergeñar obras con características similares. Tal vez por inspirarse en parecidos estímulos y coincidentes formas de entender la realidad, o más bien lo que acecha tras ella.

En "Huellas de pisadas en la Luna" la protagonista casi absoluta es Florinda Bolkan. Una muy buena actriz a la que pudimos ver en las primeras y más que reivindicables películas de terror de Lucio Fulci ("Angustia de silencio", "Una lagartija con piel de mujer"...) y a la que en España se recuerda también por la célebre serie sobre la mafia "La Piovra", emitida a finales de los ochenta.

Bolkan interpreta a Alice, una mujer que trabaja de traductora-intérprete y que, de repente, se da cuenta de que ha "perdido" tres días de su vida sin saber cómo ni por qué. A partir de ese momento, se verá inmersa en una atmósfera casi surrealista llena de misterios y amenazas inconcretos, de los que intentará desentrañar el origen. Un origen que parece extrañamente relacionado con el satélite lunar y una dramática expedición al mismo.

El filme no es "fácil", en el sentido de que el espectador debe poner de su parte para dejarse contagiar por esa atmósfera absolutamente onírica (cuando no pesadillesca) que lo envuelve todo. Una atmósfera a ratos insinuada y a ratos plasmada en imágenes plagadas de poder sugestivo, de la que el personaje de Bolkan queda presa y que se refleja a las mil maravillas en sus rasgos atractivos y duros a la vez. Alice camina por esos escenarios misteriosos (aunque no explícitamente tétricos) que parecen reconocerla y acecharla a un tiempo, como quien camina en mitad de un sueño del que no consigue despertar.

Aquí no encontraremos pasajes violentos o sanguinolentos. En ese sentido, estamos más cerca de los terrenos de un Lynch o incluso de un Fellini, que de Bava o Argento. Sin embargo, algo de las atmósferas "giallo" también asoman por la cinta, asemejándola en parte a algunas obras de Pupi Avati. En cualquier caso, la fuerza de las imágenes con una maravillosa fotografía del gran Vittorio Storaro lo llenan todo, amén de una exquisita partitura de Nicola Piovani.

Ni siquiera el hecho de que (como por otro lado se adivina) el guión no llegue a "cerrar" del todo los enigmas de la trama, juega en contra del filme. Al contrario, elementos como la no explicada presencia del personaje de Klaus Kinski, o la propia secuencia final, dejan un poso de inquietud que no hacen sino refrendar todo lo apuntado a lo largo de la película.

Con ello, "Le Orme" se convierte en la que es seguramente la mejor película de su director. Un cineasta que no fue nada prolífico, pero que nos dio muestras tan valiosas para el género como "El día negro" o "La mujer del lago". O lo que es lo mismo: un giallo atípico ("Le Orme"), otro típico ("El día negro") y un pre-giallo ("La mujer del lago"). Auténticas gemas del terror y el suspense transalpino, las tres.

"No profanar el sueño de los muertos", de Jorge Grau

2010-01-26T11:50:00.006+01:00

FICHA ARTÍSTICA:

Dirección: Jorge Grau/ Guión: S. Continenza, M. Coscia, J. Cobos y M. Rubio/ Producción: Edmondo Amati/ Fotografía: Francisco Sempere/ Música: Giuliano Sorgini/ Montaje: D. García y V. Tomassi/ Diseño de Producción: Carlo Leva/ Efectos Especiales: J.A. Balandín y L. Byrd/ Maquillaje: Giannetto De Rossi/ Reparto: Cristina Galbó, Ray Lovelock, Arthur Kennedy, Aldo Massasso, Giorgio Trestini, Roberto Posse, José Lifante, Fernando Hilbeck, Jeanine Mestre, Gengher Katti, Vera Drudi. España-Italia, 1974. Color. 89'

De la misma forma que hay títulos que, por sus características, son más o menos representativos de una época o estilo determinados, los hay que han quedado como auténticos baluartes de todo ello. Así que, al igual que para referirnos al giallo resulta obligado citar filmes de Bava o Argento y todo el mundo sabe de lo que se está hablando, al nombrar el Fantaterror hispano, del mismo modo que la figura de Paul Naschy brilla con luz propia, también lo hacen títulos como éste de Jorge Grau.

Un Jorge Grau que ya había dado muestras poco antes de su gran capacidad para el género, en la también valiosa "Ceremonia sangrienta". Pero que aquí, de alguna manera, sienta las bases de lo que será, a nivel europeo, el subgénero de zombies o muertos vivientes, a lo largo de los años venideros.

Todo nace, como cuenta el propio director catalán, del empeño por parte de un productor italiano (Edmondo Amati, habitual productor de Fulci, entre otros) en llevar a la práctica la idea de narrar algo muy similar a "La noche de los muertos vivientes" (auténtico boom de seis años antes) pero en color. Aprovechar las enormes posibilidades que el color ofrecía a un tipo de historias así.

De ese modo, Grau lleva a la pantalla el guión primerizo de un par de italianos, posteriormente retocado por Juan Cobos y Miguel Rubio (he aquí a dos tertulianos de Garci metiéndose de cabeza en un género y en un tipo de cine al que años después, en dichas tertulias televisivas, mirarían con ojos desdeñosos). En fin, cosas que pasan.

Todo empieza de un modo muy similar al del filme de Romero. Dos jóvenes que acaban de conocerse accidentalmente se ven obligados a compartir viaje hasta una pequeña localidad de Escocia donde a ambos les aguardan cosas tan diversas como una extraña máquina para acabar con los insectos del campo, una hermana drogadicta con un marido recién asesinado, un policía más fascistoide que Bronson en una butifarrada popular de Vic... y claro está... los muertos vivientes.

Unos zombies, la primera aparición de los cuales, tendrá lugar en la forma y el aspecto de un magnífico Fernando Hilbeck en una secuencia que, de nuevo, recuerda a la película de Romero, con el muerto viviente asomando desde la lejanía y dirigiéndose hacia la incauta y desprevenida joven (Cristina Galbó) que apenas será capaz de escapar a ese primer e inesperado horror.

A partir de ahí, momentos de una enorme y bien tratada tensión terrorífica, como la secuencia en la cripta del cementerio o ese clímax final en el hospital, auténticamente brillante.

Claro está, también encontramos algún que otro defecto. Especialmente en lo relativo al guión. Hay algún aspecto ahí no ya discutible, sino directamente risible. El personaje del policía (estupendo por otra parte Arthur Kennedy) y sus malas relaciones con el joven hippie y despreocupado (Ray Lovelock) en una especie de alegato en favor de las nuevas generaciones, lo mismo que ese mensaje ecológico de patio de colegio al que da lugar el origen y proceso de zombificación de los cuerpos, o la presencia de las drogas como elemento escandaloso, tan de la época. Eso por no hablar del inverosímil epílogo.

En ese sentido, la película casi podría meterse en el saco de los productos más casposos del terror setentero y ochentero hispano-italiano.

Sin embargo, es tan bueno el aprovechamiento de los escenarios (tanto en exteriores como en interiores), así como las mencionadas muestras de terror palpable (con unos logrados efectos gore, magistrales para la época), que el cómputo final de la obra la sitúan a un nivel que, por otro lado, es el que merecidamente ocupa a día de hoy. Esto es: una de las muestras más granadas y representativas del género en España, que traspasó fronteras y se convirtió por derecho propio en un referente para todo lo que vino después.

"Believers", de Daniel Myrick

2010-01-25T12:47:00.005+01:00

FICHA ARTÍSTICA:

Título Original: "Believers"/ Dirección: Daniel Myrick/ Guión: J. Fair, D. Noah y D. Myrick/ Producción: T. Krantz, S. Papazian y D. Myrick/ Fotografía: Andrew Huebscher/ Música: Kays Al-Atakchi/ Montaje: Robert Florio/ Diseño de Producción: Carol Winstead Wood/ Efectos Visuales: Thomas D. Moser/ Reparto: Jon Huertas, Kyle Adahl, Nino Aldi, June Angela, Daniel Benzali, Elizabeth Bogush, Saige Ryan Campbell, Cullen G. Chambers, Michael Childers, Jordan Dang, John Farley, Jennie Floyd, Michael Folkerds, Michael Gregory, Carolyn Hennesy, Charles Hirsch. USA, 2007. Color. 98'

El que nace mediocre y vive mediocre, lo más normal es que se muera mediocre. Aunque en un momento dado la fortuna, el azar, la casualidad o lo que sea, hiciesen sonar la flauta del modo adecuado y sin desafinar, lo cierto es que la capacidad artística de Daniel Myrick es mediocre. Y la flauta (o sea, "The Blair Witch Project") sonó por sonar.

"Believers" es una nueva muestra palpable de que lo conseguido por Myrick (y su "compi" Sánchez, porque lo mismo vale para él) en "The Blair Witch Project" fue algo de un valor indiscutible, aunque cabría analizar hasta qué punto el valor en sí corresponde al material cinematográfico o bien a la habilidad para saber "venderlo", pero completamente casual.

Con todo, esta historia de sectas apocalípticas protagonizada por dos polis que van a dar con sus huesos en las interioridades de un grupo de sectarios obsesionados (cómo no) con el fin del mundo a partir de complejos cálculos matemáticos, tampoco sería justo calificarla como bodrio.

Porque lo cierto es que desde un primer momento queda tan claro su nivel: esto es, el mercado videográfico o televisivo, que no queda más remedio que situar las expectativas a la altura de lo que cabe esperar de cualquier telefilme actual de género. En el mejor de los casos, como un episodio más o menos inspirado de "Expediente X".

Mucho de ello hay aquí. Y en ese sentido, decepciona lo justo. Posiblemente porque el tema de las sectas en la actualidad aún no está tan sobreexplotado como otros, porque la narración avanza sin demasiados baches de ritmo, o por ese resquemor que el espectador no puede dejar de sentir al respecto de si los vaticinios fatídicos de los "iluminados" se cumplirán o no finalmente, el caso es que la película se deja ver.

Pero ni en el apartado interpretativo, compuesto por rostros eminentemente televisivos como el de Daniel Benzali ("Murder One", "Policías de N.Y."...) encontramos grandes atractivos, ni en cuanto a la dirección propiamente dicha hallaremos nada que valga la pena ser destacado. En cuanto a las "sorpresas" (posibles o no) del guión, que opine cada cual. Fox y Mulder seguro que encontraron motivos mucho más consistentes para quedarse con cara de póker en muchas de sus correrías.

"Cuerpo maldito", de Eric Red

2010-01-24T12:54:00.003+01:00

FICHA ARTÍSTICA:

Título Original: "Body Parts"/ Dirección: Eric Red/ Guión: N. Snider y E. Red sobre una novela de P. Boileau y T. Narcejac/ Producción: Frank Mancuso, Jr./ Fotografía: Theo Van de Sande/ Música: Loek Dikker/ Montaje: Anthony Redman/ Diseño de Producción: Bill Brodie/ Dirección Artística: Alicia Keywan/ Efectos Especiales: Joe Campana/ Reparto: Jeff Fahey, Kim Delaney, Lindsay Duncan, Zakes Mokae, Brad Dourif, John Walsh, Paul Ben-Victor, Peter Murnik, Nathaniel Moreau, Sarah Campbell, Andy Humphrey, Lindsay Merrithew, James Kidnie. USA, 1991. Color. 84'

Eric Red es un director y guionista estadounidense que, además de ser conocido (aunque sin exagerar) por su películas, se ha caracterizado sobretodo por participar en los guiones de otra directora, también estadounidense: Kathryn Bigelow. Con ella ha colaborado en títulos tan célebres como "Los viajeros de la noche" o "Acero azul". Sin duda, dos de las mejores obras de la Bigelow. Pero aquí, en "Cuerpo maldito", Eric Red es el primer y último responsable, a pesar de basarse en el texto original de una novela francesa y de haber escrito el guión en colaboración con otras personas.

Un guión que, por cierto, tampoco ofrece un argumento excesivamente novedoso u original. Conoceremos a un psicólogo criminal que, tras sufrir un aparatoso accidente de tráfico, consigue conservar la vida, no sin sufrir graves secuelas, siendo la principal de ellas la pérdida de uno de sus brazos. A todo esto, la doctora que le trata, le propondrá (o mejor dicho, a la esposa del accidentado, ya que él permanece aún inconsciente) la posibilidad de un injerto. Como no podría ser de otro modo, el brazo original pertenecerá a un asesino, con lo que la extremidad no tardará en manifestar vida propia y un comportamiento "poco apropiado".

Es decir, la enésima variante sobre el mito de Frankenstein, los mad doctors que experimentan con miembros humanos, etc. Ni siquiera en la época actual es una idea tan novedosa, ya que sin ir más lejos, Oliver Stone contó algo si no idéntico, sí bastante similar en "La Mano", de 1981, no siendo ni mucho menos el único en abordar este tipo de historias.

En esta ocasión, el brazo no "funciona" solo como le ocurría al pobre Michael Caine en la peli de Stone, pero sí influye de forma decisiva en la psique de su nuevo propietario. Un personaje interpretado por Jeff Fahey, actor que por cierto, ya de por sí está dotado de unos rasgos faciales tirando a turbios.

En el apartado interpretativo también destacan las presencias de Brad Dourif y de la escocesa Lindsay Duncan en el papel de la doctora que efectúa la operación y que, como suele suceder en estos casos, esconde algo tras su aparentemente profesional comportamiento. Una Lindsay Duncan de la que todavía recordamos su papel de Dolphin Blue en la magistral "The Reflecting Skin", de Philip Ridley y que ha desarrollado la práctica totalidad de su carrera en Inglaterra, siendo "Cuerpo maldito" una de las escasas excepciones.

Realmente poco puede destacarse de este filme. Ni en positivo, ni en negativo. A pesar de funcionar como narración de horror, con unos muy correctos efectos especiales, resulta bastante previsible y tampoco parece que aproveche del todo las posibilidades que la idea principal ofrecía. No hubiera ido nada mal, sin ir más lejos, potenciar los aspectos más dramáticos de la misma. La factura final de la obra de Red es la de una serie B funcional, pero olvidable.

"Home Movie", de Christopher Denham

2010-01-23T13:22:00.005+01:00

FICHA ARTÍSTICA:

Título Original: "Home Movie"/ Dirección y Guión: Christopher Denham/ Producción: W. M. Miller y A. Van Den Houten/ Fotografía: W. M. Miller/ Música: Ryan Shore/ Montaje: John T. Miller/ Diseño de Producción: Emilie Ritzmann/ Dirección Artística: Brian Rzepka/ Reparto: Adrian Pasdar, Cady McClain, Amber Joy Williams y Austin Williams. USA, 2008. Color. 77'

Pues he aquí la sopresa de la semana, en lo que a reseñas se refiere. Lleva el adecuadísimo título de "Home Movie", que en principio parecería alejarla por completo del cine de terror y está dirigida por el novel Christopher Denham, que fue premiado (con todo merecimiento) en Sitges 2008 por ésta, su ópera prima. Un joven actor metido a director que podría dar que hablar en el futuro.

Y es que uno se enfrenta a esta película sabiendo que es una de ésas que están tan de moda, realizadas y contadas con cámara en mano (tenemos este mismo año la cacareada "Paranormal Activity", reseñada hace unas semanas) y por lo tanto, como siempre que uno se halla ante un producto aparentemente coyuntural y posiblemente perecedero, la predisposición no acostumbra a ser demasiado positiva.

Sin embargo, hay que decir que en este caso concreto, la sorpresa ha sido, si no mayúscula, sí considerable.

El filme está protagonizado por una familia más o menos normal: el papá pastor (de rebaños humanos), la mamá psiquiatra y los niños... bueno, los niños no tienen profesión definida, pero apuntan maneras de psicópatas profesionales. Precisamente la diferencia de criterios en cuanto a las creencias de los progenitores a la hora de abordar los acontecimientos dan bastante juego al director.

La historia está narrada con cámara en mano, como ha quedado dicho. Y Denham lo hace a partir de las distintas festividades (navidad, acción de gracias, halloween, etc.) que podría utilizar cualquier familia americana para sacar a pasear a la cámara doméstica. Cámara que será testigo de todos esos acontecimientos aparentemente banales, pero que poco a poco y de forma progresiva irán tiñéndose de una perturbadora oscuridad.

Es obvio que la película está muy bien pensada. Del mismo modo, tampoco se puede ocultar que la opción de la cámara en mano no siempre está del todo justificada (seguramente el hándicap más grande al que se enfrentan esta clase de narraciones), pero el nivel del filme es tan bueno, que esto último puede pasarse perfectamente por alto.

Junto a momentos francamente hilarantes (la cena de acción de gracias, más propia de un filme de humor absurdo que de una historia de terror) encontraremos otros mucho más incómodos e inquietantes, que es a la postre de lo que se trata. Además hay que destacar que el uso de la cámara no se hace para nada "mareante", como sí sucede en otras ocasiones.

La voz cantante la lleva el padre, (excelente Adrian Pasdar, visto en series como "Héroes" o "Mujeres desesperadas") que asiste en sus filmaciones a la creciente malignidad que se va apoderando de sus vástagos, pasando de la travesura infantil más o menos descerebrada a la auténtica psicopatía asesina. En ese sentido resulta muy lograda la estructura del filme, compuesta por los diferentes segmentos aludidos y acabando cada uno de ellos con un hallazgo macabro (cada vez más macabro) que pondrá fin a la "sesión de grabación" correspondiente.

Lo dicho, nos hallamos ante una pequeña gran sorpresa que merece la pena ser destacada. Especialmente cuando aún tenemos tan reciente el éxito de "Paranormal Activity", que sin ser en absoluto un producto fallido, a mi juicio se ve bastante superado por esta vitriólica y gamberrísima "Home Movie".

"Madhouse", de Ovidio G. Assonitis

2010-01-22T12:15:00.005+01:00

FICHA ARTÍSTICA:

Título Original: "There Was a Little Girl"/ Dirección: Ovidio G. Assonitis/ Guión: S. Blakely, R. Gandus, P. Shepherd y O. Assonitis/ Producción: P. Shepherd y O. Assonitis/ Fotografía: Roberto D'Ettore Piazzoli/ Música: Riz Ortolani/ Montaje: Angelo Curi/ Maquillaje: N. Jacoponi y G. Zamprioli/ Reparto: Trish Everly, Michael McRae, Dennis Robertson, Morgan Hart, Allison Biggers, Edith Ivey, Richard Baker, Don Devendorf, Jerry Fukijawa, Doug Dillingham, Joe Camp. Italia, 1981. Color. 89'

De este cineasta egipcio afincado en Italia ya reseñé por aquí hace algún tiempo su película más conocida "Chi Sei?". Ahora le toca el turno a esta otra, no tan célebre (siempre hablando en el ámbito del aficionado más o menos avezado) pero, sin embargo, con bastante más interés, a pesar de tratarse de otro filme de limitado valor. Filme facturado y producido en Italia, con reparto anglosajón y también conocido con el título en inglés de "There Was a Little Girl".

En esta ocasión la protagonista (Trish Everly, bastante insulsa) vuelve a ser femenina y de mediana edad, pero a diferencia de la otra, ésta no está poseída por ningún demonio, sino que más bien se siente acosada por la figura (en primer lugar etérea y luego no tan etérea) de su hermana gemela, de la que se separó años atrás, a causa de los graves trastornos mentales que padecía. El caso es que, acercándose el cumpleaños de Julia (la protagonista), la loca se escapa de la institución mental donde se hallaba recluida y se "autoinvitará" al cumpleaños de su hermana (y al suyo propio) dejando un rastro de colorcillo tirando a rojo a sus espaldas.

Tras lo que parece ser una trama que a los quince minutos ya está totalmente dibujada, el guión del filme introduce de repente otro elemento perturbador (que no conviene desvelar), y que parece romper de una forma algo absurda la aparente ruta trazada. De ahí que la película se muestre un poco desequilibrada, en el aspecto argumental. Culpa, tal vez, de estar escrita a ocho manos (nada menos), circunstancia coincidente con el caso de "Chi Sei?", por cierto.

Eso sí, de fondo siempre está la figura de la protagonista, como víctima propiciatoria de todos los miedos que irán desencadenándose a su alrededor, hasta desembocar en un desenlace previsible pero con cierto encanto "granguiñolesco". Aunque ello lleve consigo momentos tan gratuitamente dramáticos (casi diría que obscenos) como el protagonizado por el niño sordomudo.

Por otro lado, hay secuencias alargadas de un modo innecesario, pese a que después Assonitis nos "compense" con un nivel de truculencia aceptable, Riz Ortolani ofrezca una de sus interesantes partituras, o el televisivo Dennis Robertson (posiblemente lo mejor de todo) se luzca con su personaje, destacando entre un elenco de secundarios de lo más gris. De todos modos, la endeblez del guión sobrevuela a lo largo de la hora y media que dura la peli.

"Madhouse" es una obra ciertamente singular. Que bascula entre lo malsano y lo absurdo de una forma bastante descontrolada. Y que tras el aparente esquema de un slasher, presenta un trasfondo de un "italian horror" setentero con cierta atmósfera. El resultado es, a la postre, tan deslavazado como curioso.

"La Mansión de los Condenados", de Michael Pataki

2010-01-21T10:47:00.009+01:00

FICHA ARTÍSTICA:

Título Original: "Mansion of the Doomed"/ Dirección: Michael Pataki/ Guión: Frank Ray Perilli/ Producción: Charles Band/ Fotografía: Andrew Davis/ Música: Robert O. Ragland/ Montaje: Harry Keramidas/ Maquillaje: M. Bacarella y T. Hoeber/ Reparto: Richard Basehart, Gloria Grahame, Trish Stewart, Lance Henriksen, Al Ferrara, Jo D'Amore, Donna Andresen, Marilyn Joi, Katherine Fitzpatrick, Katherine Stewart, Vic Tayback, Simmy Bow, Arthur Space. USA, 1976. Color. 83'

A pesar de lo que el título de la peli puede dar a entender, no nos hallamos ante la clásica historia de casas encantadas. De eso nada. De hecho, si el título tuviese que atender fielmente a lo que se nos cuenta, sería mucho más adecuado haberla llamado "El ataque de los vivos sin ojos", haciendo un juego de palabras con la simpática cinta de Ossorio.

De todos modos, tampoco el título resulta del todo desacertado. Y es que en esta película del actor (y muy ocasionalmente director) Michael Pataki, efectivamente hay una casa (más que una mansión propiamente dicha, en el sentido que habitualmente se otorga al término, dentro de la cinematografía de terror) y desde luego, hay un grupo de personajes presos en la misma a los que el calificativo de "condenados" les cuadra a la perfección.

¿Y quiénes son dichos "condenados"? Pues ni más ni menos que las víctimas de los experimentos (en este caso, operaciones quirúrgicas) del recurrente "mad doctor" de toda la vida. Un mad doctor que, sin embargo, aquí nos presenta algún que otro rasgo, si no de originalidad, al menos aceptablemente novedoso.

El mad doctor encarnado por Richard Basehart no es el típico científico chiflado que da vida a mutaciones abominables, ni nada por el estilo. Aquí, de lo que se trata, es de devolver la vista a la pobrecita hija del matrimonio encarnado por Basehart y la mítica Gloria Grahame (ya en el tramo final de su carrera, en el cual era frecuente verla dentro de productos del género).

En ese sentido, además de por los visos de cierta "humanidad" que nos da la voz en off del personaje, desesperado por que sus operaciones resulten finalmente exitosas, tras uno y otro fracaso a fuerza de secuestrar y encerrar a sus víctimas para extirparles los ojos y trasplantárselos a su vástaga, este cirujano loco es un padre de familia todo lo desequilibrado que se quiera, pero que no aspira a dominar el mundo, ni nada que se le parezca.

Eso no quita para que la mecánica del filme sea la previsible en un producto de esta índole, con el médico raptando a sus potenciales "conejillos de indias", casi siempre chicas de buen ver, para acto seguido encerrarlas en un sótano de su propia casa, ya desprovistas de visión.

La película, sin ser nada del otro mundo, sí resulta entretenida y su previsibilidad no le resta interés en ningún momento. No hay excesiva truculencia, aunque no conviene obviar el siempre gran efecto que provoca cualquier temática de horror relacionada con esas partes del cuerpo que son los ojos. En ese aspecto, el filme tampoco es parco en momentos angustiosos.

En resumen, un producto típicamente setentero, que mezcla de forma hábil los habituales elementos del "psychokiller" y el "mad doctor" dando como resultado una obra que, sin ser "Ojos sin Rostro" de Franju, ya quisiera haber conseguido nuestro Jess Franco en cualquiera de sus múltiples aproximaciones a esta clase de argumentos (especialmente si nos referimos a su etapa más tardía).

"Full Circle", de Richard Loncraine

2010-01-20T13:26:00.007+01:00

FICHA ARTÍSTICA:

Título Original: "Full Circle"/ Dirección: Richard Loncraine/ Guión: Harry B. Davenport y D. Humprhies, sobre una novela de Peter Straub/ Producción: P. Fetterman y A. Pariser/ Fotografía: Peter Hannan/ Música: Colin Towns/ Montaje: Ron Wisman/ Diseño de Producción: Brian Morris/ Reparto: Mia Farrow, Keir Dullea, Tom Conti, Jill Bennett, Robin Gammell, Cathleen Nesbitt, Anna Wing, Edward Hardwicke, Mary Morris, Pauline Jameson, Arthur Howard, Peter Sallis, Damaris Hayman, Sophie Ward. Gran Bretaña, 1977. Color. 93'

Este filme dirigido por el británico Richard Loncraine y protagonizado por Mia Farrow ha llegado a ser conocido en España por diferentes títulos, según el momento: "El círculo de la muerte", "Escalofrío"... del mismo modo que también en inglés se la conoce como "The Haunting of Julia", además de "Full Circle".

En cualquier caso, de lo que se trata es de constatar que se trata de la adaptación que el cineasta británico, autor de obras como "Brimstone and Treacle" (excelente filme de culto protagonizado por Denholm Elliott y Sting), hizo a partir de la novela de Peter Straub ("Julia").

Una de las primeras obras del escritor estadounidense, muchas veces comparado con Stephen King (no en vano, ambos han llegado a colaborar en un par de libros), pero en cambio muchísimo menos adaptado a la gran pantalla. Y no por falta de historias con interés o susceptibles de dar lugar a buenos filmes, desde luego.

El caso es que Loncraine se atrevió con ésta y para ello contó con la presencia de una Mia Farrow que aún no se había convertido en musa de Woody Allen y que, de hecho, apenas había sobresalido en un puñado de títulos, como "El Gran Gatsby", "Terror ciego" y, naturalmente, "La semilla del Diablo". Su imagen aquí es todavía muy similar a la que presentaba en la magistral obra de Polanski.

Y en "Full Circle" de nuevo tiene ocasión de interpretar uno de esos papeles femeninos llenos de turbios recovecos, de gran atractivo para cualquier actriz. Julia es una mujer tristemente afectada por la pérdida de su hija, circunstancia que ha provocado su ruptura matrimonial, así como un comprensible vacío interior. Su traslado a una nueva casa, dará lugar a la aparición de una extraña presencia infantil que se convertirá para ella en una obsesión a la cual tendrá que hacer frente en completa soledad.

Independientemente de que algún aspecto del guión chirríe un poco (el papel del ex marido como un poco creíble "villano", que ya aparecía tal cual en el texto de Straub, por ejemplo) lo cierto es que nos hallamos ante una interesante trama de fantasmas, con muy poco de efectismo y mucho de sugestividad. De ahí que una gran parte de la efectividad de la cinta repose en los hombros de la interpretación de una Farrow excelente.

Se trata de un tipo de historias que en los últimos años parecen haberse puesto de nuevo de moda, pero que a finales de los setenta partían claramente de unos esquemas más literarios que cinematográficos. En ese sentido, por aquel entonces no estaban tan explotadas como parecen estarlo ahora, además con unos tratamientos habitualmente bastante chuscos. Seguro que si enumeramos mentalmente los títulos que en los últimos tiempos nos ha dado el cine protagonizados por mujeres (u hombres) acosados por fantasmas de niños y niñas, la lista será numerosa.

El caso es que aquí Loncraine juega muy bien con la ambigüedad y utiliza los distintos elementos que le permite el medio, como una estupenda banda sonora de Colin Towns, a través de una narración pausada (en algunos momentos tal vez en exceso) que desemboca a su vez en un final valiente y de los que dejan poso.

"Carver", de Franklin Guerrero Jr.

2010-01-19T12:36:00.003+01:00

FICHA ARTÍSTICA:

Título Original: "Carver"/ Dirección y Guión: Franklin Guerrero, Jr/ Producción: L. Houghton y M. Wendling/ Fotografía: Ryan Bedell/ Música: Christian SzCzesniak/ Montaje: Franklin Guerrero Jr./ Efectos Especiales: Paul Goldblatt/ Reparto: Natasha Malinsky, Erik Fones, Matt Carmody, Neil Kubath, David G. Holland, Jonathan Rockett, Krystyn Green, Luke Vitale, Ursula Taherian, Savannah Costello, Leslie Ann Valenza, Kilby O'Rourke. USA. 2008. Color. 97'

No, no es ningún biopic sobre Raymond Carver, el célebre autor de relatos. Se trata, por el contrario, del enésimo producto con la etiqueta de "splatter" más "American Gothic" hasta la fecha. Éste, con unas considerables dosis de sangre y mala gaita, junto a unos esquemas, eso sí, tópicos al máximo. Esto es, como sabemos: meter en la coctelera "La matanza de Texas", "Cabin Fever", "Hostel", "Las colinas tienen ojos" y alguna más por el estilo, mezclar un rato y servir lo que sale, sin posteriores aderezos, ni mejoras. Tal cual.

Directamente catapultada al mercado videográfico, tal vez por tratarse de un filme demasiado extremo para las salas comerciales, la segunda película del tal Franklin Guerrero Jr. (no sabemos si Franklin Guerrero Senior estará muy orgulloso de él), nos narra la consabida inmersión de un grupo de jóvenes en los sombríos y altamente "nerds" parajes de la América Profunda, donde un pedazo de cafre de los de primera división, irá dando cuenta de ellos.

Encima, por lo visto, se trata de la adaptación al cine de un caso real. Claro que uno se pregunta, tratándose de un producto clónico con respecto a muchos otros, ¿qué es lo que distingue a éste del resto? En ese sentido, todos podrían pasar por casos reales. Escalofriantes, desde luego.

Pero si vamos a lo estrictamente cinematográfico, hay que decir que tanta brutalidad y sanguinolencia, no van para nada acompañadas de una dirección mínimamente inspirada. Guerrero se limita a narrar a piñón fijo todo el desfile de desmembramientos y truculencias varias, de un modo átono y sin ninguna "gracia". No ya porque la película carezca de humor propiamente dicho (si así fuera, tampoco pasaría nada) sino que, en este caso, la poca "gracia" alude a la nula capacidad para hilvanar una narración con ritmo o fluidez.

Ése es, no el único, pero sí el mayor lastre de "Carver". No tiene un tono documental, porque pretende transmitir cierta atmósfera, pero en cambio carece de la menor tensión narrativa o suspense. Como si el narrador (en este caso, quien dirige) utilizase todo el rato el mismo tono de voz al contar la historia. Tampoco el flojo nivel actoral ayuda mucho a que el filme suba la puntuación.

Ahora bien, como quien disfruta con este tipo de películas suele apreciar casi por encima de todo el nivel de brutalidad mostrado, al menos ahí habrá quien pueda encontrar motivos para la satisfacción. Porque, como ha quedado dicho, estamos ante uno de los "splatters" más decididamente brutos de los últimos años. Además, los efectos especiales están muy logrados. En ese aspecto se nota que la producción no es del todo pobre.

Hasta cierto punto, una lástima. Porque el individuo elegido como "nerd asesino" sí presentaba un buen (mal) aspecto, terroríficamente hablando. El personaje provoca bastante rechazo, aún sin maquillaje desfigurador, ni nada por el estilo. A lo mejor precisamente por eso, por resultar creíble como implacable monstruo de rasgos enteramente humanos.

Total: un splatter bastante bestia, pero terriblemente anodino.

"Detective Story", de Takashi Miike

2010-01-18T12:33:00.004+01:00

FICHA ARTÍSTICA:

Título Original: "Tantei Monogatari"/ Dirección: Takashi Miike/ Producción: Yoshihisa Yamamoto/ Guión: Tsutomu Shirado/ Fotografía: Kazunari Tanaka/ Música: Koji Endo/ Montaje: Yasushi Shimamura/ Efectos Visuales: Keiichiro Nishihata/ Reparto: Kai Ato, Tomoharu Hasegawa, Pako Ayashiya, Pe Hayashiya, Steven Haynes, Harumi Inoue, Izam, Nobuaki Kakuda, Toru Kazama, Akiko Kikuchi, Hisao Maki, Kurodo Maki, Kentaro Nakakura, Kazuka Nakayama, Asae Onishi. Japón. 2007. Color. 99'

Dado que Miike no deja de rodar ni que lo maten y que sus películas se multiplican por mucho año tras año, era de esperar que algún día volviese al género de terror, después del magnífico, inmejorable sabor de boca que nos dejó con la "malsanísima" y perturbadora "Audition".

De todos modos, hablar de géneros, si nos referimos a este cineasta, no deja de ser bastante delicado. La propia "Audition" ya pasaba por ser un amalgama de subgéneros y tonalidades, desde la comedia romántica o el drama costumbrista, hasta el terror o el gore más extremo.

En ese sentido, "Detective Story" también encaja en ese perfil heterodoxo y multidisciplinar.

De ese modo, lo que podría pasar por una especie de "Seven" a la japonesa, acaba siendo uno de los típicos híbridos de Miike, con abundancia de momentos cómicos y personajes y situaciones auténticamente marcianos, aún tratándose de una narración eminentemente de suspense y horror.

Para ello, el cineasta japonés se sirve de un esquema tan cercano al giallo de Argento, como a las más modernas tramas con "psychokiller" a la americana.

Así, un detective de poca monta investigará los asesinatos y posteriores evisceraciones (¡el "toque Miike", amigos!) de una serie de jóvenes, a manos de un misterioso y (obviamente) perturbado criminal. Con el añadido de que el propio detective se convertirá en uno de los principales sospechosos, en cuanto las evidencias se empiecen a acumular en su contra.

Como digo, los elementos de terror se mezclan con la comicidad más simplona, dando lugar a una película tan entretenida como, a la postre, bastante vulgar. Y es que ni como comedia, ni como filme de terror, ni como suma de ambas, termina de ser gran cosa. Estaríamos pues, ante un Miike menor. Seguramente más contenido y menos estrambótico que otras ocasiones, pero también menos inspirado y desde luego, mucho menos provocador. En ese sentido, otra de sus últimas películas, como es "God's Puzzle", todo y apartarse también del Miike más extremo, presentaba una factura muchísimo más consistente.

No obstante, "Detective Story" es una propuesta simpática, no del todo desdeñable. Tiene sus puntos de interés y sus pequeños hallazgos, como esa hilarante referencia/homenaje a Hannibal Lecter (un "Lecter" que también colabora con el investigador, pero que aquí es adicto a la comida del McDonald's).

Lo dicho, filme destinado a no ocupar un lugar preeminente dentro de la filmografía del director, pero con la socorrida etiqueta de "entretenida", que en un momento dado, puede ser suficiente para salvarle a uno la tarde. En cualquier caso, un entretenimiento "made in Miike", siempre es más que otros entretenimientos.

"Los Señores del Abismo", de Mary Ann Fisher

2010-01-17T13:24:00.004+01:00

FICHA ARTÍSTICA:

Título Original: "Lords of the Deep"/ Dirección: Mary Ann Fisher/ Producción: Roger Corman/ Guión: Howard R. Cohen y Daryl Haney/ Fotografía: Austin McKinney/ Música: Jim Berenholtz/ Montaje: Nina Gilberti/ Efectos Visuales: Robert Skotak/ Reparto: Bradford Dillman, Priscilla Barnes, Daryl Haney, Melody Ryane, Eb Lottimer, Gregory Sobeck, Richard Young, Stephen Davies, John Lafayette, Michael Adams, Karen Winograd. USA. 1989. Color. 78'

Como para llevar la contraria a la anterior película, hoy hablamos de "Los Señores del Abismo". Esta especie de réplica a lo cutre del "The Abyss" de Cameron con producción de Roger Corman.

Aquí también tenemos un (ejem) ambiente claustrofóbico, una serie de personajes ante un peligro que no terminan de comprender, etc.

Y bueno, del mismo modo que a partir de "Marabunta" decíamos que no cualquier cosa merece ser respetada en nombre de la Serie B, lo cierto es que en esta modestísima peliculita que apenas pasa de la hora y cuarto y que desde el principio hasta el final deja ver sus endebles costuras, sí estaríamos hablando de una Serie B de manual.

Seguramente más propia de los años sesenta que de finales de los ochenta, eso sí. Y es que la falta de medios es tan patente, que cualquier comparación con la de Cameron se antoja casi obscena. Pero bueno, al fin y al cabo, estamos en los terrenos de Corman. Y eso se ha de notar. Sólo que aquí se nota muchísimo. Está claro que nos hallamos fuera de la época dorada del productor modesto por excelencia.

En cualquier caso, la naturaleza casposa y rudimentaria del filme no tiene por qué estar reñida con el entretenimiento. Y aquí, como ocurre en estos casos, el entretenimiento está garantizado. Con personajes absolutamente planos y maniqueos, con situaciones que parecen directamente extraídas de otras películas (comandantes de la misión que se vuelven malos; personajes femeninos que adquieren mayor protagonismo...) y con un guión escrito en modo de escritura automática, para qué nos vamos a engañar.

Es la clase de películas que no se entenderían demasiado sin formar parte de las corrientes o modas efímeras que ponen en marcha las "hermanas mayores". Así, de la misma manera que a raíz de la primeriza trilogía de "Star Wars" o de la seminal (en cuanto a situar el terror en el ámbito espacial) "Alien" de Ridley Scott, surgieron toda clase de imitaciones y subproductos que iban de lo modesto a lo vergonzante, un buen día a alguien se le ocurrió situar esos ambientes claustrofóbicos y pseudoterroríficos en las profundidades marinas.

Y de ahí salieron cositas como "Leviathan", "Profundidad Seis", o "Los Señores del Abismo", que sin ser especialmente mejor o peor que las otras dos, por lo menos deja el regusto del pulp "casero" más entrañable. Algo es algo.

Aquí no hallaremos precursores efectos digitales que nos deslumbren (como en la de Cameron), o aliens aterradores y viscosos... pero sí unas curiosas criaturitas, especie de mantas raya con ojitos fosforescentes, que en un momento dado lo mismo pueden ejercer de amenazas temibles, como de inesperados aliados de la protagonista, al más puro estilo Flipper.

"Marabunta", de Jim Charleston y George Manasse

2010-01-16T12:41:00.004+01:00

FICHA ARTÍSTICA:

Título Original: "Legion of Fire: Killer Ants!"/ Dirección: J. Charleston y G. Manasse/ Producción: G. Manasse/ Guión: Linda Palmer y Wink Roberts/ Fotografía: Don E. FauntLeroy/ Música: Daniel Licht/ Montaje: Jim Cross/ Efectos especiales: Craig Weiss/ Reparto: Eric Lutes, Julia Campbell, Mitch Pileggi, Jeremy Foley, Bill Osborn, Dallen Gettling, Patrick Fugit, H.E.D. Redford, Rob Greyhill. USA. 1998. Color. 90'

Las películas "de bichos" parecen indefectiblemente asociadas a la Serie B. Sobretodo si hablamos de bichos pequeños, ya sea agigantados (como en las célebres pelis de CF de los años cincuenta) o bien atacando en masa, como en esta "Marabunta" que nos ocupa.

Del mismo modo, parece que, simplemente por el hecho de que una película sea adscrita a ese saco sin fondo llamado Serie B, haya que disculparle casi todo. Pues bien, en esta "Marabunta" que nos ocupa, no hay quien trague, francamente.

Y es que estamos ante un auténtico despropósito, por mucho que estemos hablando de un telefilme sin demasiadas pretensiones.

Los artífices de la película, es decir, los señores Manasse y Charleston por lo visto son un dúo de avezados creadores de productos televisivos, pero si películas como ésta son la mejor muestra de lo que son capaces, entonces diremos que son verdaderos especialistas en provocar la modorra vespertina que nos entra a todos después de comer ante la pequeña pantalla. Auténticos generadores de siestas.

El argumento es lo de menos, porque se supone que uno tampoco espera mayores novedades en esta trama de lugar que de repente aparece infestado por grandes batallones de hormigas carnívoras que irán acabando con todo lo que pillan a su paso, mientras entomólogos, policías, señoritas y niños que pasaban por allí, etc. salen corriendo tan rápido como pueden y/o tratan de hacerles frente.

Pero es que la película carece del más elemental sentido del suspense, del mismo modo que se muestra incapaz de mantener el interés, no digamos ya de suscitar la más mínima inquietud, o sensación de asco. Casi parece un filme infantil. Una ruina, en serio.

Entre el reparto encontramos a Mitch Pileggi, al que uno imagina mientras la rodaba echando de menos todos y cada uno de los episodios de "Expediente X", infinitamente más valiosos en todos los sentidos que este esperpento de hormigas informáticas.

En fin, si uno de repente se encuentra ante esta película en cualquier estantería o expositor de películas en DVD, lo más aconsejable es salir corriendo como si de verdad le persiguiesen cientos de insectos asesinos.

"Incubus", de John Hough

2010-01-15T12:09:00.008+01:00

FICHA ARTÍSTICA:

Título Original: The Incubus/ Dirección: John Hough/ Producción: M. Boyman y J.M. Eckert/ Guión: George Franklin, sobre una novela de Ray Russell/ Fotografía: Albert J. Dunk/ Música: Stanley Myers/ Montaje: George Appleby/ Maquillaje: Katherine Southern/ Efectos especiales: Colin Chilvers/ Intérpretes: John Cassavetes, John Ireland, Kerrie Keane, Helen Hughes, Erin Noble, Duncan McIntosh, Harvey Atkin, Harry Ditson, Mitch Martin, Matt Birman, Beverly Cooper, Brian Young/ Canadá. 1981. Color. 92'

En ocasiones son determinadas caras o presencias las que nos impulsan a ver una película. Incluso siendo del género que más nos gusta. Especialmente si dicho rostro pertenece a una personalidad tan acusada (en el más amplio y mejor de los sentidos) como la de John Cassavetes. Un Cassavetes que, dejando de lado su extraordinaria carrera como director, ya dejó su impronta imborrable en un filme tan mítico e influyente como "La semilla del diablo".

Por otro lado, como presunto atractivo, o punto de interés, en "Incubus" encontramos el nombre de John Hough. Un cineasta no demasiado pródigo ni brillante (todo sea dicho), pero que más o menos siempre ha permanecido fiel al género, siendo su obra más célebre "La leyenda de la Mansión del Infierno".

Así pues, ¿vale la pena sentarse a ver esta película esperando encontrar algo más o menos disfrutable? La respuesta es sí.

Para empezar porque, sin ser nada del otro jueves, sí nos ofrece una historia firmemente asentada en los esquemas del buen terror sobrenatural de los setenta y principios de los ochenta. Cuando el slasher aún no lo ocupaba casi todo y las tramas de índole diabólica todavía eran capaces de cristalizar en algo interesante.

Cassavetes interpreta a un médico viudo que vive con su hija adolescente en una pequeña población en la cual, de improviso, empiezan a sucederse extraños y brutales asesinatos. Al mismo tiempo, un joven (amigo de la chica), es víctima de perturbadoras pesadillas, aparentemente relacionadas con los crímenes. Hechos que irán aumentando en intensidad y virulencia, involucrando a toda una serie de personajes, la mayoría de los cuales (empezando por el propio protagonista) parecen esconder algún secreto.

En primer lugar es de agradecer que tras la trama de asesinatos misteriosos no se nos cuele la habitual explicación racionalista y despojada de artificios esotéricos. Por contra, Hough y el guión de George Franklin (adaptando una novela de Ray Russell, quien a su vez es autor de algunos guiones de la Hammer), en ningún momento abandonan la senda del terror más puro.

Es cierto que la naturaleza artificiosa del misterio acaba contribuyendo a que alguno de los personajes resulte poco creíble y hasta risible, en el empeño por aparentar ser sospechoso de algo.

De todas formas, obvio es, no estamos aquí para disfrutar con personajes magníficamente construidos, sino para pasarlo bien con una narración de terror aceptablemente intrigante, con sus momentos de impacto y que en ningún instante pierde gas. En ese sentido, Hough demuestra un oficio indudable.

El final de la peli podrá resultar más o menos impactante, llamar más o menos la atención, o funcionar mejor o peor a ojos del espectador. Pero el filme tiene la virtud de no supeditar toda su efectividad a dicho desenlace.

De este modo, sin romper esquemas ni poseer la suficiente entidad como para haberse convertido en uno de esos pequeños clásicos de la época, "Incubus" sí tiene todos los ingredientes para erigirse en un plato de gusto para cualquier aficionado a esta clase de propuestas. Funcional como un best seller, pero perfectamente digna. Posiblemente, la segunda mejor película de su director y a lo mejor, una pequeña sorpresa para algunos, porque lo cierto es que no se trata de un título demasiado famoso.

"La rebelión de las muertas", de León Klimovsky

2010-01-14T11:35:00.011+01:00

FICHA ARTÍSTICA:

Dirección: León Klimovsky/ Producción: Ricardo Muñoz Suay y J.A. Pérez Giner/ Guión: Paul Naschy/ Fotografía: Francisco Sánchez/ Música: Juan Carlos Calderón/ Montaje: Antonio Ramírez de Loaysa/ Maquillaje: Miguel Sesé/ Intérpretes: Paul Naschy, Romy, Mirta Miller, María Kosty, Vic Winner, Aurora de Alba, Luis Ciges, Pierre Besari, Antonio Pica, Elsa Zabala, Montserrat Julió, Fernando Sánchez Polack, Ramón Lillo, Norma Kastel, Ingrid Rabel/ España. 1973. Color. 85'

Vaya por delante que por esta película uno siente un cariño especial. Y por tanto, el componente sentimental difícilmente va a poder separarse de lo que es un comentario más o menos objetivo. Si a ello se añade la todavía reciente y dolorosa pérdida de nuestro gran Mito, puede entenderse un cierto nivel de visceralidad (que uno tiene su corazoncito, caramba).

Dicho lo cual, entrando directamente en harina y tras este sugerente título, hallamos una de las colaboraciones entre Paul Naschy y el director de origen argentino León Klimovsky. Colaboración que no llegó a ser tan afamada como la que dio como resultado "La noche de Walpurgis", pero que contiene todos y cada uno de los ingredientes como para que cualquiera que disfrutase con aquélla, pueda hacerlo con ésta sin ningún problema.

Como siempre ocurre, cuando en una película de Naschy es él mismo quien firma el guión, hay la garantía de una trama consistente. O cuanto menos, de una trama con "cara y ojos". A diferencia de otras muestras del fantaterror hispano en las cuales lo que primaba era la atmósfera, o más directamente el nivel de carnalidad femenina expuesto (caso de cineastas como Franco, Ossorio, Larraz, etc.) a Naschy, como infatigable devorador de literatura y cine que fue, realmente le interesaba contar historias. De ahí que, tanto en sus caracterizaciones de Waldemar Daninsky, como fuera de ellas, sus guiones mostraban un acabado lleno de amor por el género, con multitud de referencias literarias, así como a las clásicas aportaciones de otras latitudes y épocas, como la Universal americana o la Hammer británica.

Pero aquí se da la circunstancia de que ello entra en contacto con el particular estilo de Klimovsky a la hora de plasmar el género. De ahí que, al igual que sucediese en otras de las colaboraciones entre ambos, ("Dr. Jekyll y el hombre lobo", "El mariscal del infierno", etc.) el resultado sea una obra personal y reconocible, con elementos propios. Seguramente la más peculiar de todas ellas.

Además, en "La rebelión de las muertas" se da la circunstancia de que el argumento es lo suficientemente original como para alejarse de la clásica narración vampírica o licantrópica.

Aquí encontramos satanismo, zombies, vudú... todo ello mezclado con una ambientación típicamente de la época (años 70) en la cual se eligió Londres y sus aledaños como escenario principal. Algo que no es para nada casual y que obedece al carácter de la trama, centrada en las oscuras maquinaciones de un espíritu atormentado cuyas raíces se adentran en la etapa de la colonización británica en la India.

De este modo, Naschy interpreta a un gurú (de nuevo influencias del momento, pródigo en sectas y movimientos pseudo-religiosos, tan atractivos tanto para aristócratas aburridos como para hippies con ganas de experimentar) que atraerá a una infortunada joven al centro de una pesadilla con cadáveres que resucitan, un misterioso asesino que utiliza elementos de vudú en sus crímenes, ceremonias satánicas...

Lo cierto es que tal cantidad de ingredientes dan como resultado una obra ciertamente desigual, pero por lo demás muy sugerente. La caracterización de las zombies femeninas es típicamente "klimovskyiana", con primeros planos de los rostros que buscan (y consiguen) sobrecoger, y una manera de retratar algunas secuencias, especialmente las que tienen lugar en la morgue o durante la misa negra soñada, de una excelente atmósfera pesadillesca, con gran aprovechamiento de la ralentización en la cámara, filtros de color y demás efectos que ya dieran fama a "La noche de Walpurgis".

Igualmente, los asesinatos perpetrados por el misterioso personaje vestido de negro que en cada ocasión se dota de una máscara distinta, ofrecen un indudable regusto de "giallo" italiano, tan en boga en la época.

Es posible que la segunda mitad del filme pierda algo de intensidad, al centrarse más en la trama intrigante que en la extraña amalgama de momentos terroríficos. No obstante, en la memoria del espectador quedará ese inicio con la pareja de vigilantes en el cementerio, la perturbadora autoinmolación del personaje interpretado por Luis Ciges, las potentes y alucinógenas visiones de la protagonista (interpretada, por cierto, por una anodina actriz melillense llamada simplemente Rommy)...

Es fácil encontrar en "La rebelión de las muertas" algunos defectos, especialmente en el aspecto interpretativo (hay secundarios de un nivel bastante ínfimo, como el criado negro de Naschy, o el propio galán interpretado por Vic Winner) así como secuencias que no terminan de funcionar, mezclando absurdamente terror y romance. Asimismo, la utilización de una banda sonora llena de influencias "jazzy", "lounge" y hasta "discotequeras" resulta harto curiosa. En algún caso, puede llegar incluso a molestar, aunque una vez vista la peli numerosas veces, casi se ve como un factor que le da a ésta mayor personalidad.

Y es que la naturaleza original, híbrida y singular de la historia, así como los hallazgos puntuales del filme, son suficientes como para que éste contenga un innegable interés para los seguidores del fantaterror hispano en general y la carrera de Naschy en particular. Es más, diría que se trata de un título a reivindicar. Un Naschy que, por cierto, aquí se reserva más de un papel, en otro de sus ejercicios de versatilidad.

"X Cross", de Kenta Fukasaku

2010-01-13T12:22:00.003+01:00

FICHA ARTÍSTICA:

Título Original: "XX (Ekusu Kurosu): Makyo Densetsu"/ Dirección: Kenta Fukasaku/ Producción: Masatake Kondo/ Guión: Nobuyuji Joko, sobre la novela de Tetsuya Oishi/ Fotografía: Takashi Komatsu/ Música: Yoshihiro Ike/ Montaje: Chieko Suzaki/ Diseño de Producción: Tomoharu Nakamae/ Reparto: Nao Matsushita, Ami Suzuki, Hiroyuki Ikeuchi, Ayuko Iwane, Nozomu Iwao, Kyoji Kamui, Rikiya Koyama, Yoshiyuki Morishita, Shoko Nagakawa/ Japón. 2007. Color. 90'

Que hoy en día todo está globalizado, es una obviedad. Y si hablamos de los últimos años y del cine de terror, pocas sorpresas parecen aguardarnos. La última, posiblemente, fue el "descubrimiento" del género al modo en que lo tratan los asiáticos, a raíz de "Ringu".

Pero del mismo modo que esa clase de historias pueden haber servido de modelo para las industrias de otros países, lo mismo ha sucedido a la inversa. Es decir, también los orientales han introducido en su forma de hacer cine de terror las influencias de otros lugares, en especial americanas.

"X Cross" es una de esas muestras, muy reciente. Una película que, a pesar de presentar un punto de partida basado en las leyendas urbanas (en este caso más bien rurales) que van pasando de boca en boca y que tantas veces han servido como disculpa para los argumentos del terror asiático, lo cierto es que se desarrolla con un ritmo totalmente influido por los yanquis.

Así, las dos amigas que llegan a un aislado lugar para disfrutar (pobres incautas) de sus medicinales aguas termales, van a tener más bien poco descanso. Todo lo contrario. Se pasarán la película corriendo y escapando de los mitos vivientes locales, en forma de furibunda prole masculina que se dedica a cortar las piernas de las mujeres. Total, que las dos protagonistas tienen muy mala pata (risas).

Independientemente de la calidad del filme, que es más bien limitada, lo que nos ofrece "X Cross" y su director, el tal Kenta Fukasaku (conocido sobretodo por la prescindible secuela de "Battle Royale"), es una narración que tan sólo vemos que es oriental (japonesa, concretamente), por las características físicas de los personajes. Y es que, en todo lo demás, podría pasar perfectamente por cualquier americanada adolescente del montón.

Con toques de comedia, mucha acción, demasiada oscuridad en el ambiente (uno se llega a cansar de tanta carrerita nocturna y de tanto móvil que no para de sonarles a los personajes y que no les sirve para nada) en esta muestra más bien poco inspirada de horror juvenil tan sólo destinado a paladares escasamente exigentes.

Mucho más cercana a "Llamada perdida" que a "Dos hermanas", en definitiva.

"Corazones solitarios", de Todd Robinson

2010-01-12T12:56:00.008+01:00

FICHA ARTÍSTICA:

Título Original: "Lonely Hearts"/ Dirección: Todd Robinson / Producción: Boaz Davidson y Holly Wiersma / Guión: Todd Robinson / Fotografía: Peter Levy / Música: Michael Danna / Montaje: Kathryn Himoff / Efectos especiales: Robert Vázquez / Maquillaje: Diane Maurno / Intérpretes: John Travolta, James Gandolfini, Jared Leto, Salma Hayek, Scott Caan, Laura Dern, Michael Gaston, Dan Byrd, Bruce McVittie, Alice Krige, Ellen Travolta, Sam Travolta/ USA. 2006. Color. 108'

He aquí una de esas películas a las que les va a la perfección el adjetivo “irregular”.

El punto de partida no puede ser más atractivo: se trata de la historia (real) de una pareja de asesinos en serie que se dedican a robar y a matar con terrible frialdad a incautas millonarias utilizando las secciones de contactos personales de periódicos y revistas, al mismo tiempo que se nos describe la investigación llevada a cabo por los dos policías encargados del asunto y el modo en que, especialmente para uno de ellos, el caso se convierte en algo muy personal.

Hasta aquí nada demasiado nuevo. Pero más que la novedad, el filme busca rescatar el género negro hardboiled de los años 40, por medio de un estilo seco y sin escatimar truculencias visuales, poniéndolo en contacto con el "horror" más puro. En ese sentido, a Robinson no le tiembla el pulso, lo cual siempre es de agradecer.

De hecho, es tan férrea la naturaleza de la propuesta, que a la postre es eso lo que primero chirría a ojos del espectador. Y me explicaré: la ambientación está tan descaradamente acentuada que se revela terriblemente artificiosa. Esto lo podemos captar en una sobreabundancia de primeros planos, por ejemplo, como si se buscase recalcar innecesariamente el esfuerzo por captar aquel ambiente.

Por otro lado, los dos actores principales (Travolta y Gandolfini) se puede decir que prácticamente imitan, más que recrean, a los intérpretes de la época en que se sitúa la acción. No resultan para nada naturales. Es como si forzasen continuamente el gesto y la expresión, “jugando” a ser James Cagney o Broderick Crawford, por citar dos intérpretes caracterizados por su presencia en pantalla.

Curiosamente, es algo que contrasta frontalmente con el trabajo realizado por los dos actores que interpretan a la pareja de criminales: Salma Hayek y Jared Leto, que sin perder de vista la naturaleza de sus personajes, sí resultan mucho más genuinos. En especial, me quedo con la creación de Hayek, en su interpretación llena de turbiedad y magnetismo.

Pero si el personaje de Hayek destaca en lo positivo, el de Travolta lo hace por todo lo contrario. Es el suyo un personaje-pegote, con una historia personal detrás que apenas interesa al espectador. Ni su relación con el hijo adolescente, ni la que tiene con el personaje de Laura Dern (personaje a su vez casi ofensivo por su intrascendencia, para una actriz de su categoría). Todo ello con el único propósito de mostrar una serie de motivaciones y de dudas que doten de “chicha” y de humanidad a dicho personaje, pero que se diría planteadas por un guionista de tercera categoría, o cuanto menos, de telefilme barato. Lo cual resulta muy grave, puesto que se trata del protagonista.

Y también porque, de hecho, es el detalle que separa a la película de Robinson de los anteriores acercamientos a esta misma historia, en los cuales se otorgaba todo el protagonismo a la pareja de asesinos ("Los asesinos de la luna de miel" y "Profundo carmesí"). Es decir: lo que podía resultar la novedad más interesante, se convierte en el principal lastre de esta versión.

Afortunadamente, no todo en la película resulta fallido. El ritmo es adecuado, algún momento de indudable potencia visual y el propio interés de la trama en sí, hacen que el filme no naufrague, pese a no remontar el vuelo más allá de la mera corrección.

"El Exorcismo de Emily Rose", de Scott Derrickson

2010-01-11T13:05:00.004+01:00

FICHA ARTÍSTICA:

Título Original: "The Exorcism of Emily Rose"/ Director: Scott Derrickson / Producción: Paul Harris Boardman, Beau Flynn, Gary Lucchesi, Tom Rosenberg y Tripp Vinson/ Guión: Paul Harris Boardman y Scott Derrickson / Fotografía: Tom Stern / Música: Christopher Young / Montaje: Jeff Betancourt / Diseño de producción: David Brisbin / Dirección artística: Sandi Tanaka / Maquillaje: Gitte Axen / Efectos especiales: Keith VanderLaan / Reparto: Laura Linney, Tom Wilkinson, Jennifer Carpenter, Campbell Scott, Colm Feore, Joshua Close, Kenneth Welsh, Duncan Fraser, JR Bourne, Mary Beth Hurt, Henry Czerny/ USA. 2005. Color. 108'

En el cine de terror cohabitan toda una serie de subgéneros y de temas recurrentes, al igual que en cualquier otro género cinematográfico. De modo que el espectador más o menos avezado suele sentarse en la butaca casi siempre sabiendo de entrada si está a punto de disfrutar con “una de fantasmas”, “una de zombies”, “una de vampiros”, etc. Sin embargo, a veces ocurre, como en el caso de la película que nos ocupa, que las cosas no están tan claras. No tanto por la certeza de que el film es “una de posesiones diabólicas”, algo que ya queda muy claro desde el mismo título, como por la circunstancia de que Scott Derrickson nos propone un, a priori, extraño aunque atrayente híbrido entre historia de terror y drama judicial. Y eso ya no es algo tan habitual.

Además, la película parte con dos puntos de dificultad añadida. El primero, el que todos tenemos en mente: la existencia como precedente de otro film mítico, que forma parte de la historia del género y del cine en general: "El Exorcista"; y por tanto, de buenas a primeras, las comparaciones, aunque odiosas, van a ser inevitables. La de Friedkin siempre ha sido y será el referente, a pesar de todas las secuelas e imitaciones que arrastró y arrastrará.

El segundo de los dos aspectos que en principio añaden lastre al film desde su inicio es saber que está inspirado en un hecho real. Algo que casi siempre provoca que el espectador se muestre más exigente con la verosimilitud de la obra que se dispone a ver.

Pues bien, "El exorcismo de Emily Rose" sale victoriosa de esas dos circunstancias adversas. Por un lado, el hecho apuntado anteriormente de la existencia de una subtrama judicial hace que la película se distancie de la estructura de la de William Friedkin. Pero no sólo por eso, sino también porque aspectos tan básicos como que la posesión que se nos narra y la subsiguiente ceremonia de exorcismo están diseñados desmarcándose suficientemente de aquella inolvidable batalla sin cuartel entre el demonio Pazuzu y el padre Merrin de 1973. Aquí tenemos un escenario distinto, un ritual más sesgado y corto, menos efectos llamativos (aunque los que hay, sobrecogen) y, en definitiva, una voluntariedad patente por huir de los tics que permanecen en la memoria de todos los que amamos la obra maestra de 1973.

Eso no quiere decir que "El exorcismo de Emily Rose" carezca de momentos impactantes, porque no es así. Quien busque ante todo agarrarse con fuerza al asiento y que se le erice el vello del cogote no va a salir decepcionado. En cuanto a la verosimilitud requerida para una historia que se anuncia basada en un caso real, tampoco puede decirse que Derrickson no se haya salido con la suya. Y ahí es donde brilla con luz propia la presencia de dos buenísimos actores, para reforzar ese aspecto: Laura Linney y Tom Wilkinson. Dos intérpretes fiables en grado máximo.

Ellos dos se nos muestran como las mayores bazas a la hora de otorgar credibilidad y empaque dramático a la historia, no tanto un casi irreconocible Campbell Scott con canas y bigote que no consigue sacarle todo el partido a su personaje de fiscal antipático y odioso para el público.

Por lo demás, me gustaría señalar el rigor de Derrickson a la hora de presentarnos la trama de una forma amena y compensada, a base de pasajes narrados en presente y otros en necesarios flashbacks, pero sin confundir ni distraer en ningún momento la atención del espectador. Asimismo, también cabe destacar el equilibrio entre los momentos de terror propiamente dichos y los más dramáticos e introspectivos, especialmente por parte del personaje de la abogada. Y es que es éste uno de los empeños que seguramente más problemas le debieron dar al director: el ser capaz de conseguir una obra que no cojease ni dejase descontentos ni a los que buscan la evasión pura y dura del género fantástico por un lado, ni a los más exigentes con la fuerza de los personajes y sus diatribas emocionales por el otro.

Un film que asusta, que incluso llega a emocionar tal vez más de lo habitual en este tipo de historias, pero sobre todo: que inquieta. Y creo que ésa es la sensación que más se deja sentir en el ánimo del espectador al finalizar su visionado: la inquietud.

En ese sentido, creo que Derrickson puede darse por satisfecho. Este director, del que apenas conocíamos su trabajo como responsable de una de las numerosas secuelas de "Hellraiser" y su participación en el guión de la perfectamente olvidable "Leyenda urbana 2" consigue aquí redondear un film más efectivo que efectista. Luego ya vendría la muchísimo más endeble "The Day the Earth Stood Still". Y habrá que esperar para ver de lo que ha sido capaz con la ambiciosa adaptación del "Hyperion" de Dan Simmons.

"Cuando llama un extraño", de Simon West

2010-01-10T13:25:00.005+01:00

FICHA ARTÍSTICA:

Título Original: "When a Stranger Calls"/ Director: Simon West / Productores: Paddy Cullen, John Davis, Wyck Godfrey y Ken Lemberger/ Guión: Jake Wade Wall / Fotografía: Peter Menzies Jr. / Música: James Michael Dooley / Montaje: Jeff Betancourt / Diseño de Producción: Jon Gary Steele / Efectos Especiales: Garth Steinheimer/ Reparto: Camilla Belle, Tommy Flannagan, Katie Cassidy, Tessa Thompson, Brian Geraghty, Clark Gregg, Derek De Lint, Kate Jennings Grant, David Denman, Lance Henriksen/ USA. 2006. Color. 87'

Directamente de la "churrería" hollywoodiense: otro remake. A veces uno no lo puede evitar y tiende a ser optimista y positivo, esperando ver si por casualidad "esta vez sí" ha salido algo aprovechable de una vieja idea. Entonces se les echa un vistazo a los artífices del filme en cuestión, a ver si hay motivo más o menos fundado para la esperanza. En el caso de "Cuando llama un extraño", nos encontramos a Simon West como responsable. ¿Qué nos dice este nombre? En principio nos viene a la cabeza aquella película con John Travolta y Madeleine Stowe, llamada "La hija del General". ¡Ah, pues no estaba mal del todo! Sin ser una gran obra, sí se trataba de un filme entretenido y más que correcto, dentro de la comercialidad más estricta. ¿Qué más tenemos? ¡Ups! "Con Air" y "Lara Croft: Tomb Rider". Ahí ya hemos de torcer el gesto: cine de indudable gancho comercial, pero sin un ápice de garra, ni personalidad. En fin, vamos a dejarlo en suspenso por ahora, le daremos un margen de confianza.

Lo que sabemos del filme objeto de remake es que se trata de una de aquellas películas pequeñas, que abundaban a finales de los 70 y principios de los 80, surgidas a raíz del éxito de las primeras obras de Wes Craven, John Carpenter, etc. Los llamados slashers, para entendernos. En este caso, no era un filme especialmente destacado, ni que haya dejado una huella imborrable entre los aficionados al género, pero sí gozaba de un cierto prestigio a un nivel modesto.

¿Qué encontramos en este remake? En primer término, una secuencia con cierto interés, generada a base de travellings y planos amplios, nos pone la miel en los labios. Parece que la cosa empieza bien. Se diría que se trata de un pequeño homenaje al filme original, por el modo en el que dicha secuencia está planteada. Al mismo tiempo, West consigue situarnos en el tipo de escenarios en los que se va a desarrollar la película. O eso parece. Lamentablemente, no va a ser así. El arranque no es más que un espejismo, como comprobaremos un rato después.

Enseguida se nos presenta a la protagonista. La típica jovencita estadounidense, alumna de instituto de quince años, interpretada por una chica de más de veinte. Nada nuevo bajo el sol.

A partir de ahí, el filme discurre por los previsibles cauces de este tipo de historias. Pero ya hay algo que nos pone la mosca detrás de la oreja. Presumiblemente la joven va a ser asediada y perseguida en una casa que casi parece una atracción de feria para dar miedo, por la cantidad de habitaciones, pasillos, rincones, oscuridades un poquito demasiado tópico, todo ello. ¿He dicho "tópico"? Bien, he ahí la palabra clave para resumir este comentario. No se puede decir que West se ande con sutilezas, ni que se lo haya puesto nada difícil a sí mismo, a la hora de crear un ambiente propicio para los recursos más típicos del género.

En realidad, la película casi se diría que es una tesis ilustrada de las situaciones más manidas que se puedan imaginar, dentro de un slasher. Por citar algunas de ellas: una utilización del sonido caprichosa y llena de trampas, con pajaritos que surgen de repente en el momento menos pensado y hacen más ruido que una excavadora; un gato que únicamente aparece en dos ocasiones: la primera, para presentarse, y la segunda, por supuesto, para darle un susto de muerte a la pobre chica. Lógicamente, si el pajarito parecía una excavadora, las patitas del gato alcanzan un nivel sónico que ni los jumbos de la TWA. Ni qué decir tiene que el minino no vuelve a asomar las orejas en todo el resto de la película, ¿para qué? Así seguiría todo el catálogo de tópicos, que ya nos contaba aquel personaje de Scream, a modo de parodia, pero como todo el mundo los conoce, prescindiremos de ello. Parece que, definitivamente, la cosa se tuerce.

Pero es que por lo demás, el desarrollo de la trama tampoco puede ser más previsible. Y aún así, tratándose de un guión simple y sin recovecos, West incurre en un cierto número de incongruencias, a saber: ¿a quién está persiguiendo realmente el asesino?, ¿a la chica, o a los niños? Al final de la película no nos queda nada claro. Pero no es la única cuestión de ese estilo. En una historia como ésta, donde el teléfono es casi un personaje más, ¿por qué no se nos muestra desde el principio si el aparato que maneja la protagonista tiene localizador de llamada, o no?, ¿por qué la alarma de la casa funciona tan a su antojo? Es sabido que estas películas requieren de una complicidad por parte del espectador, en el sentido de no buscarle más pies al gato de los que corresponde, pero si tenemos en cuenta que el director no nos está ofreciendo mucho más que una dirección extremadamente plana, sin nada destacable, una utilización del espacio y del escenario rutinaria a más no poder, con situaciones tramposas y previsibles, etc., pues no podemos evitar mostrarnos un poco más exigentes y hasta algo indignados. ¿No será que nos estamos tragando un "bodriete" con todas las de la ley? Pues va a ser que sí.

No se puede decir casi nada positivo de esta nueva versión de "Llama un extraño". Un remake debe ofrecer algo más. O cuanto menos, alcanzar el nivel del original. De lo contrario, no vale para nada. Especialmente cuando se trata de readaptar una historia que ya de por sí no daba para mucho, que en su momento no pasaba de ser "una de tantas". En un caso así, el remake, por encima de si está más o menos conseguido, se hace sobre todo innecesario. Por eso hay tan poquitos que sean realmente satisfactorios.

"Aragami", de Ryuhei Kitamura

2010-01-09T12:57:00.004+01:00

FICHA ARTÍSTICA:

Título original: "Aragami"/ Dirección: Ryuhei Kitamura/ Guión: S. Masumoto, R. Takatsu y R. Kitamura/ Fotografía: Takumi Furuya/ Montaje: Shuichi Kakesu/ Música: Nobuhiko Murino/ Diseño de Producción: N. Ataka y Y. Hayashida/ Efectos Especiales: Tanaka Atshiko/ Reparto: Takao Osawa, Masaya Kato, Kanae Uotani, Tak Sakaguchi, Hideo Sakaki. Japón. 2003. Color. 78'

He aquí la película que puso a Kitamura en el mapa. Después ya vendrían "Azumi", "Sky High" y la aventura americana de la adaptación de "El tren de la carne de medianoche". En todo caso, se trata de un cineasta con cierto bagaje, con bastantes películas que abarcan poco más de una década. No estaríamos hablando de alguien tan prolífico como Takashi Miike (es dudoso que exista) pero sí parece llevar un buen ritmo creativo.

"Aragami" es una de esas obras que uno de vez en cuando agradece encontrarse, por lo rupturista (siempre hasta cierto punto) y porque siempre es agradable que se abran nuevas vías dentro del cine fantástico.

Aunque realmente, lo que Kitamura nos propone aquí es casi un puente entre el cine más contemplativo y calmado de sus maestros nipones (de nuevo, hasta cierto punto) y la más rabiosa actualidad del género.

De este modo, la película se abre con dos samurais que, bajo un tremendo diluvio, llegan (uno herido de muerte) a un misterioso lugar (mitad refugio, mitad templo) que en cierto modo podría equipararse a "la puerta" de "Rashomon", por lo que tiene de limbo o espacio de transición en el que los personajes buscan refugio, pero que a la vez esconde secretos.

En este caso, el secreto es evidente. Y es que desde el primer momento queda claro que el propietario del lugar no es trigo limpio. Pero eso, a pesar de sospecharlo desde el principio, lo iremos descubriendo y reafirmando poco a poco, a medida que avance esa noche lluviosa y desapacible, con los dos personajes principales y prácticamente únicos (el samurai superviviente y el anfitrión misterioso) que se pasarán gran parte del filme bebiendo vino francés y dialogando sobre lo humano y lo divino. O mejor dicho, sobre lo humano y lo infernal.

El ritmo del filme es pausado y, ni que decir tiene, la mayor pretensión de Kitamura es la de impregnar la narración de cierta tensión, con una factura netamente teatral, hasta desembocar en un desenlace que estalla en forma de violenta y estilizada lucha, evidenciando el carácter eminentemente actual de la propuesta. Algo a lo que también contribuye una banda sonora compuesta básicamente por sintetizadores, que choca de lleno con el ambiente y el escenario.

"Aragami" es una película de contrastes, sin duda valiente y que, a pesar de que no termina de alcanzar un nivel excesivamente alto, por lo previsible que resulta y (tal vez) por su autoconsciente artificiosidad , sí triunfa en el aspecto de que su concepción es capaz de suscitar el interés de un espectador encantado de entrar en el juego. Una hora y cuarto bien aprovechada.

"Halloween II", de Rob Zombie

2010-01-08T13:03:00.003+01:00

FICHA ARTÍSTICA:

Título original: "Halloween II"/ Dirección y Guión: Rob Zombie/ Fotografía: Brandon Trost/ Montaje: Glenn Garland y Joel T. Pashby/ Música: Tyler Bates/ Diseño de Producción: Garreth Stover/ Efectos Especiales: Robert Vazquez/ Reparto: Sheri Moon Zombie, Chase Wright-Vanek, Scout Taylor-Compton, Brad Dourif, Malcolm McDowell, Tyler Mane, Dayton Callie, Richard Brake, Octavia Spencer, Danielle Harris, Richard Riehle, Margot Kidder, Mary Birdsong, Brea Grant, Howard Hesseman, Angela Trimbur. USA. 2009. Color. 119'

Pues nada, Rob Zombie sigue jugando a ser director de cine y no ha tardado nada en "regalarnos" la primera secuela de su particular versión del clásico de John Carpenter.

¿Ha valido la pena la espera? Pues teniendo en cuenta lo poco que hemos tenido que esperar... digamos que podría haber sido peor. O mejor. En realidad, es difícil adivinar hasta qué punto lo que hemos visto ya de este rockero metido a director es lo mejor que nos puede ofrecer, o si acaso en el futuro nos deparará alguna que otra sorpresa agradable. Más aún, alguna sorpresa, a secas.

Ciñéndonos a "Halloween II" de nuevo tenemos a Michael Myers, que no es el mismo que hizo las de la saga Austin Powers (qué gran humorista, ese Al Jankovic), celebrando la noche de Halloween como sólo él sabe hacerlo. Y esta vez va acompañado: de sus propios fantasmas (su mamá y él mismo de pequeñín). Hasta aquí la mayor (y prácticamente única) novedad que nos ofrece el Sr. Zombie.

De nuevo una intencional y cuidada selección musical para acompañar las imágenes, mayores ocasiones para el lucimiento del desbocadísimo Sam (Malcolm McDowell) Loomis que en el filme pretérito, planos de estética videoclipera-tenebrista a tutiplén y el mismo empecinamiento por parte del director en convertir cada pequeña secuencia en un episodio tenso. Por lo visto, este señor desconoce conceptos como pausas narrativas, secuencias de transición, etc. Lo cual hace que seguramente quienes tienen tendencia a la dispersión mental no pierdan comba, pero quienes preferimos una narración más rítmica, menos atropellada y mejor construida, acabemos algo hartos.

Por lo demás, se agradece la brutalidad que muestra Myers (ahí sí que no hay pero que valga) y lo bien que está Brad Dourif en su papel de sheriff (lo mejor de la peli, con notable diferencia). Del mismo modo, el clímax final en la cabaña también nos ofrece un momento de calidad notable (caballitos blancos, aparte).

En realidad, pocos defectos auténticamente clamorosos pueden ponérsele a la peli, especialmente en el aspecto visual. Lo mismo que el hecho de que Zombie haya intentado crear su propia secuela, sin limitarse a fotocopiar la, por otra parte no desdeñable, segunda parte que hiciese en su día Rick Rosenthal, (tras el inicio en el hospital, que sí es claramente un guiño a aquélla). Si a ello sumamos cameos más o menos chisposos como los de Margot Kidder (menuda psiquiatra más poco fiable) o Danielle Harris (vieja conocida de la saga primeriza), pues el resultado final se puede calificar como aceptable.

Eso sí, mucho mejor sabor de boca nos quedará si no tenemos en cuenta a una protagonista femenina tan anodina e incluso abofeteable como Scoutt Taylor-Compton (¿entramos en comparaciones con Jamie Lee? Naaaaaaá) y en general todo lo que rodea al personaje de Loomis, tirando a patético.

En fin, personalmente creo que Rob Zombie, como "trasladador oficial" del slasher ochentero al siglo XXI ya ha dado de sí todo lo que podía dar. Como decía al principio, ya sólo queda por ver si toooooodas esas influencias que ha quedado clarísimo que tiene (ya desde "La casa de los 1000 cadáveres") son algo más que eso y pueden llegar a cristalizar en un universo cinematográfico mínimamente propio.

"El Padrastro", de Joseph Ruben

2010-01-07T14:18:00.004+01:00

FICHA ARTÍSTICA:

Título original: "The Stepfather"/ Director: Joseph Ruben/ Producción: Jay Benson/ Guión: C. Lefcourt, B. Garfield y D. Westlake/ Fotografía: John Lindley/ Montaje: George Bowers/ Música: Patrick Moraz/ Diseño de Producción: James William Newport/ Efectos Especiales: William H. Orr/ Reparto: Terry O'Quinn, Jill Schoelen, Shelley Hack, Charles Lanyer, Stephen Shellen, Stephen E. Miller, Robyn Stevan, Jeff Schultz, Lindsay Bourne, Anna Hagan, Gillian Barber. USA-Reino Unido. 1987. Color. 85'

La figura del psicópata o asesino en serie ha evolucionado con los tiempos, qué duda cabe. Así, desde unas primeras semblanzas en las cuales nos los "pintaban" como individuos completamente alejados de la sociedad, auténticos "freaks" de la peor especie (procedentes en su mayoría del ámbito del American Gothic), hubo un momento en que a alguien (no sé a quién, aunque posiblemente novelas como "American Psycho" tuvieran mucho que ven en ello) se le ocurrió la idea de que dichos personajes podrían dar mucho de sí si se les integraba de lleno en el ámbito social e incluso familiar.

De ese modo, películas como "Atracción fatal", "Bésame antes de morir" o "La mano que mece la cuna", ya nos presentaban a psicópatas que podían pasar en un momento dado como personas perfectamente normales, hasta que un detonante determinado les hacía mostrar su verdadero yo monstruoso. Todas ellas son películas que surgieron desde finales de los ochenta y que a lo largo de los noventa casi caracterizaron a dicha tipología de personajes.

Obligado es, no obstante, hacer alusión como referencia mucho más lejana en el tiempo al personaje de Joseph Cotten en "La sombra de una duda" del Maestro Hitchcock, quien sí merecería el galardón de precursor absoluto de esta clase de situaciones y tratamientos.

"El Padrastro" entra de lleno en esos esquemas, naturalmente. Un padre de familia perfectamente normal. Atento, cariñoso, humano... al que vemos desde un buen inicio de lo mucho (y malo) que es capaz. Ese inicio en el que el personaje se nos presenta en plena "fechoría" es inteligente, porque nos enseña hasta qué punto corren peligro sus potenciales víctimas.

Joseph Ruben es un cineasta modesto, que no ha llegado a demostrar nunca ser capaz de grandes cosas, pero que posee un puñado de filmes comerciales y de cierto gancho, como "Sólo ante la ley", "Durmiendo con su enemigo", "El buen hijo"... (las dos últimas podrían emparentarse perfectamente con la que nos ocupa) o la más primeriza y fantasiosa "Dreamscape".

Además, en el guión de "El padrastro" encontramos un nombre tan destacado y a tener en cuenta como el del gran novelista Donald Westlake.

Del mismo modo, el personaje principal está interpretado por un actor tan de rabiosa actualidad en la pequeña pantalla como Terry O'Quinn. Y aquí, todo hay que decirlo, compone a un psicópata perfectamente creíble.

A pesar de que la dirección de Ruben es bastante plana y de una factura casi telefílmica (de hecho, numerosos telefilmes han imitado en los últimos años este tipo de historias), la película se deja ver con agrado. No es pródiga en sanguinolencia, pero sí es hábil narrativamente. En una palabra: funciona. Hasta tal punto funciona, que tuvo dos secuelas y un recientísimo remake.

"Anticristo", de Lars Von Trier

2010-01-06T13:21:00.005+01:00

FICHA ARTÍSTICA:

Título original: "Antichrist"/ Dirección y Guión: Lars Von Trier/ Producción: Meta Louise Fondager/ Fotografía: Anthony Dod Mantle/ Montaje: Anders Refn y Asa Mossberg/ Diseño de Producción: Karl Juliussun/ Efectos Especiales: Erik Zumkley/ Reparto: Willem Dafoe y Charlotte Gainsbourg. Dinamarca-Francia-Alemania-Italia-Polonia. 2009. Color. 104'

Cambiamos "ligerísimamente" de tercio con respecto a la película anterior, para reseñar la última creación del estiloso Lars Von Trier. Un Von Trier que esta vez ha querido acercarse al cine de terror (bueno, al menos, es lo que se supone) en esta película protagonizada por dos enormes, magníficos actores, como son Charlotte Gainsbourg y Willem Dafoe.

Tras un prólogo bonito, sugerente, atractivo (tanto como pueda serlo un anuncio de seguros para el hogar) en blanco y negro, dará comienzo el... ¿drama?... de una pareja que ha perdido a su hijo de forma trágica mientras ambos le daban al tema. A partir de ahí, se desatará toda la colección de reproches hablados y silenciosos, culpabilidades y demás asuntos de índole psico-patológica freudiana que Von Trier nos muestra con imágenes y secuencias llenas de (presunta) tensión y (nada presunto) mal rollo en escenarios y ambientes pretendidamente opresivos y ominosos.

Bueno, hasta aquí el planteamiento de la cuestión. Nada que objetar. Un punto de vista "bergmaniano", con muchos silencios, algún que otro diálogo, arrebatos repentinos de violencia física y dialéctica, etc. Mientras la narración ¿avanza? en una ¿progresión? que enturbiará hasta pudrir por completo la relación de marido y mujer. Ella tomándoselo todo por la tremenda y él (en su condición de terapeuta) tratando de racionalizar.

A partir de un cierto momento, da la sensación de que Von Trier no sabe muy bien cómo dotar de calidad artística una propuesta visualmente correcta y hasta atractiva, pero tras la que esconde una tesis tremendamente simplona y hueca: la culpa, el pecado... ¡¡Ajajá!! ¡¡He aquí al Anticristo!!

Y como no sabe, su única solución es introducir momentos desagradables, perturbadores, que afecten a un espectador que lleva media hora larga diciéndose "vale sí, ¿y qué?".

Hombre, yo no digo que "Anticristo" no pueda ser una propuesta aceptable para un cineasta-autor de los de antes, de los que arrastraba a las salas de "arte y ensayo" a los gafapasta de aquel momento perfectamente oportunos y hasta necesarios, en unos momentos en que el cine estaba muy estancado. Movimientos como la Nouvelle Vaugue o el Free Cinema, cineastas como Bergman, Antonioni, Fellini, Passolini, etc. etc. (incluso en España hubo jóvenes cineastas inconformistas que siguieron esos caminos con la Escuela de Barcelona y otros).

Pero es que en pleno siglo XXI, después de que el propio Von Trier abanderase un movimiento de renovación ya tardío y perfectamente inútil como el Dogma (curiosamente la mejor película que dio dicho movimiento ni siquiera era suya, sino de otro danés llamado Thomas Vinterberg y se llamaba "Celebración") se nos desmarque ahora con esta absoluta nadería con un trasfondo tan ingenuo como facilón... pues no cuela. No cuela, pero no porque no hagan falta talentos con universos propios y que hagan evolucionar el arte (eso jamás sobra), sino porque el nivel de riesgo y el resultado en relación a dicho riesgo que nos muestra aquí el danés es ridículo.

Es innegable que el hombre intenta hacer cosas. En ese sentido, alguno de sus experimentos, como "Dogville" (donde por primera y casi única vez ha sido capaz de aunar forma y fondo) y en menor medida "Manderlay", así como puntualmente "Europa" o "Rompiendo las olas", tenían sus cositas. Pero es que el resto, empezando por la tramposa (en todos los sentidos) "Bailar en la oscuridad", son creaciones de alguien completamente pagado de sí mismo y que se cree capaz de poner patas arriba los esquemas establecidos sin poseer ni la cuarta parte de lo que hay que tener para eso. Hasta el punto de que lo bueno que haya podido conseguir en su trayectoria, quepa la posibilidad de achacárselo a la casualidad.

Pero la única realidad es que ni Von Trier es tan bueno como él mismo se cree, ni "Anticristo" vale para mucho más que para dejar en evidencia tanto a su director, como a ciertos críticos que buscan y hasta encuentran donde no hay absolutamente NADA. Creo que esta última es la auténtica utilidad que se le puede extraer al filme.

Pero lo verdaderamente patético de todo esto es ver cómo Dafoe y Gainsbourg (lo mejor de la película, con muchísima diferencia) se toman en serio al simbolista de patio de colegio éste, así como que el individuo en cuestión se permita el lujo de tomar el nombre de cineastas de verdad como Tarkovski en vano. Cineastas que podían aburrirte o maravillarte en un momento dado, pero que por lo menos te contaban ALGO. Y que sabían hacerlo y cómo hacerlo.

"Fonda sangrienta", de Jackie Cong

2010-01-05T13:19:00.004+01:00

FICHA ARTÍSTICA:

Título original: "Bood Diner"/ Director: Jackie Cong/ Producción: Jimmy Maslon/ Guión: Michael Sonye/ Fotografía: Jürg V. Walther/ Montaje: Thomas Meshelski/ Música: Don Preston/ Diseño de Producción: Ron Petersen/ Efectos Especiales: Bruce Zahlava/ Reparto: Rick Burks, Carl Crew, Roger Dauer, LaNette LaFrance, Lisa Elaina, Max Morris, Roxanne Cybelle, Sir Lamont Rodeheaver, Dino Lee, The Luv Johnsons, Drew Godderis, Bob Loya. USA. 1987. Color. 84'

Los años ochenta son una época reconocible, dentro del cine de terror. Tanto en cuanto a la estética de las historias, como dentro del aspecto más superficial de los personajes, tipo de humor, vestimentas, etc.

Y del mismo modo que hay filmes de aquella época por los que ha pasado demasiado el tiempo, otros no sólo no han perdido frescura, sino que incluso sirven perfectamente como ejemplos característicos de cara al espectador de hoy en día.

"Fonda sangrienta" es una auténtica gozada de terror gamberro (o comedia gore negra, como se quiera) de perfil absolutamente ochentero. Es imposible confundirse y situarla en otro momento histórico, si uno se pone a verla sin saber de qué año es.

Dos hermanos influenciados por la mente (por el cerebro, más propia y literalmente) de su tío, un asesino en serie tan sanguinario como cachondo, pondrán en marcha un lucrativo negocio de restaurante en el que servirán toda clase de platos elaborados con exquisitas (y humanas) materias primas. Todo ello a fin de financiar el experimento de poner en pie a un especimen femenino que viene a ser una especie de diosa de la venganza.

Si el argumento, ya de por sí, suena a psicotronía pura, la película no lo es menos. De ritmo endiablado pero con una comicidad a prueba de bomba y que no ha perdido nada de vigencia (al contrario, ha ganado en encanto), Jackie Cong dirige este plato no apto para estómagos delicados (hay cierta cantidad de gore) pero absolutamente entrañable.

No nos engañemos. "Fonda sangrienta" es al terror lo que "Porky's" es a la comedia. Es decir: trazo grueso y pitorreo en estado puro. Pero, al contrario de lo que suele suceder en muchos casos, los artífices de la peli no se limitan a pasárselo bien entre ellos, sino que realmente se preocupan por hacer cómplice al espectador de sus ganas de cachondeo. Y eso siempre es de agradecer. Algo que no vemos hoy en día en el gore más extremo, con un humor más que discutible, cuando no hay una ausencia total del mismo.

En definitiva, muy buena disculpa para una mirada retrospectiva destinada a nostálgicos del terror comercial y de la comedia negra americana de finales del siglo pasado. Y aunque otras películas de Cong, como "El Ser" o "Patrulla nocturna" también tienen cierta fama entre los aficionados, sin duda "Fonda sangrienta" es su mejor contribución al género vertiente gamberra.

Atención especial a la banda sonora, por cierto.

"Pandorum", de Christian Alvart

2010-01-04T12:56:00.003+01:00

FICHA ARTÍSTICA:
Director: Christian Alvart/ Producción: Paul W.S. Anderson, J. Bolt, R. Kulzer y Martin M./ Guión: Travis Milloy y C. Alvart/ Fotografía: Wendigo Von Schultzendorff/ Montaje: P. Stahl y Y. Valdez/ Música: Michl Britsch/ Diseño de Producción: Richard Bridgland/ Efectos Especiales: Gerd Feuchter/ Reparto: Dennis Quaid, Ben Foster, Cam Gigandet, Antje Traue, Cung Le, Eddie Rouse, Norman Reedus, André Hennicke, Friederike Kempter, Niels Bruno-Schmidt. USA-Alemania. 2009. Color. 108'

Aquí tenemos la penúltima (porque supongo que a estas horas habrá siete u ocho en marcha parecidas) muestra de CF y terror con mucha acción y adrenalina. O lo que es lo mismo, la enésima reencarnación de las "Resident Evil", "Doom", "Silent Hill" y demás.

En este caso, se trata de una coproducción entre los USA y Alemania, dirigida por un natural de este último país y protagonizada por, entre otros, Dennis Quaid. Un actor que, mientras años atrás era garantía de cierta calidad o al menos, de un mínimo interés, ahora es más bien lo contrario.

En "Pandorum", desde luego, no veremos al Quaid de las mejores épocas. Eso sí, da la sensación de haber sido un rodaje bastante descansado para él, porque mientras el resto de personajes se pasan la película corriendo de un lado para otro, él se está quietecito en su puesto de mando, tan sólo apareciendo en momentos aislados para justificar el sueldo, se supone, (porque su personaje podría haber sido interpretado por un vendedor de enciclopedias y tampoco hubiese pasado nada).

Argumento, argumento... psé... algo hay. Un joven se despierta tras un período prolongado de sueño en el seno de una inmensa nave que busca establecer nuevas colonias de vida en un alejado planeta, dado que en la Tierra la cosa ya está un poco peluda. A medida que recorre las diferentes estancias de la nave, se irá dando cuenta de que por ahí sueltos andan unos bichos de poco fiar.

Bichos que Christian Alvart se empeña en escondernos durante buena parte del metraje, seguramente porque no se distinguen por un carisma digamos, espectacular. Son el típico híbrido entre zombies-aliens-punkis hipervitaminados de siempre. Por supuesto, no nos libraremos de los sustitos idiotas de rigor, ni de la cámara mareante, aunque en este caso se comprenda (hasta cierto punto) porque el director de fotografía se llama Wendigo, nada menos. Lógico es, no le vas a pedir un pulso firme a un tipo que "camina-sobre-el-viento".

Coñas aparte, se puede justificar mucho en base a las pretensiones de Serie B, no digo que no. Pero esa etiqueta tampoco tiene por qué dar carta blanca para hacernos tragar cualquier cosa y sentirnos obligados a disfrutar.

A mí "Pandorum" me ha parecido el enésimo artefacto palomitero con el que terminas disfrutando más de las propias palomitas que del artefacto en sí. Digamos que no sería partidario de prohibir su visionado, pero tampoco me atrevería a recomendarla así como así. Por compararla con otro filme de similares intenciones y también con la presencia de Paul W.S. Anderson (aquí ejerce de productor) uno se queda cien mil veces antes con la modestia de "Horizonte final", por ejemplo.

Lo que tiene delito, es que en pleno 2009 el género fantástico pretenda estamparnos en la cara el mismo esquema que los italianos "descubrieron" hace treinta años, revistiéndolo encima de modernidad y tal (además de tenerse que gastar mucha más pasta). Pues no, señores. Se basen en videojuegos o no se basen en videojuegos, estas películas nacen cansinas y agotadas, por lo repetitivas que resultan a los diez minutos de empezar a verlas. Por lo menos en los videojuegos uno toma parte activa de la acción.

"Street Trash", de J. Michael Muro

2010-01-03T12:28:00.007+01:00

FICHA ARTÍSTICA:

Director: J. Michael Muro/ Producción: Roy Frumkes/ Guión: Roy Frumkes/ Fotografía: David Sperling/ Montaje: Dennis Werner/ Música: Rick Ulfik/ Diseño de Producción: Robert Marcucci/ Efectos Especiales: Matt Vogel/ Reparto: Mike Lackey, Bill Chepil, Vic Noto, Mark Sferrazza, Jane Arakawa, Nicole Potter, Pat Ryan, Clarenze Jarmon, Bernard Perlman, Miriam Zucker, M. D'Jango Krunch, James Lorinz, Morty Storm, Sam Blasco, Bruce Torbet, Roman Zack, Gary Auerbach, Roy Frumkes. USA. 1987. Color. 101'

Digamos que hay títulos deliberadamente crípticos o que buscan sugerir, más que describir fehacientemente lo que hay tras ellos. En cambio con otros sucede todo lo contrario. Te dicen exactamente lo que vas a encontrar. Ni que decir tiene, éste es uno de esos casos.

Eso es. Auténtica basura callejera, en sus más diversas formas. Y todo ello, por obra y gracia de este desconocido cineasta (en realidad, es su única película) que a los 21 añitos se puso tras la cámara y se dedicó a contarnos esta especie de pesadilla urbana del extrarradio de una gran ciudad.

Aquí todo sucede a la luz del día, entre vertederos y montones de mierda, donde las bandas callejeras más peligrosas y degeneradas se mezclan con los mendigos y la mugre extrema en todas sus formas. Si por ello fuera poco, de repente irrumpe un nuevo "personaje": una especie de bebida-jarabe caducada que se encargará de reducir todavía más la basura humana a la más simple de sus expresiones. Esto es: basura a secas, o basura no humana.

En realidad, "Street Trash" es una de esas películas sobre las que resulta bastante absurdo ponerse a hablar. Porque hay que verla para creerla. Una auténtica colección de marranadas y situaciones hiperviolentas, desde desmembramientos genitales, hasta secuencias necrófilas, violaciones, fluidos de todos los colores y texturas posibles... En definitiva, que el tal J. Michael Muro, parece especialmente interesado aquí en volcar sus post-adolescentes perversiones más íntimas en una serie de personajes a cual más desagradable (casi resulta obligado mirar con otros ojos a los mendigos tras ver esta película).

¿Calidad cinematográfica?... Pues bueno, ponerse a hablar de eso es como analizar las cualidades gastronómicas de un puesto de frankfurts en una feria callejera.

Lo único que encontraremos en "Street Trash" es provocación y mal rollete. Actores que no merecen ese nombre y una (curiosamente) nítida fotografía que incide en un tratamiento visual de la gran ciudad mucho más límpido de lo que la naturaleza costrosa de las secuencias parecería estar demandando. Es un contraste más que interesante. Tal vez, lo único que merece ser destacado aquí.

Ahora bien, si alguien está especialmente interesado en ver a gordos sebosos violando cadáveres, miembros genitales masculinos volando por los aires, cuerpos humanos deshaciéndose en pulposos y coloridos líquidos, etc. no debería dejar pasar la oportunidad, porque difícilmente va a encontrar tanta cantidad de porquerías de ese estilo como en este gomoso híbrido entre "El vengador tóxico", "Malas calles" y "Mad Max". Algo así como Scorsese absorbido por la Troma. Y bueno, vale, sí. Es francamente divertida.

"Juegos de carretera", de Richard Franklin

2010-01-02T11:52:00.003+01:00

FICHA ARTÍSTICA:

Director: Richard Franklin/ Producción: Barbi Taylor y R. Franklin/ Guión: Everett de Roche y R. Franklin/ Fotografía: Vincent Monton/ Montaje: Edward McQueen-Mason/ Música: Brian May/ Diseño de Producción: Jon Downing/ Efectos Visuales: Richard Wilmot/ Reparto: Stacy Keach, Jamie Lee Curtis, Marion Edward, Grant Page, Thaddeus Smith, Steve Millichamp, Alan Hopgood, John Murphy, Bill Stacey, Robert Thompson, Ed Turley, Angelica La Bozzetta, Colin Vancao. Australia. 1981. Color. 100'

Película de carretera y de camiones. Algo que puede sonar un poco vulgar, pero que sin embargo estuvo muy de moda durante una época. Seguramente a raíz de aquel hito que marcó Steven Spielberg y su fabulosa "El diablo sobre ruedas". El caso es que entre los años setenta y principios de los ochenta surgieron un montón de filmes y series con personajes que recorrían esas típicas carreteras americanas y a los cuales les pasaba un poco de todo. Había comedias, dramas, y naturalmente, thrillers y narraciones terroríficas.

"Juegos de carretera" viene a tener un poco de todo. En ella encontramos a un personaje principal encarnado por el (por entonces) muy de moda (gracias a la serie "Mike Hammer") Stacy Keach, que interpreta aquí a un camionero dicharachero y que trata de pasarlo lo mejor posible en esas larguísimas jornadas a bordo de su tráiler por las carreteras perdidas de Australia (curioso cambio de continente, sí). En sus periplos encontrará a otros personajes, entre ellos a una Jamie Lee Curtis, casi recién salida de "La noche de Halloween", ya coronada como "scream queen" oficial.

Claro, que no todas las compañías serán tan agradables. Así, el bueno de Patrick Quid (Keach) también coincidirá con un presunto asesino en serie al que irá persiguiendo (cuando no es él el perseguido) en una trama que bebe mucho de las fuentes de "La ventana indiscreta", pero en este caso, sobre ruedas. De hecho, los elementos "hitchockianos" de la peli son abundantes.

Richard Franklin fue un cineasta nunca demasiado reconocido, pero que modestamente aportó una serie de películas más o menos adscritas al género y que ahí han quedado, para el disfrute de muchos. Hablamos por ejemplo de obras como "Patrick", "Link" o la subvalorada primera secuela de "Psicosis" (volvemos al Tito Hitch), aquélla en la que Norman volvía a casa y que, huyendo totalmente de la prescindible secuela literaria de Robert Bloch, Franklin convirtió en una obra más que digna. Desde luego, muy por encima de las lamentables secuelas que vinieron luego.

En "Juegos de carretera", que juega (valga la expresión) descaradamente con el carisma de su protagonista, Franklin corre un poco el riesgo de la dispersión. Esto es, que el espectador pierda el interés a ratos, debido a la diversidad de tonos narrativos que el filme presenta. Seguramente eso es lo que más perjudica a la película. Ya en "El diablo sobre ruedas" había algún que otro ligero toque de comicidad en los monólogos internos del personaje principal, pero en ésta, da la sensación de que los pasajes cómicos se pasan un poco, en detrimento de la trama de suspense, que sólo cobra vigor en un tramo final aceptablemente interesante.

Con todo, se trata de un filme curioso, que vale la pena rescatar, si uno es aficionado a este tipo de películas de carretera tan de la época.

"El Motel del Infierno", de Kevin Connor

2010-01-01T13:41:00.004+01:00

FICHA ARTÍSTICA:

Director: Kevin Connor/ Producción: Robert Jaffe y Steven-Charles Jaffe/ Guión: Robert Jaffe y Steven-Charles Jaffe/ Fotografía: Thomas Del Ruth/ Montaje: Bernard Gribble/ Música: Lance Rubin/ Dirección Artística: Joseph M. Altadonna/ Efectos Especiales: Adams Calvert/ Reparto: Rory Calhoun, Nancy Parsons, Paul Linke, Nina Axelrod, Wolfman Jack, Elaine Joyce, Monique St. Pierre, Rosanne Katon, E. Hampton Beagle, Everett Creach, Michael Melvin, John Ratzenberger. USA. 1980. Color. 96'

Aunque el "american gothic" es una de esas etiquetas o subgéneros dentro del terror que pocas o casi ninguna sorpresa puede ofrecer, de vez en cuando se topa uno con algunas muestras que, sin ser obras inolvidables y magistrales, sí se contemplan con una irreprimible sensación de simpatía.

El veterano Kevin Connor, cineasta británico con cierto apego al género fantástico ("Cuentos de ultratumba", "La tierra olvidada por el tiempo", "Los conquistadores de Atlantis"...) y una posterior trayectoria, ya afincado en América, mucho más centrada en la televisión, nos ofrece aquí un pequeño pero regocijante y suculento bocado de "american gothic" casi de manual.

Y lo hace en buena compañía. Ya que, si por algo merece ser recordada esta película, más allá de por sus virtudes o defectos estrictamente cinematográficos, es por la presencia irresistible de Don Rory Calhoun, auténtica leyenda interpretativa de la época clásica y dorada de Hollywood, especialmente célebre en el género del western.

Aquí, un ya veterano Calhoun se convierte en el perfecto anfitrión de este Motel, cuyo dueño (es decir, él mismo) y su hermana (también espléndida Nancy Parsons) se distinguen por ofrecer suculentos manjares en forma de carnes ahumadas a los visitantes ocasionales de su establecimiento, así como a la población "nerd" de toda la zona. Manjares que, como no podría ser de otro modo, cuentan con algún que otro ingrediente secreto, fácilmente imaginable.

Tanto el planteamiento como el desarrollo y la apariencia de los personajes dentro del filme, están diseñados dentro de los márgenes de la comedia negra. Un tono cómico que se mantiene durante todo el rato, salvo en un tramo final curiosamente de una atmósfera mucho más oscura y tremendista. Por cierto, que el filme se cierra con una frase del personaje que interpreta Calhoun absolutamente delirante. Casi vale la pena ver toda la peli para llegar a ese momento.

Por lo demás, a pesar de tratarse de una obra algo envejecida a día de hoy, se puede ver sin peligro alguno en cuanto a la posibilidad de aburrirse. Es un filme modesto, simpático y entretenido. Aunque sólo sea por esa pareja de hermanos (Calhoun y Parsons) francamente impagables.

Posiblemente un poco más de virulencia en cuanto a sangre y vísceras no le hubiese venido mal, eso sí.

"La mujer de negro", de Herbert Wise

2009-12-31T12:24:00.006+01:00

FICHA ARTÍSTICA:

Director: Herbert Wise/ Producción: Chris Burt/ Guión: Nigel Kneale, sobre una novela de Susan Hill/ Música: Rachel Portman/ Diseño de Producción: Jon Bunker/ Dirección Artística: John Ralph/ Maquillaje: Connie Reeve/ Reparto: Adrian Rawlins, Bernard Hepton, David Daker, Pauline Moran, David Ryall, Clare Holman, John Cater, John-Franklyn Robbins, Fiona Walker, William Simons, Robin Weaver, Caroline John, Joseph Upton. Inglaterra. 1989. Color. 100'

¡Alehop! Volvemos a saltar al Viejo Continente. El tal Herbert Wise no tiene nada que ver con el gran Robert Wise. Para empezar, es austríaco. Para continuar, desarrolló casi toda su carrera dentro del medio televisivo. Eso sí, hay algo que les une. Y es el haber frecuentado el género fantástico y más propiamente el haber dirigido buenas historias de fantasmas.

Si de Robert Wise han quedado para la historia obras tan magistrales como "The Haunting", "El ladrón de cadáveres", etc. no cabe duda de que, aunque sea a un nivel infinitamente más modesto, esta "La mujer de negro" también debería permitir al otro Wise ocupar un pequeño lugar en nuestra memoria. Y es que se trata de una obra más que reivindicable.

Hecha para la televisión, eso sí. Pero claro, si hablamos de la televisión británica, la de "Arriba y abajo", "Retorno a Brideshead", etc, etc. estamos hablando de calidad.

"La mujer de negro" es una de esas historias con todos y cada uno de los ingredientes de las clásicas e inmortales "ghost stories" que los propios británicos supieron contar mejor que nadie. Ahí quedan nombres como los de Edith Warton, Shirley Jackson, etc. Curiosamente, también ésta parte de una obra escrita con trazo femenino: el de Susan Hill.

Un joven abogado que necesita urgentemente progresar en su profesión es requerido para encargarse de los detalles relativos a la muerte de una mujer, así como todo el papeleo subsiguiente. Por ello, se desplazará a una pequeña población costera típicamente británica, en la cual se topará con la actitud cerrada y esquiva de los habitantes, así como con una presencia femenina decididamente ominosa (la que da título al relato, obviamente) que se irá introduciendo de manera progresiva y diabólica en la vida del infeliz, mientras éste intenta sacar en claro qué hay tras dicha aparición.

Como vemos, la trama no puede ser más tópica. Pero claro, si uno es devoto del cuento de fantasmas de toda la vida, esos son una clase de tópicos que se disfrutan de principio a fin. Si además la narración se nos presenta (como aquí) de una forma impecable, tomándose el tiempo justo y necesario para no precipitarse ni tampoco hacerse pesada; magníficamente ambientada, con actores fiables y más que correctos y con una puesta en escena eminentemente televisiva, pero llena de encanto dentro de su academicismo... poco más se puede añadir. Y, desde luego, pocas pegas pueden sacársele. Pero es que, por si todo eso fuera poco, ¡además asusta!

Si la vocación de "La mujer de negro" fuese la de convertirse en una obra imperecedera y destinada a sentar cátedra dentro del cine de terror, es evidente que quedaría muy lejos de ahí. Pero como no es eso lo que pretende en ningún momento, pues no hay mayor problema.

Así pues, se trata únicamente de sentarse cómodamente en la butaca, apagar las luces y dejarse llevar por el ambiente fantasmagórico que Herbert Wise nos propone, con el mismo deleite con el que nos sumergimos en cualquier cuento de M.R. James, F. Benson o Sheridan LeFanu.